Furia de Titanes 2

Un  día te darás cuenta  que tener mitad sangre humana no te hace débil entre los dioses, te hace más fuerte…
 Zeuz

Para poder hablar de Furia de Titanes 2, tenemos que comenzar en 1981, año en que se estrenó la versión original dirigida por Desmond Davis, que narra el mito de Perseo, hijo de Zeus que es encomendado en contra de Medusa y el Kraken para poder salvar a la princesa Andrómeda.

Esta película de narrativa sencilla pero bastante atractiva, se convirtió en un ícono de los efectos visuales, revolucionando la técnica del stop motion para darle vida a las criaturas fantásticas de la historia.

En el 2010 se presentó un remake de esta historia bajo el mismo nombre, que presenta la misma historia con algunos pequeños cambios con la idea de actualizar la narrativa, la película fue presentada como lo que es, una historia de mucha acción, con buenos efectos digitales y con una narrativa funcional para un filme en base al entretenimiento.

El desglose de los personajes es bueno, además de presentar buen ritmo, el filme no aburre, y algunos de los ligeros cambios fueron bastante atractivos en medida de que se presentaban en una época precisa en la que se vivían las mismas situaciones presentadas en el filme.

Ahora se estrena Furia de Titanes 2, de entrada surgen dos preguntas obligadas, ¿acaso será una extensión de los personajes con la idea de ganar más dinero con la buena historia de la primera parte?, y sabiendo que mucho del éxito de la primera es en base a su antecesora de 1981, ¿qué tanto podemos esperar de esta si aparentemente no se basa en un éxito de otra época?

Bueno, para empezar quiero comentarles que la película es bastante buena si la observamos bajo los mismos términos que la primera parte, es una película que tiene todos los elementos (y bastante funcionales) que necesita una producción entretenida y emocionante, realmente no es un film que te vaya a dejar pensando muy seriamente sobre algún tema, aunque si se basa en relaciones muy humanas y a final de cuentas presenta un buen mensaje.

La historia cuenta la vida de Perseo varios años después de derrotar al Kraken  y salvar a Andrómeda, ahora vive humildemente como pescador junto a su hijo Helios, hasta que un día es visitado por su padre Zeus quien le pide lo acompañe a reforzar las paredes del Tártaro, ya que por la falta de oraciones y plegarias por parte de los humanos los dioses están perdiendo sus poderes y temen que Cronos logre escapar y dé comienzo al fin del mundo.

Una vez comentada la premisa  podemos pasar a  lo importante, ¡la acción!, la película tiene muy buen ritmo y no se siente alargada, los personajes se desarrollan bien y con pequeñas y precisas líneas de dialogo te definen a los nuevos participantes, la historia es buena y aunque repite muchas de las ideas de la primera parte, no se siente como más de lo mismo, la acción es sobresaliente, no tarda mucho en empezar y presenta un montaje bastante atractivo, el diseño de las criaturas es bastante bueno, la edición es rápida sin provocar mareo o desconcierto, y para cuando llega el clímax, la película se convierte en un caleidoscopio de efectos digitales , emociones y atractivas secuencias de batallas.

Aunque la progresión de los personajes sea mínima y la narrativa haga más bien hincapié en la parte de la aventura y el auto-descubrimiento, si es cierto que la parte humana presentada por los personajes principales es bastante bien explotada y como mencione anteriormente conlleva un buen mensaje y bastante interesante.

La película es buena y recomendable, recalcando que funciona como entretenimiento, los efectos digitales son bastante atractivos y tienen el acierto de no ser la base del filme, las actuaciones son buenas aunque sobresalen las realizadas por personajes secundarios, en general la película es bastante atractiva y si te gustan los efectos digitales, la mitología o la acción con todo y las peleas épicas, no puedes perderte la batalla final de este filme.

El 3D aplicado en esta película también es bastante atractivo, realmente son pocas las películas que recomiendo ver en 3D porque la verdad por lo general es algo caro para lo que se presenta, pero esta película en particular vale mucho la pena en este formato.

