El Exorcista

“Somewhere between science and superstition, there is another world. The world of darknes”

Hay algunas películas que logran trascender por la calidad de su técnica y su narrativa como es el caso de “El ciudadano Kane” (1941), hay otras que trascienden por la calidad de su historia y de sus emociones, como “Ladrón de bicicletas” (1948), pero hay algunas pocas que logran conjugar tanto un ambiente expresivo idóneo, como una historia potente, y por lo general estas cuantas películas se convierten en las bases para el desarrollo de sus respectivos géneros.

En el Exorcista encontramos una película generalmente considerada como el mejor filme de terror de la historia gracias al manejo de un mensaje fuerte y profundo, y al buen desarrollo del tema.

La película a diferencia de muchas otras de este género no se basa en miedos inmediatos, no toca fobias, ni se expresa directamente a través del gore o la violencia, sino que construye momentos a través de simbolismos, más al estilo del cine de suspenso, sin embargo de manera muy inteligente la película se transforma en una sola locación pasada la primera mitad y a partir de ese momento es un filme bastante agresivo y, en su más resiente entrega sin censura, con muy pocos instantes dejados a la imaginación.

La historia gira en torno a Chris Mac Neil (Ellen Burstyn) una actriz que viaja a Washington durante la filmación de una película, y su hija Regan Mac Neil (Linda Blair) quien comienza a sufrir de extraños arrebatos de violencia, preocupada y al no poder encontrar ayuda médica Chris busca a dos sacerdotes, el padre Merrin (Max von Sydow) y el padre Karras (Jason Miller) con la esperanza de poder recuperar a su hija.

El director William Friedkin manejó una narrativa muy similar a la empleada en la época, con cortes bruscos y pocos movimientos de cámara, lo que en su momento dejaba muchas cosas a la interpretación del espectador, sin embargo el Exorcista cuenta con un punto muy importante que logra hacer que la película trascienda, al final todos los momentos cierran en un clímax bastante fuerte, sin dejar nada inconcluso, la película se entiende a pesar de el ritmo “forzado” propio de los 70s y para cuando concluye esto se siente más como un acierto o como una verdadera genialidad para incomodar en todo momento al espectador, que como una carencia de ritmo.

Otro punto muy importante del filme es la música, creada por Steve Boeddeker, y utilizada en momentos bastante tranquilos de la historia permite poner nervioso al espectador varios minutos antes de que suceda el primer incidente. Además de que no hace falta mencionar la trascendencia del tema original del filme.

Como mencioné en la primera parte de este artículo la película se basa en simbolismos, mucho antes de comenzar la narrativa de la trama, antes siquiera de que arranque la secuencia de créditos iniciales el director nos presenta dos imágenes muy sencillas pero a la vez muy fuertes. En la primera vemos como se apaga la luz del cuarto de Regan, diciéndonos que se está perdiendo en la oscuridad y la siguiente imagen es la de una figura de una virgen en una iglesia rezando, mostrándonos al mismo tiempo al enemigo y la única forma de vencerlo.

De esta misma forma es llevada toda la narrativa a lo largo del filme que esta plagado de pequeños significantes y al mismo tiempo de pequeñas tomas construidas en base a imágenes fijas que aparecen de repente como por ejemplo la imagen demoníaca a través de toda la casa.

El filme se consolidó como un clásico instantáneo que marco época y en su momento se requirió de la presencia de ambulancias fuera de las salas en algunos países por el nivel de impacto que causaba en los espectadores.

La película es muy recomendable por si sola, tanto por manejar una muy buena narrativa como por la calidad de la historia y sin mencionar que es la película de terror que más dinero a ganado en la historia del cine, además de que cuenta con este extraño fenómeno que le otorga una imagen aún más macabra con el paso de los años y la identificación de los simbolismos por la forma en que estos trascienden con el tiempo.

Por Daniel

EL ÁRBOL DE LA VIDA

"¿Dónde estabas cuando yo fundaba la Tierra? ¿Cuando las estrellas todas del alba alababan, Y se regocijaban todos los hijos de Dios?" Job 38:4,7

Conozco a una mujer que no es aficionada al cine. Es una señora madura con intereses y placeres sumamente alejados de las salas cinematográficas y de las pantallas televisivas. No le da la menor importancia a nombres de actores o directores.

Cuando ve una película, es porque algo en ella debe haberle llamado mucho la atención. Cierto día, al disponer de tiempo libre, asistió al cine con una amiga suya. Sin saber que había en cartelera, fueron dispuestas a ver la película que coincidiera con su horario de llegada. La próxima en exhibirse era una llamada "El árbol de la vida".

Entusiasmadas por ese título, entraron a verla creyendo que se trataría de un melodrama ligero con un edificante mensaje cristiano. Sin embargo, lo que vio la dejó con una mezcla de susto y confusión. Días después, al contarme esta anécdota, ella me la definió con una frase lapidaria: "Era una película bien rara, no le entendí nada"

Es la frase típica del cine de arte. De por sí esa etiqueta de "De arte" es difícil de definir, y las películas experimentales hacen el asunto todavía más complicado. Cuando ves una película "de arte" sin saber de antemano que es lo que vas a ver, corres el riesgo de terminar opinando una de tres: o está muy aburrida, o no le entendiste nada, o ambas.

El árbol de la vida fue, probablemente, la película de arte más polémica del 2011. Pero no por su audacia o crudeza, sino porque ni la crítica ni el público lograron entender de que rayos se trataba.

Con tanto comentario desfavorable, me esperaba lo peor. Debo admitir que soy un hombre de poca paciencia, y el cine abstracto no me es precisamente grato. Soy de los que refunfuñaron después de ver Mullholand Drive de David Lynch, por ejemplo, y no aguanto esas películas de tomas largas y planas donde los personajes contemplan el horizonte con cara de lelos.

Pero les tengo una buena noticia. El árbol de la vida no es una marihuanada sin sentido. Para empezar, tiene la gran ventaja de tener una trama coherente como base. Es la historia de un maduro hombre de negocios que recuerda su infancia y los hechos que lo marcaron: la muerte de su hermano, la severidad de su padre, la devoción que su madre le inculcó, las dudas existenciales que le surgían al enfrentarse con momentos trágicos, y todo se entremezcla con escenas de la naturaleza y el universo.

Un momento estamos viendo al padre reprender al hijo y de pronto nos vemos sobrevolando una majestuosa cascada, sin decir agua va nos lanzamos al espacio exterior y aterrizamos al lado de un dinosaurio. Mientras todo esto pasa, Escuchamos al hombre dialogar con alguien, asumo yo que con Dios, acerca del por qué de los misterios de la existencia.

Es cierto lo que dicen: Esta película tiene una estructura muy confusa. Mezcla tomas monumentales propias del cine contemplativo del estilo de Baraka y Koyaanisqatsi con una narrativa fragmentada que va del pasado al presente, y literalmente al principio y al final de los tiempos sin previo aviso. Parece que no se trata de nada, pero en realidad se trata de demasiadas cosas a la vez.

El elemento clave para captar su significado está en los diálogos. Son mínimos, pero certeros. Cada palabra le da sentido al caudal de imágenes que nos presentan. Y la música es maravillosa. Es una de las bandas sonoras más bellas que he escuchado. 

Más que una historia, es el retrato del proceso de maduración de una vida. Me recordó a aquella hermosa y también malentendida película de Darren Aronofsky, La fuente de la vida. Este no es un cine que te cuenta algo, es un cine que te hace sentir y te hace pensar.

También es un cine que te puede hacer roncar si lo ves sin advertencia previa. Para ver El árbol de la vida, tienes que saber que no te van a contar algo. Vas a experimentar sensaciones, atmósferas y visiones, y lo que entiendas dependerá de ti.

Esta película es como una tarjeta postal del Planeta Tierra y de la gente que lo habita. Aún más, es una postal de como se ve esa gente en relación con el más allá, la eternidad del espíritu y la infinitud el universo. La vida sigue, la gente muere, nada permanece igual. El Señor da y el Señor quita. Llegas al mundo a amar y a perder, a odiar y a reconciliarte, a dejar ir y a dar la bienvenida, a descubrir la belleza que te rodea y a padecer el dolor que te hará fuerte. Todo eso es El Arbol de la vida.

O más bien, como ya escribí antes, eso es lo que yo entendí. Igual y ustedes entienden otra cosa. En todo caso, vale la pena que vean esta película. A ver que les dice a ustedes.

Por Abel.

Forrest Gump

“Tal vez no sea muy inteligente, Jenny, pero sé lo que es el amor.”

Había una vez un hombre que nació en un hogar humilde. No era muy apuesto ni muy brillante. Nadie esperaba gran cosa de él, ni siquiera él mismo, y sin embargo, ayudó a hacer extraordinaria la vida de todas las personas que lo conocieron.

¿Donde radica el éxito de Forrest Gump? ¿Como puede ser tan cautivadora la historia de un muchacho con retraso mental que va por el mundo sin saber muy bien a donde quiere llegar? No es solo el hecho de que esta película haya sido repetida infinidad de veces en la televisión. Algo tiene que gran parte del público cinéfilo mundial la conoce, la vuelve a ver y se la sabe de memoria.