Por Daniel

THE HUNGER GAMES

“I just keep wishing I could think of a way to show them that they don't own me. If I'm gonna die, I wanna still be me.”

Peeta.

Los humanos somos los seres más extraordinarios, únicos, inteligentes y complicados que existen en este planeta, sin embargo el egoísmo corre entre nosotros como la sangre que nos da vida, somos los únicos responsables de nuestra destrucción y la destrucción de nuestro planeta; conjuntando estos conceptos, la autora Suzanne Collins, tuvo una brillante idea.

Las noticias de la guerra, el reality show survivor y contar con un padre en la Fuerza Aérea, hicieron que en la cabeza de está autora se gestará una de las historias y sagas literarias más importantes de los últimos años, HUNGER GAMES.

Los Juegos del Hambre, cuentan una historia inimaginable pero muy creíble, de acuerdo a la narración, dentro de unos años la tierra cambiará como consecuencia de nuestros propios actos, Estados Unidos desaparecerá como lo conocemos, esa región será conocida como Panem, la cual estará compuesta por 12 distritos que en conjunto trabajarán para mantener “la paz”, unión y vida entre las personas. Pero como todo existirán intereses y gobernantes que busquen proteger sus intereses, esto llevará a que los distritos se rebelen.

El primero de los libros de está saga literaria nos plantea ese futuro, pero la trama no termina ahí, derivado de una rebelión fallida los distritos se verán “castigados” y como consecuencia de estos actos y como recordatorio para todos los habitantes, se crea un programa televisivo llamado Hunger Games, donde participa un chavo y una chava de entre 12 y 18 años por cada uno de los distritos, de esos 24 participantes solo 1 saldrá con vida.

Katniss Everdeen es una de las participantes de estos juegos y es la gran protagonista de este mundo futurista, es una heroína, una mujer que la misma vida la ha transformado en una guerrera que combate con arco, flechas y palabras su vida, creencias pero sobre todo a sus seres queridos, en ella radica la esperanza al cambio y el gran mensaje de esta historia.

Debo admitir que soy fan del libro y es que como no serlo, a mi muy particular punto de vista, su éxito radica, a diferencia de otras sagas literarias adolescentes con las que se compara (Harry Potter y Crepúsculo), en que la historia es algo que bien podría suceder en nuestra realidad, tenemos una protagonista que vive en un mundo como el nuestro, que su mayor arma es ella misma y no requiere de un guapo galán que venga a cambiarle la vida, ella puede sola, una historia en la que por  fin no hay dama en apuros.

Estas sagas literarias exitosas en letras son adquiridas por los estudios esperando tener las mismas ventas en pantalla,  por lo general no importa el resultado de la cinta, es un éxito seguro pues los fans se mueren de ganas por ver ese mundo más tangible; para mi estas adaptaciones no han sido más que decepciones, en verdad sufría en pensar el resultado de Hunger Games, una historia que me atrapo y envolvió, pero he de confesar que me encanto la película (utilizó esta palabra por que la merece).

El tema que trata es embriagador, si pensamos en la cantidad de basura que la gente crea en estos días para que veamos la televisión, podemos pensar que no está lejos el día en que algún loco productor se le ocurra recurrir a este tipo de morbo solo por vender y convertir a las personas en una vil carne para sacar billetes verdes.

La visión que tuvo la autora, Suzanne Collins, fue trasladada de una forma magistral por el director Gary Ross, quien tal parece corrigió todo lo que ha llevado al fracaso a las adaptaciones de sagas literarias adolescentes; para empezar supo buscar a una gran actriz, Jennifer Lawrence, que si bien cuenta con una pequeña carrera en el cine, ha demostrado ser una gran interprete y estrella haciendo que cada uno de sus trabajos sea memorable para la historia del cine.

Los personajes secundarios fueron elegidos a la perfección haciendo un balance estratégico entre grandes actores consolidados, como Stanley Tucci, Woody Harrelson, Donald Sutherland y actores jóvenes que buscan consolidarse como Liam Hemsworth y Josh Hutcherson.