Quizás se debe a la personalidad tan entrañable de Forrest. Tom Hanks dejó atrás su faceta del Chavo Buena Onda y se consagró con su interpretación  de este hombre ingenuo y sensible, que podría llegar a ser desesperante a veces pero que en general da la impresión de ser un benévolo osote de peluche.

Tal vez es el encantador guión de Eric Roth. Ver a Forrest toparse con grandes personalidades del siglo XX sin siquiera darse cuenta nos provoca una sonrisa de simpatía similar a la que provoca ver a Marty McFly inventando el Rock and Roll y la patineta. Es un abrazo fraternal a la cultura pop con la que hemos crecido varias generaciones. Y este ingenioso gag que se repite a lo largo de toda la película nos lo creemos gracias a la estupenda realización comandada por Robert Zemeckis. La minuciosa ambientación de cada época y sobre todo, los sorprendentes efectos visuales que logran poner a Tom Hanks en momentos clave de la historia norteamericana sin que desentone para nada.

Hay quien dice que su éxito se debe a que Forrest representa el Sueño Americano ideal: El hombre común que a pesar de su ignorancia y torpeza llega a triunfar en la vida, lo cual en términos del American Way of Life se traduce en "Llegar a tener un chorro de varo", y lo mejor es que lo logra sin tener que hacer el menor esfuerzo.

Quizás hay algo de eso. Después de todo, Forrest vive en la nación de Homero Simpson, Peter Griffin, Ray Romano y demás patriarcas glorificadores de la estupidez como virtud. Otros, más cínicos, han visto un oculto mensaje machista en el contraste entre la vida de bonanzas del reservado Forrest y el camino lleno de problemas que vive la audaz Jenny, el eterno amor de su vida, como si esta historia fuera un sermón conservador disfrazado de blockbuster veraniego.

Pero hay algo más en Forrest Gump. Es una película que representa los viejos valores del cine como fuente de emotividad. En el mágico mundo del cine, hasta el vuelo de una mosca se puede volver poesía, y en Forrest Gump, los momentos mundanos de una vida normal se vuelven épicos. En otro tipo de película, nos habríamos concentrado en el drama de Forrest por su aparente falta de inteligencia, o en su tragedia romántica con Jenny.

En la vida real, un tipo como Forrest sería una persona querida y recordada entre sus seres queridos mas no una celebridad. Pero Forrest vive en el cine, y ahí, Forrest no fue solo el señor bonachón de la cuadra, fue el hombre que le dio forma al mundo como lo conocemos. El mensaje, si es que lo hay, puede ser que los grandes cambios en el mundo toman forma gracias a las acciones de las personas comunes. El héroe de la película puede vivir en cualquier barrio o pueblo, y sus acciones más pequeñas pueden ser la semilla de un acontecimiento enorme, que puede cambiar a la humanidad para bien o para mal.

En el fondo, todos somos Forrest, o por lo menos esperamos encontrarnos algún día con un tipo como él. Forrest Gump es de esas películas que te levantan de la cama y te hacen ver al mundo con ojos de esperanza. Creo que por eso todavía nos seguimos acordando de Bubba y del Teniente Dan y sus piernas mágicas. Creo que por eso hoy, cada vez que alguien se echa a correr como loco, nunca faltará quien piense o exclame un "¡Corre, Forrest, corre!"

Por Abel

La Piel que Habito

La obsesión de las personas con otras personas, los avances médicos que dan miedo, las personas que abusan de su poder, de su físico, o de su mente, personas que nacen para sobrevivir… que escriba quien quiera ser leído.

Me recordó un poco al ciempiés humano, y no precisamente porque ambas son integradas por cirujanos plásticos, maniáticos y traumados compulsivos que experimentan con el mamífero más dejado del mundo, el humano. Si no por todo lo que me hizo sentir y los cerca de 30 minutos que permanecí con la boca abierta.
Que bárbaro es el señor Pedro Almodóvar, siempre tocando temas de sexualidad, de preferencias sexuales, violencia, traumas psicológicos comunes y queridos con los que convivimos más de 6 horas a la semana.

El guión es estupendo, la caracterización, y la creación de personajes es… maravillosa, cada uno de los personajes defiende el argumento de porque los amas mientras vez la película pero el mismo filme mientras más avanza te recuerda porque los odias, entonces es una de esas películas que te mantiene sin parpadear, sin comer palomitas, sin besar a la pareja, por miedo a perderte algo. Es un filme extraordinario.

Completamente recomendable.

Las actuaciones están de lujo, la semiológica que maneja el director es tan poco notoria que esta increíble, es sutil como ver volar una pluma de ave.

Es un filme, que no me deja hablar de él, pero no puedo dejar de pensarle. Es casi como si estuviera prohibido contarla a quien no la ha visto porque sumerge una docena de sorpresas, tan inesperadas como los juguetes del día de Reyes, y no la quiero arruinar. Así que diré corran a verla, o dejen de leer… bajo advertencia no hay engaño.

La piel que habito a modo de chisme: ahí tienen que era un cirujano un poco traumado porque su esposa quien le puso el cuerno huyó con un tipo, pero típico chocaron y el auto se incendió, a él no le pasó nada, ella casi muere pero no, entonces el cirujano se propone hacerla hermosa de nuevo, y empiezan las investigaciones de procesos no probados aun en humanos, la señora ya quemada y fea de pronto se ve en un reflejo, y como no tenía conciencia de su estado, decide matarse pero sin querer la pequeña hija de ambos ve la muerte y queda un poco traumada, crece y en una de esas bodas del amigo, del hijo, del vecino, del compadre de la señora rica del pueblo… se enamora de un chico, el cual no pierde el tiempo y se la lleva al jardín de la mansión, el cirujano como buen padre corre a buscarla, y la encuentra inconsciente luego recibe tratamiento por los traumas generados en su vida, allí encerrada muere, el cirujano toma venganza… pero luego se enamora de… su creación. Ahí no acaba, ¿recuerdan al tipo con el
que la esposa huyó? Después te dicen quién es… y de ahí al final no pude cerrar la boca de lo impresionante que se me hizo el enredo porque está excelentemente bien llevado.

Es un filme que contiene sorpresa tras sorpresa, detalle tras detalle, y tejen una historia maravillosa. Tiene uno que otro error de secuencia, pero si no notaste el Rolex de Brad Pitt en Troya tu solito… estos errores pasarán de largo igual.

Lo último que quiero decir es... ¡ojalá gane! y ¡VEANLA!


Por Mony

Dimanche / Wild Life / The Fantastic Flying Books of Mr. Morris Lessmore

Es bien sabido que los premios Oscar tienden a ser predecible en cuanto a sus entregas y que sus nominaciones usualmente están sopesadas por diferentes motivos críticos y que no solo la verdadera esencia artística de una obra cinematográfica influye para que una película sea nominada a x categoría.

Sin embargo hay un par de categorías que no están tan viciadas, al momento de hacer la selección de la terna, como otras; esas categorías por lo regular siempre otorgan el galardón al filme que de verdad lo amerita por sus características artesanales y su calidad de producción, me refiero a los nominados en la categoría de mejor corto y mejor corto animado, siendo de esta última de la que se trata este espacio.

Dimanche / Sunday / Domingo

Un cortometraje de Patrick Doyon que cautiva desde el comienzo; un pequeño niño canadiense que se ve atrapado en una tortuosa rutina dominical aprecia el mundo desde su punto de vista inocente y logra percatarse a lo largo de su día de cierto dolor y sufrimiento que están a presentes en nuestro entorno todo el tiempo, si contar mas de la trama, debo decirles que tiene un desenlace que le da un giro a la historia pero que deja una buena enseñanza en un muy buen mensaje.

La historia por un lado es muy sencilla, directa y clara, pero en cuanto puse un ojo en las primeras secuencias de imágenes quede atrapado bajo su concepto visual, maneja un estilo muy llamativo y original, con colores pálidos y tonos ocres a todo momento, pero no por eso deja de ser cautivador; y cabe destacar que en cuanto animación tradicional se refiere ciertamente aún que hemos hablado mucho de la técnica japonesa y de la estadounidense, hay que mencionar que los canadienses se llevan la corona en la variedad de estilos visuales que tienen, siempre son un ejemplo de artesanía.

Wild Life

Un cortometraje de Amanda Forbis y Wendy Tiby, una vez mas los canadienses hacen presencia en los Oscares con mas de un trabajo de animación, una historia muy sencilla un joven británico de clase alta que sueña con ser vaquero y se lanza a la conquista de América en 1909. Así de fácil la resume, muy buen desarrollo con muy buen mensaje, la vida es mas dura de lo que crees y esta llena de sorpresas.

Pero una vez mas lo más destacable es la animación, dejando de lado su increíble estilo visual, la animación es realmente una obra de arte, cuadro por cuadro, realizaron una enorme cantidad de pinturas y desarrollaron de esta manera toda una secuencia de imágenes que editadas en conjunto resultan en un inspirador cortometraje.