La película es una adaptación que le hace justicia al libro y honra a los ojos de los fanáticos, por que además de agradar, supera todas las expectativas que se puedan tener, tiene su propio ritmo, se adueña del texto y lo convierte a un lenguaje visual que no deja fuera ningún detalle y que si bien tiene algunos cambios son tan bien llevados que los adoptas a ese mundo de los juegos del hambre.

Haciendo a un lado el extraordinario reparto elegido para está cinta, grandes elogios se lleva el departamento de arte, creando vestuarios, maquillajes, escenarios, colores y artículos que adaptan una realidad a un mundo futuro; otro gran acierto es la música, te envuelve y transporta logrando ponerte los nervios de punta y al siguiente instante relajarte.

La adaptación fílmica de los Juegos del Hambre cumple con creces la difícil tarea que es complacer a los fanáticos  de una saga literaria, pero no se queda ahí, va más allá, es capas de inyectar en los espectadores la curiosidad de acercarse a los libros y conocer más acerca de esta posible ventana a un futuro loco pero que bien podríamos ser parte de él. No dejen de ver Hunger Games por que les puedo asegurar que querrán más de esta adictiva saga, además que gozarán de una película muy bien realizada y con un buen mensaje. 

Por Dulce

Fama

“El talento no alcanza para triunfar, necesitan una técnica sólida, un buen agente y piel de elefante”… con alma de colibrí, “son parte de una desfavorecida minoría, y van a sufrir” que escriba quien quiera ser leído…

LA AUDICION

“ Más les vale que se quieran mucho porque trabajarán con ustedes mismos hasta el final de sus vidas”

Sólo de pensarlo me duele el estómago, me invaden los nervios y siento una necesidad en potencia de correr por mis zapatillas, mallas, libreto, y audífonos.

¿Cómo te llamas?, ¿Cuál es tu nombre?, ¿Quién ha sido tu maestro?, ¿Qué te enseñó?, ¿Porqué decidiste que lo tuyo era el arte?, ¿Qué interpretarás?, ¿Por qué crees que nos interesa tenerte aquí?

Sí, eso y más… casi como estar en pleno bombardeo de una guerra interminable entre tu sueño y tú pasión y el deber ganarla, antes de que se te olvide. Estando ahí, la posibilidad de tocar la felicidad y cruzar la meta se hace tan posible, tan táctil, tan cercana que no percibes que estás a un solo paso. Una audición es demostrar que siempre eres y serás el mejor usándote a ti mismo, es como hacer tu propia interpretación de la premisa de vida en 3 minutos y contando, entre más de doscientos aspirantes que piensan igual a ti.

Volteas a ver tu ropa, tus calentadores con hoyos, tus mallones justos para que puedan ver tus músculos, que ningún cabello se mueva de una cabeza que debe girar y girar en segundos… intentas distraer el hambre, apaciguar el pensamiento, olvidar el dolor de uña enterrada en el pie, recordar textos, ¡sobresalir! Y te pones a calentar el cuerpo, estirar piernas, cuello, ejercicios de respiración (que no sirven de nada)… sientes el achaque en tu omóplato derecho y ¡ay, Como duele!, pero lo olvidas rápidamente… estas tan sensible que hasta una buena noticia puede derrumbarte en segundos, pues la única forma de que sepan ¿quién eres y porqué vales más que cualquiera de ahí? es exponerte al 180% mental, física y anímicamente.

Actuación… un texto de autor conocido pero no lo suficiente para que no se repita y no tan rebuscado para que lo entiendan sin problemas, que la interpretación sea consistente y digerible. Demostrar que te hicieron con la misma madera que Guilmain. Llorar, para apantallar ó mejor reír para proyectar la voz, ¿enojarse? por de más sencillo… ¿Lorca, Mastretta, Celis, Novo, Shakespeare, Withman, Poe, Sor Juana, Stanislavsky?, ¿Cuál de todos es quién debo ser?

Danza… lo que mejor sepas hacer, control de cuerpo, equilibrio, nada que espante, algo que no hayan visto (ajá, eso ni existé) alguna pieza que ninguno de tus compañeros/rivales puedan hacer mejor que tú, ¡Tap, Jazz, Flamenco, Tango!... ¿Ballet? Lo que sea… y pensar al mismo tiempo en tu argumento cuando pregunten ¿porqué ese género? , aún cuando lo único que pasa por tu mente sea: ¡PORQUE QUIERO!

Canto… jajaja… una canción irreconocible, una voz con color y proyección nunca antes vista, humillar a Pavarotti o a Mercedes Sosa, interpretar una canción que imposiblemente muestre la amplitud de tu registro vocal, tus matices, falsetes, volumen, dicción, emociones, ritmo, forma de pensar… a capella ¿porqué a capella?, con pista ¿porqué con pista?, partituras ¿porqué con partituras? 

¡ Todo preguntan!, audicionar es como pararte frente a niños que te ven y nada entienden a pesar de que lo conozcan y estén familiarizados con ello, es ir a ser juzgado en un terreno inestable, solitario, competitivo y ganar. ¿Leen? Es como vivir. Y sólo hay de dos… apareces en la lista y se te acaba el mundo, ó no apareces y… se te acaba el mundo.

PRIMER AÑO: (primera llamada, les recordamos que habrá un intermedio de 15 minutos)

“ No es la escuela de Mickey Mouse, no será fácil aunque sean talentosos…”

Danza es la profesión más difícil de la escuela, actuación es la profesión más difícil del mundo, música es la profesión más difícil… todos los maestros piensas igual de acuerdo a su materia.

SEGUNDO AÑO: (segunda llamada, favor de ocupar sus localidades)

“ Este año será de introspección, y recrearemos estados emocionales, miedo, furia, alegría pena… será más difícil porque tendrán que exponer lo que hay dentro de Uds.”

TERCER AÑO: (tercera llamada)

“ Los bailarines no se enferman”

Página 1, acto 1

CUARTO AÑO: (principiamos)

¡ Togas y birretes para todos!... los que llegaron.

“FAMA, yo viviré por siempre, ¡recuerda mi nombre Fama!”

Fama el musical de los actores que eran tan talentosos que no necesitaban dobles para cantar, bailar ó tocar algún instrumento… te muestran escenas que conmueven y llevan al borde del llanto, para a la mitad hacerte reír con un excelente guión, aunque no seas artista ó aspires a serlo te identificas con los personajes, por el simple hecho de haber soñado en algún momento de tu vida; por la simpleza de la cotidianidad y lo magnifico de la esperanza de tocar la pasión y tener ese anhelo que te despierta todas las mañanas recordándote lo hermoso que es sujetar la vida y vivirla antes de que se vaya.

Actor, cantante, músico, bailarín… en su cansada búsqueda de ese pequeño empujoncito que un artista necesita, una de las mejores escuelas de arte escénico tendrá su exhaustivo proceso de admisión en el que se pondrá a prueba la diversidad talentosa de los jóvenes aspirantes, todos luchando por encontrar un lugar no sólo en la mejor escuela de Nueva York sino en la vida. El vestuario trascendió al punto que después del estreno la gente artística ó no, empezó a usar calentadores y mallas imponiendo moda.

Musical, memorable corran a preguntarle a sus padres si la recuerdan, una reliquia de película, tan diferente que en vez de mostrarte los triunfos y la gran función, te muestra, la preparación, los ensayos, la vida de un actor desde su “no-actor”, el trabajo y el proceso en busca de la felicidad emocional, que sólo la pasión, el sudor y la sangre alcanzará en un sendero de deseo y dificultades… la vida.

“A veces no hay tiempo de recordar el texto así que debes aprender a improvisar, A veces simplemente baja el telón…haz que te aplaudan antes de eso”

Por Mony

El Padre de la Novia

You fathers will understand. You have a little girl. An adorable little girl who looks up to you and adores you in a way you could never have imagined. Then comes the day when you worry about her meeting the wrong kind of guy, the kind of guy who only wants one thing, and you know exactly what that one thing is, because it's the same thing you wanted when you were their age. Then, you stop worrying about her meeting the wrong guy, and you worry about her meeting the right guy. That's the greatest fear of all, because, then you lose her.