Y si no me creen piensen en esto, un filme de animación necesita entre 24 y 30 cuadros por segundo dependiendo la técnica, la animación tradicional corre a 30 cuadros para hacerlo mas fluido, así que si consideramos la cantidad de pinturas que debieron realizar para terminar su proyecto, bueno el resultado definitivamente debe ser considerador una obra de arte.

The Fantastic Flying Books of Mr. Morris Lessmore

Un cortometraje de William Joyce y Brandon Oldenburg, un excelente experimento que mezcla la técnica del stop motion con la animación 3D, narrando una historia de fantasía única y conmovedora.

Un trágico acontecimiento arrasa con el pueblo destruyendo todo, dejando a la gente sin hogar y sin esperanzas, sin embargo en su andar el Sr. Morris Lessmore encuentra el foco de esperanza, que le dará claridad a su vida y a todos los que lo rodean. Todo esto atrapado dentro de un fantástico concepto visual, que explota la imaginación del espectador.

Y regresando a la técnica, bueno eso es lo que hace interesante a la terna de mejor corto animado, es tan sutil el manejo de la animación stop motion que engaña hasta el ojo mas entrenado, la fluidez del movimiento tanto de cámara como de los personajes animados en esta técnica se fusionan a la perfección con todos los detalles 3D, convirtiendo al proyecto en una verdadera pieza única y mi personal favorito para llevarse la estatuilla.

Los otros dos cortometrajes nominados son La Luna de Enrico Casarosa, trabajando en coproducción con Pixar, dejando a la famosa compañía, con está como su única oportunidad de obtener un poco de gloria en esta entrega del Oscar. Y A Morning Stroll un cortometraje británico que nos narra que pasa cuando un neoyorquino cruza su camino con un pollo para preguntarse, ¿Quién de los dos esta mas apto para vagar en la ciudad?

Aún que estos dos proyectos no se prestan para verse de manera gratuita fuera de festivales, les puedo adelantar que La Luna tiene toda la calidad que Pixar nos a presentado a lo largo de tantos años, y que A Morning Scroll es un experimento que combina una animación muy básica de palitos y bolitas, con animación tradicional y remata con secuencias 3D que le dan cierto encanto muy original al proyecto.

Sin embargo y sin importar cual de las 5 opciones gane, creo que lo mejor que se podría esperar seria la oportunidad de ver estos trabajos fuera de festivales y ojalá que de alguna manera pudiéramos tener acceso a ellos, y aún que esto suene a deseo de navidad, creo que estas son las producciones escogidas con mas objetividad de parte de la academia.

Por CésaR

Alfonso Cuarón

When people see some depth you never intended that's really cool, you just put on a face and say "Oh, yeah, that was deep". What are you going to say? I'm just a moron with luck?

Alfonso Cuarón nació el 28 de noviembre de 1961 en la ciudad de México, desde muy pequeño mostró interés por la cinematografía, pero no fue hasta sus cumpleaños número 12 que le obsequiaron una cámara con la que pudo comenzar a elaborar sus propias ideas, nunca tuvo muchos amigos y en ocasiones argumentaba ir a visitar a alguno cuando en realidad se iba solo al cine, su ambición era conocer todos los cines de la ciudad, gracias a que vivía cerca de los estudios Churubusco tuvo la oportunidad de acercarse y aprender cuanto le permitieran.

Al terminar la escuela Cuarón decidió estudiar cine, primero se presento en el CCC (centro de capacitación cinematográfica) pero fue rechazado porque en ese momento no se aceptaban estudiantes menores de 24 años, entonces se dirigió al CUEC (centro universitario de estudios cinematográficos) ahí conoció a muchas personas con las que más adelante colaboraría como Luis Estrada, Carlos Marcovich y Emmanuel Luvezki.

Luis Estrada dirigió un cortometraje titulado “Vengance is mine” en el cual ayudaron tanto Alfonso como Emmanuel, a los directores de la escuela no les pareció del todo que el corto estuviera hablado en inglés y a final de cuentas esto terminaría siendo el argumento para correr a Alfonso de la escuela, aunque también se ha manejado la historia de que Cuarón decidió salirse porque no le permitieron comercializar su trabajo.

Convertido en padre de familia Cuarón tuvo que dejar de lado sus aspiraciones cinematográficas y comenzó a trabajar en un museo, hasta que un día José Luis García Agraz y Fernando CáMara le ofrecieron un pequeño trabajo en “La Víspera” (1982) luego conseguiría ser asistente de director en la película de García “Nocaut”(1984).

Luego de unos años decidió que no quería volver a ser asistente de director y junto con su hermano Carlos comenzó a escribir el guión de la que sería su primera película “Solo con tu pareja” (1991), y aunque IMCINE (Instituto Mexicano de Cinematografía) ya había otorgado todos los auspicios de ese año a las respectivas producciones uno de los directores no pudo continuar con su proyecto y fue entonces que “Solo con tu Pareja” tomo su lugar, la película fue un enorme éxito obteniendo mucho reconocimiento en el festival de cine de Toronto.

Ya con cierta fama Alfonso viajo a los Ángeles en donde pudo trabajar dirigiendo algunos capítulos para series de televisión, hasta que finalmente fue contratado por Warner para dirigir Addicted to love (1995), pero una noche Alfonso leyó el guión de “La Princesita” (1995) y le encantó la historia así que habló con Warner para cambiar proyectos y lo logró.

Aunque a La Princesita no le fue demasiado bien en taquilla sí recibió dos nominaciones al óscar y ganó muchos premios alrededor del mundo. Entonces Cuarón recibió una invitación de Twenty Century Fox para dirigir una adaptación moderna del clásico de Charles Dickens “Grandes esperanzas” (1998), él realmente no quería hacer el trabajo, pero el estudio insistió y terminó aceptando.

Luego junto al productor Jorge Vergada creó la productora Anhelo y con esta filmaron su siguiente película “Y tu mamá también” la cual tubo un enorme éxito, se suponía que la siguiente producción de Cuarón sería “Niños del hombre” (2006) sin embargo mientras preparaba la producción Warner lo invitó a dirigir la tercera parte de la saga de “Harry Potter”, finalmente y bajo recomendación de Guillermo del Toro el director aceptó.

Actualmente Cuarón se encuentra en la post producción de la cinta “Gravity” a estrenarse este 2012.

Uno de los puntos más característicos del cine de este director es la integración de la cultura mexicana en sus producciones ya sea a través de diálogos o con simbolismos lo que convierte de inmediato al director en uno de los mayores exponentes del cine Mexicano a nivel Mundial.

Además sus producciones se caracterizan por una muy buena fotografía, gran ambientación y un sello de garantía que por lo general complace tanto a los críticos como a los espectadores, su película “La Princesita” a sido elogiada tanto en occidente como en oriente y aunque a “Grandes esperanzas” no le fue tan bien por tratarse de un gran clásico de los Estados Unidos (por lo que hubo muchos inconformes con que la dirigiera un Mexicano) la película es muy buena y aunque no pierde ese característico color verde del dinero y todo lo que este envuelve, el mensaje termina por atraparte.

Sin lugar a dudas no fue si no hasta que Alfonso tomo las riendas de la saga de “Harry Potter” que esta comenzó a tomar forma, no por nada le ofrecieron continuar con la saga completa, sin embargo es en “Niños del hombre” que pudimos disfrutar de un cine mas concienzudo, con increíbles actuaciones y extraordinarios planos secuencias que vinieron a darle clases hasta a los más experimentados, las expectativas se mantienen bastante altas con “Gravity” película que bajo líneas del propio Guillermo del Toro vendrá a revolucionar la narrativa del género de Thriller, sinceramente veo muy complicado que Alfonso nos decepcione.

Por Daniel

Moneyball

Bill Beane “There are rich teams and there are poor teams, then there's fifty-feet of crap, and then there's us”

Por lo general las historias que surgen en el deporte funcionan para desarrollar verdaderas leyendas en el cine, el hecho de basar historias tan emblemáticas en sucesos reales en los que las personas tienen que arriesgarlo todo para realizar sus sueños, convierte de inmediato a las producciones en lecciones de vida para el espectador.

   

Moneyball no es la excepción, basada en el rey de los deportes, se centra en la vida de Billy Beane manager general de los Oklands A’s y la forma en que revoluciono al deporte para hacer a un equipo “pobre” competitivo en tierra de gigantes, esencialmente la construcción del fuerte en base a los “feos”.

La película en general tiene muchos aciertos, técnicamente no le he encontrado errores, la narrativa es muy original y emocionante, presenta varios momentos en la trama construidos en base a cifras y otros tantos a ligeros comentarios precisos, lo que me lleva a hablar de una de las principales cualidades del filme, el guión, es muy bueno. Combina tanto el dramatismo por el éxito de cualquier cultura del deporte como una comedia muy sutil pero de muy alta calidad manejada a través del dialogo.

Hay que mencionar que la película no hubiera sido lo mismo sin Brad Pitt, son dos horas del actor a cuadro, pero a diferencia de películas como “Leyendas de pasión” de 1994 en esta ocasión no lo vemos de manera multifacética sino simplemente comprometido con un personaje “corriente” exponiendo a flor de piel sus emociones.

Además de Brad Pitt quien es el encargado de sopesar el peso de toda la trama también cabe mencionar las actuaciones a su alrededor que funcionan precisas para el desarrollo de la historia.

Un punto muy interesante del filme es que al parecer la película no esta basada en un deportista a diferencia de otras muchas películas del subgénero de drama deportivo, sino más bien en la vida de una persona detrás del equipo, una persona que difícilmente presenta su cara al público, un desconocido que no sale en tarjetas de béisbol y que a final de cuentas influye en el juego tanto o más como podría hacerlo cualquier pelotero.

Un detalle que me gustó mucho de la película y lo considero muy bueno es la narrativa, ya que, aunque el deporte podría resultar pesado para algunos no fanáticos, la película mezcla muy bien la narrativa para llevar al espectador a través de cada uno de los puntos más importantes del mismo, logrando que no se pierda el interés en ningún momento, todas las piezas parecen caer en el instante exacto en el lugar preciso.

Moneyball es una de mis principales recomendaciones, una de, a mi parecer, las dos mejores películas del año pasado y sin dudas una fuerte contendiente para la noche del Oscar, pero muy aparte de todo esto, una película muy recomendable tanto por la calidad de su narrativa por la de su mensaje.

Por Daniel

The Artist

With pleasure!

Una película majestuosamente realizada que hasta parece antigua, esta cinta es totalmente un riesgo o salía una maravilla o un desastre, el resultado una buena dosis de melancolía mezclada con una buena historia.

Primero hay que decirles es una película en blanco y negro y muda, estos son sus grandes aciertos y lo que en esta época le brinda autenticidad, al momento de estar viendo la cinta recapacite en cuanta basura ha pasado por el cine en la actualidad, donde ahora ni las palabras pueden rescatar un pobre guion, esta cinta muestra que los actores no necesitan del habla para enamorar al espectador.

La película tiene un sin número de actores importantes de Hollywood me fue muy grato ver en la pantalla de nuevo a John Goodman haciendo un extraordinario papel, pero sin duda alguna el éxito de esta película radica en la gran actuación de Jean Dujardin, su compañero canino y Berenice Bejo.

La trama de la historia no se las contaré pero les hablare sobre el mundo que la encierra, la película esta situada a finales de los 20’s cuando los estudios cinematográficos gozaban de una época de éxito y glamour haciendo con esto que añoremos esas épocas en las que las historias eran pocas pero ricas en contenido, por otro lado las locaciones son en estudio, lo cual se nota y se agradece, esta película hace añorar cuando Hollywood era en verdad una fábrica de sueños e ilusiones, no se centra en una gran ciudad es más ni importa donde sea por que el personaje principal es la historia.

La música, al ser una película muda, toda es acompañada por un extraordinario score, que conmueve y es el medio por el cual se busca llegar aun más a la audiencia, lo maravilloso de esta película es que obliga al espectador a poner atención y silencio, a cambio, somos cautivados y absorbidos a un mundo que la propia industria cinematográfica dejo morir.

Por Dulce

The Descendants

Paradise? Paradise can go fuck itself.

Cualquiera de nosotros pensaría que vivir en Hawai sería como estar en el paraíso, vivir rodeado del mar y el cálido sol, sin embargo las familias que viven ahí se enfrentan a sus propios problemas y dramas de la vida cotidiana tal es el caso de esta historia, donde un padre de familia debe lidiar con un par de hijas problemáticas y rebeldes al mismo tiempo que debe enfrentar un accidente trágico y el engaño de su esposa.

Así es en esta película George Clooney sufre mucho y con su buena actuación transmite sus emociones a la audiencia, la película tiene muchos aspectos relevantes, es una trama con la que cualquier miembro de una familia se identificara, muestra Hawai y su soundtrack se compone de música típica de la región.

Esta no es una película palomera sencilla de digerir sin embargo no es una película difícil de entender esta en ese punto medio donde los padres adictos al trabajo se sentirán identificados y la actuación de George Clooney te conmoverá y enganchara completamente con la historia.


Por Dulce

Melancholia

Life is only on earth, and not for long.

Está película sufrió y murió antes de su estreno debido a las desafortunadas declaraciones de su director Lars Von Trier durante el pasado festival de cine en Cannes, sin embargo esta cinta merece una oportunidad, yo no sabia nada de esta película y cuando termine de verla me lleve una gran sorpresa.

El cine de Hollywood nos ha mal enseñado como debe ser el Apocalipsis, como todos estaremos gritando y corriendo, pero existe gente con otras visiones y esta película es una de ellas, en un filme dividido en dos actos donde se presenta la historia de dos hermanas que por medio de sus experiencias personales y sobre todo sus problemas psicológicos, traumas, vemos que el dolor y la melancolía diaria pueden convertirse en el Apocalipsis de nuestras vidas.

La película cuenta con una extraordinaria locación y aunque es un poco lenta, la hermosa fotografía hacen que la travesía de la historia se haga digerible y entendible, la cinta busca crear conciencia de nuestros actos y dolencias.

No contare más de la cinta por que deseo que se lleven la misma grata sorpresa que me llevé yo, sin embargo he de decir que no es una película para todos, vela si tienes ganas, tienes tiempo y la mente abierta.

Por último hay que recalcar la increíble actuación de Kristen Dunst y Kiefer Sutherland este último interpreta de maravilla su papel y logra desprendernos completamente de su imagen que tenemos de él como superhéroe en 24.

Por Dulce

Drive

I know a lot of guys who mess around with married women, but you're the only one I know who robs a place to pay back the husband.

He de confesar que esta película fue para mí una gran sorpresa y se ha convertido en una de mis preferidas, Drive es un thriller dirigido por Nicolas Winding y estelarizado por Ryan Gosling y Carey Mulligan; esta historia esta basada en la novela Drive del año 2005.

Esta cinta parece un laberinto, cada 5 minutos cuando crees haber resuelto la historia algo cambia teniéndote al borde del asiento; cabe destacar que es una historia con cierto grado de violencia, pero toda la acción y violencia que encierra sirve como conductor para narrar una intensa relación de amor.

La película aunque es fuerte maneja nobleza y grandeza y eso hace que su crudeza se acople y amalgame perfecto a la situación, esta película se ha ganado su puesto por el magnifico guión que maneja y la excelente actuación del protagonista que al verlo en Blue Valentine y ahora en Drive sé que estamos presenciando a un actor consolidado que engrandece cualquier papel.

Lo que hace a Drive especial dentro de esta terna es que logra absorberte y sumergirte en la historia, sufres con los personajes, gritas, te pone los nervios de punta y aún con toda la acción y estrés que maneja tiene una de las escenas más románticas y conmovedoras que he visto, logra hacer que la furia que se va acumulando en nuestros ojos a lo largo de la trama desaparezca y conmueva nuestros sentidos.

La película es un gran logro con tan solo 19 millones de dólares se hizo una gran cinta, con un muy buen soundtrack, gran guión y excelentes actuaciones esta es una de esas películas que no deben perderse.

Drive la historia donde el volante y la sangre demuestran que no hay límites en el amor.

Por Dulce

THE HELP / Vidas Cruzadas

La finalidad de esta sección y propiamente la mía siempre ha sido acercar a todos ustedes a esas películas que muestran de una manera inteligente los sentimientos, este 2011 hubo gran muestra de inteligente amor, mucho girl power e increíbles guiones, aquí les dejo mi selección de las películas más sensatas y con sentimiento.

And did you know as a girl growing up that one day you'd be a maid?
Yes ma'am, I did.
And you knew that because...
My mama was a maid. My grandmama was a house slave.

Una película que tiene más de un año que se estreno en las pantallas de cine americanas y  llega a nuestro país hasta este mes de febrero, una cinta que trata el tema de la discriminación y no solo la de razas sino en toda una gama de aspectos. Actualmente muchos pensarían que es un problema lejano que probablemente les tocó a nuestros bisabuelos, sin embargo esta película tiene la magia de tocar aspectos discriminatorios que la mujer aún sufre y en una sociedad como la nuestra más; o que no me digan que nadie les ha ofrecido un sueldo más bajo por ser mujer o nunca les han dicho mija haber para cuando te casas ¿no? Ya vas para los 30 o como ya tienes hijos seguramente vas a descuidar tu trabajo, te despedimos para que pases más tiempo con tu criatura y así puedo seguir, la historia de la figura femenina es una historia de lucha y en este película podemos ver que la mujer no solo ha tenido que luchar por su lugar y libertad frente a los hombres o diferencias raciales, sino que hemos tenido y seguimos teniendo que enfrentarnos con nuestro propio género.

 The Help es una cinta basada en la novela del mismo título escrita por Kathryn Stockett, narra la historia de las sirvientas o criadas afroamericanas en los años 40’s 50’s y las opresiones que deben enfrentar viviendo en la comunidad de Jackson, Mississippi, con actuaciones extraordinarias de Viola Davis, Emma Stone, Octavia Spencer y Bryce Dallas esta historia no solo refleja una realidad que aconteció en el vivir de los estadounidenses sino que transmite una cantidad de emociones que te conmoverán y te harán reflexionar sobre tus propios actos y las dificultades a las cuales todas estamos expuestas.