Este mes estamos celebrando nuestro segundo aniversario de la revista digital, o lo que es lo mismo, el medio donde se originó todo este cacareo; cuando me recordaron la fecha de inmediato pensé, tengo que hacer algo muy especial para mi sección, pensé optar por comentarles de algún clásico del cine o de alguna película en cartelera, pero ninguna de estas opciones acababa de cuajar en mi mente.

Pensando en lo que me llevó a escribir sección, Sensatas y con Sentimiento, recordé que buscaba un espacio donde poder expresarme y dar a conocer a todos ustedes, películas que encaren y muestren el amor de una forma inteligente y real, hemos hecho un recorrido a lo largo de 24 números, de varias adaptaciones clásicas literarias al cine, hemos repasado la vida de memorables actrices, descubrimos joyas independientes que se esconden dentro de un mundo de basura comercial, pero sobre todo les busco acercar a todos ustedes películas que sin necesidad de cursilería y magia nos hacen creer en cuentos de mujeres que aman de carne y hueso.

Con está premisa en mi mente y mis ganas de traerles una vez más una gran producción, decidí en está ocasión seguir mi corazón, platicándoles de una de las películas más importantes para mí y que han marcado mi vida, El Padre de la Novia. Seguramente dirán, como puede ser esto posible, esperábamos algo más rimbombante, pero creo yo que para estos dos años ya tengo la confianza con ustedes de exponerles un poco más de lo que me ha marcado y las razones de por que busco y veo las películas que veo y les recomiendo.

El Padre de la Novia, versión de 1991, es una película que aborda una problemática atemporal, que pasa de generación en generación, ese problema que acongoja a todos los padres cuando tienen que aceptar y dejar ir a uno de sus hijos, pero esta cinta va más allá, mostrando este problema en una de las relaciones humanas más enigmáticas y sólidas, la relación padre e hija. Se dice que las niñas siempre buscan más la figura paterna pues en ella encuentran protección, sabiduría y evitan la rivalidad que existe de manera sanguínea con una mujer, que sería la madre, no quiero decir que esto se de al 100% en todas las familias, sin embargo es la gran mayoría de las ocasiones, me refiero a esto por que la persona que me acerco a mí a ver está película es mi papá.

George Banks, es un señor exitoso que además de ser dueño de su propia compañía de tenis, vive en su casa soñada pero su mayor afecto y cariño es para con su familia, con quien tiene una relación muy estrecha, su hija Annie, regresa a su casa después de estudiar un tiempo en Italia, lugar donde conoció a un joven del que se enamoró locamente en tan solo un par de meses. Al volver a casa, les da a su familia la noticia de su próximo matrimonio, esto desencadena una serie de reacciones en su casa, pero sobre todo en su padre, quien además de lidiar con los gastos y ocurrencias que conlleva la organización de una boda, debe aceptar el hecho que su hija ya creció, que es independiente y que ya no es el hombre especial en la vida de su hija.

Está película puede ser que no cuente con una trama rebuscada o que sea una cinta que revolucionó la industria del cine, sin embargo es uno de los mejores remakes que he visto y creo debería de tomarse como parámetro cuando un director de cine se le ocurre la loca idea de rehacer un éxito de la pantalla grande.

La primera versión de El Padre de la Novia, es de 1950 y cuenta nada más y nada menos que con la actuación de Elizabeth Taylor, en el papel de la joven hija y es dirigida por Vincente Minnelli, la cinta maneja la misma premisa, lo que cambia es el status y problemática a las que una mujer debía enfrentarse en esa época; por ejemplo en la primera versión la hija se casa a una menor edad, tiene más hermanos, no sale de viaje, la llevarán de luna de miel a un viaje de pesca y el papá se emborracha en la casa de los suegros.

Claramente los creadores de la versión de los 90’s supieron quitar los viejos tabús y adaptarse a la mujer de este estilo en está época, la razón que la hace que sea un tan buen remake, es que se adueña y rinde tributo a lo que a la película de los 50’s la convirtió en un clásico, hay escenas transcribidas tal cual la original dejando ver que cuando las cosas ya se hicieron bien y funcionan no hay que cambiarlas, simplemente hay que adecuarlas al mercado actual. 