Con un presupuesto de tan solo 25 millones de dólares esta película de época logra un increíble vestuario, excelentes locaciones, grandes actuaciones y numerosas nominaciones en esta temporada de premiaciones.

Por Dulce

Across the Universe

Te reto a que veas esta película sin tararear por lo menos un coro… Que escriba quien quiera ser leído…

Actores prácticamente desconocidos, voces por estrenar en canciones altamente reconocidas,  vestuario, utilería, escenografía de época… en una historia escondida tras letras que todos hemos escuchado al menos una vez en nuestras vidas, tan conocidas por generaciones… que todo pudo ser un rotundo y épico fracaso. ¿Quién no ha dedicado a su “verdadero amor” una canción del cuarteto de Liverpool?

Bastante complicado el reto que tuvieron al pensar crear una historia nueva a partir de canciones tan emblemáticas, si fallaban seguramente hubieran tenido que cambiar de nombre y profesión todos los involucrados en éste proyecto, pero si triunfaban seguramente serían reconocidos alrededor del mundo por su labor… y así fue
Across the Universe es un musical, que cuenta la historia de amor, amistad, drogas, paz y psicodelia por la que muchos jóvenes sesenteros atravesaron bajo la música de The Beatles. Me atrevo a afirmar que aún en esta época es identificable el sentimiento y la emoción de los personajes, porque la pasión en las vidas siempre existirá no importando el año o el contexto social en el que se viva.
Y es que cómo dejar pasar la juventud sin esas aventuras que te enseñan a fracasar y a aprender. Los amoríos, los bares, los nuevos amigos y sus familias, la pérdida de un ser querido, esos viajes de bajo presupuesto…  la incansable búsqueda de una vida.

El filme se desarrolla a través de las composiciones del cuarteto, contando una historia de amor entre los personajes, enredando a cada uno con los distintos matices que éste sentimiento provoca, el amor a un hermano, a un amigo, a una pareja, el amor al arte ó a los impulsos de la vida, todo aderezado con colores. Para no dejar atrás la esencia del cuarteto inglés  y para recalcar ese “algo” que los hacía diferentes.

Actuaciones impecables, fotografía que no le pide nada a nadie, vestuarios nominados por la academia, dirección vocal exquisita, arreglos musicales de lujo, efectos especiales increíbles, escenografía y utilería que te deja con el ojo cuadrado… ó tal vez yo soy muy fan y no le encuentro errores, pero en verdad es una producción magnífica en la extensión de la palabra.

Debo admitir que estaba un tanto renuente con la idea del musical porque me parecía demasiado arriesgado hacer arreglos con las canciones y más aún hacerlas “encajar” en un guión, porque no es la primera vez que se ve… y hay quienes fracasan bien y bonito, muchas veces el resultado es un bello concierto en situaciones cotidianas, sin embargo Across the Universe es la prueba de que éste tipo de fusiones o experimentos funcionan siempre y cuando se tenga un buen equipo de personas trabajando con la misma sed de triunfo.

Cuando terminas de verla, puedes creer que si fue así de donde salió la inspiración para que el  famoso cuarteto compusiera su música, que vivieron todos y cada uno de los personajes que ellos mencionan en sus canciones y que los conocieron tan a fondo que decidieron cantar en su honor.

Al menos yo siempre he querido conocer a Jojo,  Jude, Lucy ó Molly. Si algo le reprocho a la producción es que no hayan metido más canciones por mi hubiera durado 4 horas con tal de escuchar muchos éxitos más, que obviamente se tuvieron que suprimir, difícil ha de haber sido esa tarea, ¿cómo elegir? si la banda tiene más de 300 composiciones y la mayoría tan amadas por los fans. Sin embargo la selección de canciones me parece muy buena.

Como sea les recomiendo ampliamente la película, bastante digerible, no hay duda de que  la pasarán bien deleitándose más de los cinco sentidos con ésta producción musical. En lo personal creo es maravillosa, lo que la convierte en una de mis favoritas, de “las de cajón”… veámosla sólo para aprender que siempre es posible enamorarse en medio del caos ó encontrar a un amigo verdadero por si no fuera suficiente… sí, el amor lo puede todo, puede cambiar formas de pensar, revoluciones sociales y hacer que tu vida valga la pena… ¿porqué, después de todo, no luchamos con el amor de nuestro lado?

All You Need Is Love

Por Mony

389 MILES: LIVING THE BORDER. LA VERSIÓN COMPLETA.

“Ningún humano es ilegal.”

El cineasta Luis Carlos Davis es nativo de Sonora y los asuntos de la frontera son algo cotidiano para él. Motivado por eso, se lanzó a recorrer la frontera que separa a su estado de los EE.UU., documentando a su paso todo lo que se le fuera presentando. El resultado de este trabajo fue 389 Miles "Living the border", un documental donde se recogen testimonios sobre la migración fronteriza desde varios ángulos.

Están los propios migrantes contando sus historias, pero también hay  patrulleros fronterizos, misioneros, minute-men, activistas, ganaderos, obreros de maquiladoras y hasta un coyote, que da una crónica detallada de lo que implica llevar gente al otro lado brincando leyes y bardas.

Lo excelente de este documental es que mantiene siempre una mirada objetiva. Deja que cada uno de los entrevistados hable de sus experiencias y de su postura personal sin emitir ningún juicio de valor agregado. De esta forma podemos conocer varios lados de un asunto muy complejo al que pocas veces tenemos un acercamiento tan amplio. 389 Miles evita el morbo y los datos estadísticos para llevarnos en un viaje lleno de calor humano.

Hace algunos meses, presentamos una entrevista con Luis Carlos en el Radio Podcast de Échale Cácaro y un artículo anunciando el próximo estreno de la película. Ahora, la película está completa y gratuita en la red. Pueden verla en la página oficial: www.389miles.com o en esta misma página. También pueden escuchar la entrevista en nuestro ARCHIVO DE PODCASTS.
 Y si les gusta o no les gusta, háganselo saber a Luis Carlos, que para eso se hace este tipo de cine, para reflexionar, opinar y sobre todo, compartir.

389 Miles nos muestra que, de ambos lados de la frontera, ya sea pizcando fresas, trabajando en las fábricas, patrullando las fronteras o buscando nuevas oportunidades, todos tenemos una historia que contar y el derecho de escuchar y ser escuchados para entendernos mejor.

Por Abel

Salvando al Soldado Pérez

George A. Romero

Esas veces que no te explicas como llegas a un lugar y cuando estás ahí tu cerebro pregunta ¿qué haces aquí?,  hoy prometía ser un día “normal” y ordinario…
que escriba quien quiera ser leído.

Domingo 23 de octubre del 2011, Mony se despierta por una llamada en la que le piden por favor que sea “modelo zombie” para unas fotos, y sin preguntar más acepté ¿por qué no? Cuando llegué a la cita me di cuenta que estaba entrando a una convención de terror y el zombie que requerían era para la sesión fotográfica con el director George A. Romero,  claro entre foto y foto tuve la oportunidad de platicar con él, así pues a partir de las 12 convivimos…

Él un hombre muy atento, sencillo, culto, inquieto y feliz. Para abrir conversación le hice una pregunta que mi hermano tenía, así pues la respuesta a su película de zombies favorita fue “no lo sé, pero tampoco sé si sería una mía, me gusta mucho Land of the Dead” y de terror me ha dicho que varias “antes era una respuesta sencilla, pero ahora es difícil pues ya existen muchos subgéneros unos predecibles otros no tanto, ahora ya hay monstruos enormes que no explicas como pueden existir, King Kong era un chango grande y eso era todo hoy son mezclas de todo” por lo que no respondió el nombre de ninguna película en especifico.

Así que procedí a contarle mi experiencia al ver The Night of the Living Dead, la primer película que revivió a un muerto, rió y al final se disculpó por provocarme tantas pesadillas que sueño a la fecha y comentó para mi hermano (quien me obligó a ver el filme) que lo felicita por enseñarme su trabajo pero que espera que lo cruel haya disminuido con el paso de los años, a lo que respondí que no, que disfrutaban mucho de verme gritar en el cine, el dijo “momentos de oro”, mientras se encogía de hombros como dando permiso a mis hermanos de darme recuerdos en la vida.

Conversamos sobre México, pues preguntó que al estar aquí había notado mucha cultura prehispánica, hablamos sobre el calendario azteca, las pirámides, los grupos indígenas los cuales causaron alegría en él al enterarse que aun existen, mostró interés sobre nuestra gastronomía, platicamos del chile, la vainilla, luego preguntó sobre los animales que no se podían quedar atrás pues mencionó que le gustan mucho y que las personas tenemos muchas coincidencias con ellos y que compartimos algunos hábitos, tristemente los malos…

No podía dejarlo ir sin decirle que mi hermano es cineasta, y el director me aprovechó para mandarle un mensaje dijo: “hace lo correcto, el cine independiente es mejor siempre, pero es muy difícil, espero fuertemente que no se decepcione, ni se aleje de seguir su sueño, es duro pero nunca aburrido, necesitará un corazón con armadura y esperanza, y un alma libre…” siguió “jamás, no dejes que escuche lo que le dicen, que siga el camino que nadie conozca… así podrá engañarlos si le va mal”, y después sólo guiñó el ojo como cerrando la complicidad entre nosotros.

Definitivamente es una persona admirable a quien a partir de ese fin de semana estimo fuerte y cercanamente, aceptó formar parte de mis “amigos especiales” le agradan los Beatles, pero no mucho, prefiere el Baseball al Football Americano, aprecia a Guillermo del Toro y a George Lucas, no es muy dulcero, y aunque le gusta la comida rápida su esposa lo alimenta sanamente… ha luchado mucho por sobresalir, no recuerda los premios que ha obtenido ni los reconocimientos recuerda lo mucho que luchó y lo fuerte que se hizo, le sorprendió mi estatura a mi edad. 

Me felicitó por sonreír mucho, así que yo aproveche y lo felicité igual le dije que desde el viernes lo había visto sonriente, el dijo: “siempre la gente dice que el hombre lucha por ser feliz, pero ¿porqué?, porque no luchamos siendo felices, la gente se espera y así se pierde en su camino, tú pequeña niña zombie no esperes a que sea demasiado tarde, se feliz desde hoy” y terminó con una sonrisa en la cara.

Sin duda me dio un consejo y uno de los abrazos que más sinceros he obtenido. Gracias George A. Romero por ser.

Por Mony

El Ciempiés Humano 2

Supongo que tuve que dejar unos días después de ver El Ciempiés Humano 2 para dejar pasar el shock visual y poder reconfigurar el filme con claridad en mi mente, para poder escribir del extraño híbrido Psico-Gore-Art que es este artrópodo de terror.

Solo para fans se presenta la secuela de una manera muy underground, para un sequito de seguidores del terror y lo bizarro, una película que cambia por completo los límites establecidos y los destruye de un pisotón mal parido.

Para todos aquellos que han esperado con ansias la segunda parte, puedo decirles abiertamente que no los va a decepcionar, aún que para los mas conservadores; si es que en este grupo de espectadores existe tal posibilidad de usar el adjetivo; tal vez por fin salio un proyecto Gore independiente que los haga decir como a mi, “se pasaron” o por lo menos los va a hacer voltear para otro lado.

En este espacio ya he comentado filmes que llegan a la violencia real, donde incluyen mutilaciones captadas en vivo y que son utilizadas como parte del proyecto en el resultado final, películas que realmente me han dejado con cierta consternación en la mente tras haberlas visto, pero a pesar de que El Ciempiés Humano 2 no tiene nada mas que simulaciones actuadas, creo que el simple acto de violencia que utiliza en el climax es realmente innecesario, no aporta nada a la trama y simplemente siento que esta puesto ese momento ahí para colgarse el estandarte de: “fuimos nosotros los que lo filmamos primero”, sin revelar mas y respetando los deseos de aquellos que no han visto la esperada secuela no comentare mas del asunto.

Pero si me adentrare en todo lo que rodea al Ciempiés Humano 2, la atmósfera creada con el diseño de arte es de lo mejor que he visto para este subgénero del terror, sin conocer la historia ni su propósito un solo fotograma del filme logra trastornar a cualquiera, es el perfecto ejemplo de cómo es necesario pensar como el gran monstruo que es un guión de este tipo para lograr tal concepto, tan surreal y pervertido.

Lo que me lleva a la fotografía, comparándola con la primer parte, muchos considerarán que tiene mejor estructura de la manera en la que esta hecha la original, que es a color, ya que por un lado esto aporta mas realismo a la historia y tal vez que el hecho de hacer la secuela en blanco y negro es un error ya que le quita de cierta forma al filme la esencia que el director Tom Six  había mostrado con la idea de que es médicamente 100% posible.

Pero yo creo que por un lado lo que quiso hacer es trastornar más al espectador, con ese muy sombrío juego de contrastes claro-oscuros, de una manera muy atinada le quita realismo con esa textura, pero en esta ocasión no deja absolutamente nada a la imaginación y por otro lado creo que con este diseño de arte y fotografía sombrío y surreal, intenta justificar de alguna manera, el innecesario momento climático, argumentando que por ser un pseudo filme de arte se le permite violar ciertos límites establecidos.

Aún que la historia es muy sencilla, es creo yo, incluso mas original que la primera, ya que ante la posibilidad de hacer una secuela con los mismos personajes era casi inimaginable, aquí lo lograron e incluso los establecen desde cero, estructurando todo de una manera tan creíble que convierte a ese infierno en un planteamiento tan real, que nos deja pensando en la posibilidad de que ese acontecimiento si suceda fuera de la pantalla.

Lo que me deja paso para hablar de lo mejor que este filme tiene; el villano, Martin, una tormenta perfecta que conjuga todo aquello que se tiene que mezclar para crear a un monstruo tan devastador en sus intenciones como inofensivo en su apariencia; la brutalidad que este pequeño ser, de características ridículas, se desatan de tal manera que el resultado de sus acciones, podrían compararse con los restos de una presa destrozada tras el devorador ataque de un depredador dominante.

La interpretación de Laurence R. Harvey es simplemente perfecta, es tan buena que en toda la película no necesita mencionar ni una sola palabra y se comprende a la perfección con puros diálogos inferenciales que giran a su alrededor. No necesita mas, sus expresiones, su cuerpo, su mirada tan penetrante, para declararnos sus intenciones y todo eso lo convierten en el monstruo perfecto un ser con un propósito puramente maligno. Lastima que este filme difícilmente va a ser apreciado fuera de un público underground ya que en mi opinión Laurence es un digno contendiente a un Oscar.

Que mas puedo decir, hace mucho tiempo que una película de terror no me hacia voltear mi cara para otra lado y aún que Taxidermia logró mas que eso, bueno, esa no era de terror; creo que ningún fan del genero va terminar decepcionado después de verla y probablemente muchos me tachen de blandengue por no aprobar el climax que aún que me desagrado por completo, me da gusto saber que tengo mi copia resguardada entre mi colección de películas.

Por CésaR

Rocky Balboa

…But it ain’t about how hard you hit. It’s about how hard you can get hit and keep moving forward.

Muchas personas fueron al cine con la expectativa muy alta a ver Rocky Balboa, sexta entrega de la famosísima saga que en su momento estableció las pautas para la narrativa de drama deportivo.

Fueron con la esperanza de ver una extraordinaria batalla en el ring donde la sangre brotara y al final con un último golpe Rocky saliera vencedor por K.O. en los últimos segundos, estas personas obviamente salieron decepcionas de las salas, porque cualquiera que haya visto una película de Rocky (en especial las dos primeras) entendió que la historia no podía ser de otra forma, que el final no iba a ser diferente, que las películas de calidad de Rocky son lecciones de vida y que a final de cuentas el box funciona solo como medio para desarrollar a un personaje que inició ávido de respeto y ahora se despide con el mismo sentimiento.

Rocky Balboa del 2006 cuenta la historia de Rocky, un boxeador retirado y más que establecido en el mundo pugilístico por sus extraordinarias y emocionantes batallas sobre el ring de antaño, se encuentra ante la última encrucijada de la vida en la que ve como sus mejores años han pasado, y a raíz de una controversia con el actual campeón del mundo Mason Nixon, se cuestiona si será capaz de entregarse una última vez en el ring.

La película cuenta con buena fotografía muy al estilo del presentando en las películas anteriores de la saga, mostrando en reiteradas ocasiones barrios solitarios y calles oscuras de Philadelphia, la música es igual de buena que en cualquiera de las demás producciones, y el drama generado a lo largo del filme rescata en mucho lo creado en las últimas entregas en las cuales, en mi más humilde opinión, la narrativa había venido decayendo.

El punto que considero más interesante en el filme es que el personaje principal (Rocky) ya está establecido, ha aprendido duras lecciones a lo largo de la vida y ahora se encuentra en un punto en el que carece de defectos (por lo general y en especial en las películas de calidad el protagonista se presenta con un defecto de carácter con el que tendrá que luchar y corregir a lo largo del filme).

Sin embargo esto no desmerita para nada la película ya que de forma muy inteligente el personaje de Rocky es presentado como un hombre a punto de entrar a la vejez al que pocos o nadie escuchan y al que no creen pueda tener una oportunidad, por lo que las personas con defectos (de nuevo de forma muy interesante e inteligente) son todas las que rodean a Rocky a lo largo del filme y son ellas las que tendrán que aprender de la voz del personaje establecido.

Ya de entrada yo no recuerdo ninguna película que haya manejado este mensaje de esta forma, entiendo que el filme nos suene raro a los jóvenes y a los adultos jóvenes, que no hemos entendido esta etapa de la vida que se encuentra “demasiado lejos” de nosotros, sin embargo pensando que todos vamos para allá no puedo dejar de aplaudir la manera en que Sylvester Stallone desarrolló el tema.

Al igual que en la primera parte el punto principal parece ser que nadie cree que Rocky pueda demostrar algo en el ring, la diferencia es que en la primera nadie confiaba en el vago de la cuadra y en esta ocasión Rocky se encuentra del otro lado de la línea de la vida y nadie lo valora por su edad avanzada.