La última versión fue y sigue siendo un éxito, principalmente debido a la atmosfera que crea, las tonalidades que maneja, las grandes actuaciones, un guion que goza de humor pero sobre todo por la identificación que el público puede sentir con los personajes, no en vano en está película se volvió adaptar y seguramente se volverá a adaptar dentro de algunos años. A título personal puedo definirla como un cuento de hadas real, si bien no es lo que muchas esperamos actualmente en nuestra vida, muchos de nuestros padres es lo que desean y temen para nosotras.

La razón por la cual me marcó y me sigue marcando esta cinta, es por la increíble similitud de la relación que afortunadamente llevo con mi padre y no solo yo, sé que muchas han sentido que le están hablando a su papá y él esta viéndolas como sus niñas de trenzas y vestido a la que le armaban su playmobil en día de reyes; así que si bien no es una película que cambie la historia y rumbo cinematográfico, tocó mi vida y sé que la de mi papá y es algo que compartimos.

Lo que espero con este texto, ya que es nuestro Cácaro-aniversario, es recordarles una vez más, el por que existe Échale Cácaro, es un espacio para compartirles la magia del cine y los mundos a los cuales nos transporta, que si bien es la puerta que nos lleva a una galaxia muy muy lejana, al salvaje oeste de Clint Eastwood, a los pasos de baile de Judy Garland, al lente de Martin Scorsese y a la Ciudad Gótica de Christopher Nolan, solo por mencionar algunos, también es un espejo de lo que nos acontece y pasa en nuestra vida.

Muchas Gracias por seguir está sección, por leerme y sobre todo muchas gracias a todos mis compañeros Cácaros con los que comparto el amor y pasión por los mundos que nos crea la pantalla grande.

Por Dulce

Steven Spielberg

Y por aquello que este es el mes del niño, un niño grandototote.

Steven Spielberg es sin lugar a dudas uno de los directores con mayor influencia  en la historia de la cinematografía, tal vez sea el director más conocido de Hollywood, además de ser uno de los más involucrados en diferentes tipos de producciones ya sea como director, productor o escritor.

Steven nació en Ohio, Cincinnati en 1946, asistió a la Universidad de Long Beach California, pero dejó sus estudios para dedicarse al entretenimiento. Trabajó como asistente de editor en la película Caravana de 1975, dirigió tres cortometrajes, dos ambientalizados en la Segunda Guerra Mundial, y el tercero dirigido más hacia el western.

En 1964 dirigió su primer película Firelight en la que un grupo de aliens invaden un pequeño pueblo, luego en 1967 dirigió Slipstream película que nunca se terminó, en 1968 dirigiría Amblin que cuenta la vida de dos vagabundos, un hombre y una mujer que se encuentran en el desierto y deciden compartir un camino. Tiempo después Steven retomaría este nombre para su casa productora.

Luego de estas producciones Spilberg se encamino hacia la televisión realizando una película para este formato que se convertiría en un clásico, El Diablo Sobre Ruedas de 1971. En 1974 dirigiría su primera película formal Loca Evasión con Goldie Hawn, sin embargo sería su siguiente producción la que lo lanzaría a la fama Tiburón de 1975.

A partir de este estreno Steven llamaría la atención tanto del público como de los críticos y comenzaría a diversificar sus temáticas y sus narrativas. Su participación en diferentes tipos de producciones es tan extensa que sería realmente complicado exponer todo su trabajo en un solo artículo, por lo que en esta ocasión comentaré  únicamente las producciones en las que haya presentado una narrativa infantil.

Steven se describe a si mismo como una persona sencilla que gusta de todo tipo de emociones y que claramente vislumbra al mundo con una imaginación propia de un niño, el director ha sabido aprovechar este talento y lo ha impreso en cada una de sus producciones, en las que le gusta presentar la historia principal a través de los ojos de un niño o de una persona adulta con alma de infante.

Aunque Steven posee una mente creativa capaz de desarrollar historias tan dramáticas como La Lista de Schindler o Rescatando al Soldado Ryan así como historias entrañables más al estilo de E.T. o La Terminal.