Cuando la película fue anunciada hace ya unos años recuerdo que muchos comentarios se dirigían hacia el estado físico del actor y en preguntarnos si veríamos a un “viejito” pelear, en su momento sonaba bastante ridículo, sin embargo luego de observar el desarrollo de la trama, me doy cuenta de que Stallone se preocupó por plasmar esto mismo en pantalla, sí, si es posible ver a un “viejito” pelear y no solo en el ring, sino también pelear por la vida que quiere.

La narrativa a lo largo de la película esta maneja con el recurso de la creación de momentos, muy similar a la presentada en las primeras producciones de la saga, las escenas se desarrollan para conducir al espectador a lo largo de estas escenas clave.

La primera se presenta muy pronto en el filme cuando nos enteramos, después de una secuencia larga, que Adrian (la esposa de Rocky) ha muerto, entendemos luego de una conversación explosiva con Poulie (cuñado de Rocky) que el dolor no ha desaparecido con el tiempo y que Rocky extraña de sobremanera la ya establecida fuente de su fuerza. Básicamente nos enteramos de que Rocky ha recibido el golpe más fuerte que podría haber recibido en vida, todo esto con un motivo que se desarrollará más adelante en la trama.

Otra escena importante en el filme (y mi favorita en lo personal) es cuando Rocky tiene una discusión con su hijo, una verdadera lección de vida, cuando él le reclama el hecho de vivir su vida sin pensar en los demás, la calidad del dialogo y las actuaciones en esta escena en particular crean una atmósfera que dura apenas unos cuantos minutos pero por la cual, creativamente hablando, valen la totalidad de los gastos del filme.

Un último ejemplo de estos momentos claves es el final de la película los segundos posteriores a la pelea donde pequeños emplazamientos y ligeras líneas de dialogo construyen un extraordinario final, donde (incluso lo mencionan tal cual) Rocky le da una lección a Dixon sobre el cuadrilátero y una última vez el público que dudaba de las capacidades del boxeador termina por aclamarlo.

Rocky pensaba en partir sin pena ni gloria, pero es su propio hijo quien lo detiene y lo hace regresar del camino de los vestidores a despedirse del público que continúa coreando su nombre, quiero pensar que esta es la última entrega de esta extraordinaria saga, y que Rocky regresó a despedirse de todos nosotros y en una última toma que parece pensada en el momento de la filmación Rocky estrecha la mano de un desconocido aficionado, dejándonos imaginar que ese podría ser cualquiera de nosotros o todos nosotros, funciona entregando a Rocky en una última toma a su público.

Recomiendo mucho esta película, por el mensaje, que la verdad pocas veces es tratado, por la forma en que está desarrollado el mismo, y por las continuas lecciones de vida que entrega el filme, entiendo que muchas personas esperen emocionarse pelea tras pelea en una película con tema boxístico, pero recordemos que en las películas de Rocky el deporte siempre funcionó como medio para contar una trama personal, pero ya hablaremos de películas trabajadas en base al deporte, mientras tanto pueden disfrutar de esta emocionante película.

Por Daniel

DUMB AND DUMBER

18 años de ser más tontos

1994 fue un año importante en la vida de quien escribe este texto, viví concientemente mi primer mundial de fútbol, estaba en plena niñez y me emocionaban películas como el Rey León , el uniforme de Jorge Campos estaba por todos lados, ese mismo año se estreno en el cine una cinta que hoy es considerada una de las mejores del género y que es mi favorita de comedia noventera gringa, este largometraje tenía en su elenco a dos jóvenes actores que estaban comenzando sus prometedoras carreras ellos eran Jim Carrey y Jeff Daniels, la obra se llama Dumb and Dumber.

En México la película fue mal llamada “Una pareja de idiotas, tontos” así es como aparecía en el cine y en los video centros que fue en donde tuve mi primer acercamiento con ella, recuerdo que la marca refresquera Pepsi tenía en ese momento la promoción de dar figuras de los Looney Tunes, así que un día fui al Video centro más cercano a casa con mi mamá a canjear un Buggs Bunny con guitarra, para nuestra sorpresa la única manera de obtener los juguetes era con dos rentas, la época era la de las vacas flacas de estrenos de ahí que no había mucho que ver, pero yo estaba necio en llevarme mi Buggs Bunny así que mi mamá no encontraba nada que rentar, el chico que atendía se acerco a ella y le dijo mire para su hijo llévele esta película mi mamá la tomo, la vio por atrás, seguramente para salir del paso dijo esta bien y nos fuimos a casa, cuando la puse en la vieja VHS de la casa la risa nunca paro, recuerdo que le pedía mi mamá que no regresara la cinta al video club, la cual rentamos varias veces después de haberla visto.

Dumb and Dumber; es la historia de dos amigos quienes están totalmente perdidos en la vida, los dos tienen problemas de dinero, no tienen novias, no tienen trabajos, no hacen nada más que ser tontos, Harry y Lloyd Christmas un día se encuentran un maletín que le pertenece a una joven que es llevada al aeropuerto por Lloyd mientras trabaja como chofer de una limusina, el enamorado decide recorrer el país de costa a costa para poder entregarle el maletín, ante tal acontecimiento este convence a su amigo de acompañarlo en la aventura y deciden dejar todo atrás para poder entregar el portafolio.

Lo que no saben nuestros amigos es que este dinero es para pagar un rescate de secuestro y desde que salen de su casa son perseguidos por mafiosos que quieren recuperar el dinero.

De esta manera la película es una historia de cross country que presenta todas las boberías que a uno se le pueden ocurrir a la doble potencia, cabe mencionar que el humor que Jim Carrey y Jeff Daniels practican en la cinta nunca es vulgar, no cae en el chiste de pastelazo, de ahí que sea tan fina la comedia de Dumb and Dumber, la cual es considerada ya dentro de las mejores películas de comedia de la historia.

El producto final esta lleno de referencias a cintas importantes de otros géneros como “Mujer Bonita”, por supuesto tiene un elenco que ayuda a que la comedia fluya no solamente por Daniels y Carrey, también aparece la que fue esposa de Jim; Lauren Holly como la protagonista femenina y que también participa en las dinámicas cómicas como en la escena en donde van a esquiar en Aspen y a uno de ellos se le pega la lengua en el tuvo de lo congelado que esta.

Fue tal el grado de importancia y popularidad que tomo Dumb and Dumber; que hasta una caricatura llegó a salir en México la veías en el canal Zaz, sin duda los escritores y dueños de la franquicia saben que es un hitazo y años después hicieron la precuela la cual era de cómo se conocieron los dos amigos, pero fracaso en el cine en todo el mundo.

Son ya 18 años que vimos a este par de amigos en el cine y hoy sigue siendo importante para cualquiera que gusta de la comedia gringa, nos muestra que se puede hacer una cinta sobre dos personas entupidas sin llegar al clásico Jackass el cual no me malentienda me gusta pero si necesitamos comedias familiares y que aunque pasen tantos años te hacen reír como si fuera una película reciente

Por Tello

Warrior

The devil you know...
                                      ...is better than the devil you don't

Dos hermanos viven un infierno en casa, al divorciarse sus padres sus vidas se separan, catorce años después su reencuentro será bastante complicado cuando tengan que enfrentarse a demonios del pasado que continúan acosándolos al convertirse en luchadores profesionales.

Una extraordinaria película que toca un muy importante tema de una forma brutal, que termina marcando no solo a los protagonistas sino a cualquier persona que se sienta identificado con la situación de los mismos. Warrior es una película de hermanos que maneja muy bien el simbolismo entre la bestial forma de golpear de la vida y la feroz batalla que sucede en el ring de la lucha extrema de técnica libre.

El filme mezcla muy bien la fuerza de una película deportiva con el dramatismo de una historia muy humana en la que los hermanos tienen que sobrevivir a la guerra, la enfermedad, el desalojo, las drogas y el alcohol para llegar a un punto climático que cierra de manera extraordinaria, llevando a los personajes a través de una simple línea de diálogo a un muy merecido desenlace.

Me sorprendió la manera en la que me cautivo la historia a través de la creación de momentos, con escenas muy emotivas que desarrollan a los personajes sobre diálogos precisos, la calidad tanto del guión como de las actuaciones es muy sobresaliente, en especial porque la temática se prestaba para desarrollar una historia de índole más comercial, sin embargo considero que uno de los mayores aciertos del filme es la narrativa, ya que desglosan el mensaje de forma muy humana construyendo toma a toma un final climático en el que lo último que quieres es parpadear.

Cabe destacar que de entrada la creación de los personajes aunque parecieran comunes, son sobresalientes y muy llamativas desde el primer instante. Podrían ser cada uno protagonistas de su propia película, pero regresando al punto más importante, ambos trabajan juntos de muy buena forma para construir una trama que cautiva desde las primeras escenas.

Aunque la narrativa cambia de ritmo constantemente, siendo en ocasiones acelerada y en otras muy aletargadas considero que esto, lejos de ser un error, es uno de los mayores aciertos, pues como ya lo mencioné la película juega entre las emociones de la acción de un deporte violento como es extreme fighters con el dramatismo de la historia principal, con lo que el ritmo se convierte en una herramienta más de la narrativa.