Dos de los elementos básicos (aunque no obligatorios) dentro de la narrativa de este director son: la presencia de un niño, involucrado como personaje principal o con un desarrollo importante para la trama primordial y/o el elemento de la guerra ya sea como atmósfera ó como punto de partida para la narrativa.

En El Imperio del Sol de 1987 Steven tuvo la oportunidad de mezclar, de manera bastante interesante, estos dos elementos, en la que un niño inglés tiene que dejar de lado su vida privilegiada para intentar sobrevivir a la intervención japonesa en Shangai durante la Segunda Guerra Mundial.

La película visualmente hablando es una obra maestra, aunque la narrativa decae en algunos momentos, la extraordinaria actuación de un joven Christian Bale en el papel protagónico logra darle otro nivel al filme.

Dando un vistazo a la ciencia ficción, Steven también ha desarrollado interesantes propuestas en este género, (recordando que vamos a hablar de las películas en las que la narrativa existe a través de la visión de un niño).

En 1982 el director presenta un clásico instantáneo con E.T. un filme que se basa en la relación entre Eliot y su más reciente amigo un pequeño extraterrestre que de repente se encuentra desesperado y abandonado en la Tierra, al que Eliot encuentra escondido en un cobertizo en su patio.

La película es entrañable por presentar lecciones sobre emociones muy humanas a través de un personaje ajeno a este planeta y en contraste evoluciona la trama con problemáticas presentadas y representadas por personajes adultos.

Para 1991 presentaría Hook, el regreso del Capitán Garfio, una película que supondría una muy buena producción con la participación de Dustin Hoffman, Robin Williams y Julia Roberts, sin embargo la película aunque goza de buenos momentos, se quedó un tanto corta para lo que fueron las expectativas.

En 1993 Steven presenta Parque Jurasico, que si bien maneja una narrativa más adulta a comparación de otros de sus filmes, no evitó la incursión de personajes jóvenes que contrastaban completamente con la situación, y sin embargo supo como desarrollarlos para dar progreso a la historia principal.

En el 2001 Steven retomaría el elemento del niño como personaje principal en la producción de Inteligencia Artificial, película que dirigiría luego de que lamentablemente Stanley Kubrick falleciera, siendo este un director que se expresaba a través de las emociones humanas; la película se siente como eso, una mezcla entre las emociones de un niño robot que desea ser humano y un cuento que es presentado en todas las atmósferas posibles con la intención de desarrollar una historia bastante comercial.

Para el 2004  Steven estrenaría La Terminal, que si bien no cuenta con la participación directa de un niño, si cuenta la historia de un hombre que queda atrapado en un aeropuerto en Nueva York, ajeno a la cultura y al idioma que lo rodea tendrá que aprender de cero a sobrevivir en un mundo completamente nuevo, una postura muy bien aprovechada y relacionada con un personaje que desde el principio es presentado con las características inquisitivas y alegres de un niño pequeño.

En el 2005 se estrenaría La Guerra de lo Mundos, remake de la película homónima de 1953, en la que unos extraterrestres con tecnología significativamente más avanzada a la nuestra llegan al planeta con intenciones hostiles. La narrativa es bastante interesante sin embargo una vez más se quedó corta en cuanto a las expectativas, lo que me hace pensar que el mayor problema de Steven es llamarse así, y haber desarrollado éxitos memorables con sus primeras producciones.

Más recientemente Steven presentó Las Aventuras de Tintín: El secreto del Unicornio, película basada en el famoso e icónico personaje de historietas de la cultura norte americana, la narrativa presentada en el filme es bastante interesante y cabe mencionar que es la primera producción del director en un formato de animación.

Steven es un director que a logrado encontrar la formula para desarrollar una película comercial que trascienda por su mensaje y calidad, esto  lo a logrado desarrollando y participando en todo tipo de producciones, como el mismo menciona, “hay que saber escuchar y aprender, absorber todo como una esponja”

A final de cuentas la mayoría de las producciones de este talentoso director funcionan más allá del entretenimiento y ha logrado imprimir un sello de calidad con historias memorables y narrativas de fácil identificación para el público por su desarrollo a través de personajes jóvenes.