Un punto muy importante que no podía pasar inadvertido en esta reseña son las increíbles actuaciones de Joel Edgerton, Tom Hardy y Nick Nolte como sobrevivientes de esta familia maltratada sopesando toda la carga de la trama, mezclando muy bien las escenas de combate con los diálogos progresistas, mostrándonos dos etapas muy humanas de los personajes, su lucha por sobrevivir a sus demonios y su continua pelea por mantener el estatus de familia.

Por lo general recomiendo las películas para cualquier persona que guste de sentarse dos horas en promedio frente a una pantalla mágica que cuenta historias, sin embargo en esta ocasión tengo que poner un asterisco haciendo mención especial a las personas que tienen o son hermanos varones, convirtiéndose en una película obligada por el nivel de identificación que podrían tener con los personajes.

Lamentablemente creo que la película sufrió del mismo incomprensible problema que acoso a “Money Ball“,  paso bastante inadvertida, por lo que si no tuvieron oportunidad de verla en la cine si la recomiendo bastante como principal opción a comprar o rentar en cuanto aparezca en DVD.

Por Daniel

Bacalar

¡Espíritu del Dalay ven a mí!, que escriba quien quiera ser leído…

Bacalar es una película de aventuras que busca promover la conservación de especies en peligro de extinción en todos los niños en especial mexicanos, invita a la reflexión sobre la protección de los animales y la conservación de su entorno. Es producida por Nao con Miravista, horneado en The Walt Disney Company.

Escrita, dirigida y producida por Patricia Arriaga Jordán… El filme trata de un par de amigos, Santiago y Mariana, quienes juegan a ser agentes investigadores en la laguna de Bacalar en Quintana Roo. Hasta que de pronto un día, descubren una banda de traficantes de animales, y el juego se vuelve realidad.
Los traficantes harán todo por atrapar a los niños, y los niños tendrán que luchar por escapar y convencer a sus padres de que están en peligro, además de intentar salvar a dos cachorros de lobo mexicano, una de las especies en mayor riesgo de extinción. Todo esto con sus amigos los espíritus de la fauna mexicana.
¿En verdad creyeron que eso sería LA HISTORIA, la película que el mundo esperaba, que marcaría de una buena vez al cine mexicano y lo consagraría en su esplendor?...
Punto por punto:
Actuaciones: es que no sé qué decir, sé que son niños y no tienen muchas tablas (se nota) tal vez porque están empezando, o sus maestros de actuación no les vieron futuro y renunciaron y su educación actoral quedó inconclusa, pero no es pretexto porque he visto actuaciones de niños más pequeños que valen un premio de la academia; lo que me hace pensar que no es su culpa, sino del director, directora en este caso; reitero no sólo los niños actuaron mal, también los adultos, no vi una sola actuación que yo le creyera, que en verdad estaban estresados cuando el guión así lo marcaba, tristes, felices, enamorados… ó ¡lo que sea!

En ningún momento fue creíble, transmisible mucho menos inidentificable alguna de las actuaciones. Y la verdad es que los únicos actores “nuevos” son los dos niños, esto me revolvió el cerebro y me pregunto, ¿qué pasó con los actores con “experiencia” que salen en el filme?

Vestuario: no ganará premios, está bien; le llamaré funcional, sólo porque cumple con las necesidades del filme, sin ser excelente; me refiero a que es ropita de grandes almacenes, pensado en clichés (los malos con grandes botas militares, los niños con colores llamativos, la mala con labios rojos…) y probablemente tuvieron algún tipo de patrocinio por ahí.

Guión: ¡espíritu del Dalay dame paciencia!... no pude con él, sé que no soy experta en guiones, sólo escribo mi opinión, y no me gustó, no hubo suficiente coherencia, de pronto un personaje hace una pregunta y nunca la contestan, y era principal, imagínense con los secundarios y sus escasas líneas, que parecían escritas para poder pagarles un poco más a los actores por su gran participación. Diálogos que pudieron mandar a la papelera de reciclaje, y el filme no hubiera sido afectado en ningún momento.

Fotografía y dirección de arte: no es lo mismo lo sé, pero ambos están espirifláuticos, en verdad que se nota el trabajo, las ganas, la cultura mexicana. Simplemente me encantó. Pudieron haber hecho un documental de “la Isla Bacalar y su fauna”, hubiera sido acreedor a innumerables premios.

Tema: esto de la ecología, preservación del ambiente, cultura acerca de la fauna y sus riesgos de extinción, es muy buen tema, últimamente lo hemos escuchado mucho y vaya que es urgente que se haga algo al respecto, y no quedarnos esperando que Santi y Mariana nos salven a todos; así que creo que es buena elección, y bello que se dirija a los niños quienes son los que más conciencia toman de esto. Si el río suena agua lleva, hay que cuidar el planeta, entonces le damos palomita al tema.

Locaciones: Increíbles, la verdad es lo que podría rescatar de la película, ya que fue lo único que evito mi colapso cerebral después de los primeros 20 minutos del filme. La isla Bacalar, ubicada en Quintana Roo, es bellísima y virgen, si tienen la oportunidad creo sinceramente que vale la pena visitarla sólo por lo que se ve en la película.

Así que si buscan buen paisaje, y no tienen algo mejor que ver además si es probable que los estén interrumpiendo a lo largo de la película, necesitas una dónde no pierdas mucho y palomera… te recomiendo Bacalar.

Por Mony

Winnie the Pooh

Un día fui al cine, después de los molestos 20 minutos de comerciales comenzaron a pasar los trailers, de repente mi piel se erizo, mi corazón se conmovió, me brillaron los ojos y mi infancia regreso a mí de golpe, Winnie Pooh estaba en la pantalla grande, no podía creerlo, sé que a lo mejor fui a la única persona que en esa sala le intereso el trailer, pero para mí fue una maravilla jamás había visto a mi personaje querido y consentido en una pantalla de cine.

Este artículo tengo que escribirlo a un nivel muy personal, he de confesar que soy fan del oso Pooh, por años fue mi personaje favorito, y es que no solo es un osito barrigón relleno o el osito bobito como el mismo Christopher Robin lo llama, para mí es el recuerdo de las primeras películas que vi en mi vida.
La vida de este tierno oso de felpa comienza cuando a Christopher Robin, un niño de carne y hueso,  en su primer cumpleaños su papá, A. A. Milne, le regala un osito de peluche. Un día Christopher Robin, visitó el zoológico de Londres donde vio a un oso negro llamado Winnie, cuando regreso a su casa decidió ponerle a su oso de peluche Winnie the  Pooh. Christopher era un niño con mucha imaginación, comenzó a realizar historias de su oso, su padre se sumó a la creatividad de su hijo y le gustaron tanto sus historias que decidió escribirlas.

El primer capítulo de Winnie the Pooh fue publicado el 24 de Diciembre de 1925 en un periódico londinense y fue un éxito inmediato. El libro completo salió en 1926 y pero las historias eran tantas que se publicó un segundo libro, La Casa en la Esquina de Pooh; este padre e hijo terminaron sus aventuras literarias cuando Christopher Robin entró a la escuela y su padre dejó de sentirse inspirado.

Lo que hace a esta historia grande, memorable y trascendental, es que es una historia sencilla, encantadora, tierna y en la que los personajes están inspirados en los muñecos de peluche de un niño real y por lo tanto podrían ser los peluches de cualquiera de nosotros, una de las personas que se sintió atraída por el oso fue Walt Disney, que decidió llevar a Winnie Pooh al cine, para poder hacerlo le pidió la ayuda al ilustrador de los cuentos para en conjunto crear los personajes tal y como ahora los conocemos.

Una serie de cortos se crearon salieron en 1977 en una colección que se llama The Many Adventures of Winnie the Pooh, fue un gran éxito, la película trascendió los años y fue así como pude verla yo de niña; Winnie Pooh y su historia con Disney ha sufrido varias evoluciones, hubo más películas, serie animada, pero nada como esa primera película donde con una excelente ambientación lograron meternos al mundo del cuento, al mundo del Bosque de los 100 Acres.

Para esta nueva aventura los realizadores querían volver a tener este ambiente y matices que Walt Disney le puso a estos entrañables personajes, por tal motivo decidieron traer a un miembro que participo en la realización de la primera película para lograr así una conexión directa con lo que Walt siempre había esperado para la realización de las aventuras del oso Pooh.

El resultado otra película increíble y memorable del oso, al ver esta película la sensación es que el tiempo se detuvo y estos personajes siguen viviendo en ese bosque y continúan teniendo sus grandes aventuras, pero esta vez con más humor y hasta un poco de sarcasmo, con gran musicalización y canciones interpretadas por Zooey Deschanel (Summer en 500 Days of Summer y vocalista en el grupo She and Him).

Muchos podrán pensar que Winnie Pooh es un personaje para bebés, con historias aburridas, pero es agradable ver que dentro de tantos avances tecnológicos, historias con personajes azules, vampiros y lobos adolescentes hay un oso amarillo, tierno que aún puede dar una lección y cautivar a niños y grandes; por mucho la mejor película animada comercial que vi este pasado 2011.

Por Dulce