Por Daniel

Magnolias de Acero

Nosotras planeamos nuestra boda desde los 5 años de edad, y los chicos no lo piensan hasta 5 minutos antes de pisar el altar… que escriba quien quiera ser leído.

A una mujer no se le toca ni con el pétalo de una rosa… por lo frágil y bella que es… pero también se rumora que es tan fuerte como el tronco grueso de un Roble. Magnolias de Acero es la película que encierra todo esto en 119 minutos de una historia maravillosa, llena de mujeres con deseos, sueños, vida y las sonrisas que sólo ellas saben dar.

Una historia con 6 divas del cine, en la que vivirás el contraste del mejor deseo de una madre opacada por el peor de los temores. El nacimiento del nieto primogénito en un seno familiar joven y lleno de esperanza protagonizado por Julia Roberts, bajo la sombra de la posibilidad de su muerte al momento de dar a luz, causante de su crónica enfermedad la diabetes. Siempre se cuenta con las mejores amigas para salir adelante…

La película se desarrolla en un clima rosa y tierno, lo suficientemente femenino para identificarte si eres mujer ó simplemente si conoces a una… aunque sí, es una película para cualquier tipo de público. Sobre todo si has vivido con una mujer, especialmente tu mamá, así también el filme es lo suficientemente fuerte como para plantearte una situación bastante dolorosa e inevitable que provoca el darte cuenta de lo resistente que debe ser a veces una mujer… y es que debe ser bastante doloroso, decidir cumplir el más grande de tus sueños con todo y sus complicadas consecuencias.

El filme es completamente digerible, es como estar dentro del baño de mujeres y escuchar todas sus conversaciones… y con esto me refiero a que toca el tema desde el punto de vista más femenino posible, con secretos y un guión que te dice todo acerca del sexo femenino.

Las actuaciones son muy buenas, el vestuario y fotografía es clásico… mujeres con sombreros y tocados elegantes paseando con sus maridos del brazo en ferias pueblerinas, con tradiciones características, colores pastel, risas de niños, perros felices… pareciera sacado de un cuento. Un cuento que te envuelve en ese sentimiento maternal, con un clímax poco digerible, envuelto en esperanza que finaliza en nuevas historias y felicidad plena.

Magnolias de acero, es una historia que como mujer te recuerda lo frágil que eres y lo preparada que debes estar, desde el nacimiento hasta la muerte. Es un drama que expone los personajes a tormentas cotidianas para nosotros y lo hace completamente identificable, Magnolias de acero brinda homenaje y se dirige a todas esas flores delicadas y fuertes que se han mantenido de pié a pesar de las malas noticias y ocurrencias que la vida te presenta de frente, por las que tienes que dar la cara, plantarte segura y gritar al mundo que estas ahí encarándolo para ti y por los tuyos.

Magnolias de acero es ese filme dedicable a todas las mujeres que nos rodean, hijas, amigas, esposas, novias y madres… porque siempre tendrás el recuerdo de ese calor femenino que sólo existe en el corazón de una mujer.

Por Mony

Pacto con lobos

-So tell me sir, do they speak of the beast in Paris?
-Speak of it? They're already singing songs about it.
-Instead of singing songs, they should be saying prayers. 

Tristemente esta película no tardo mucho en llegar a la sección de botadero, digo tristemente porque se merece más que un lugar especial entre las verdaderas joyas cinematográficas, pero por otro lado la película ha alcanzado un precio bastante accesible para todos nosotros, esta es una de esas obras  maestras que pocos saben lo que cuesta.

Una extraordinaria producción francesa en la que en pleno siglo 18 el Chevalier de Fronsac y su amigo nativo americano Mani son enviados por el Rey a la provincia de Gévaudan para investigar los recientes asesinatos de cientos por una bestia misteriosa.

Una verdadera joya dentro del lenguaje del arte cinematográfico que combina una buena historia, con un buen desglose de personajes, buenas actuaciones y una increíble fotografía, pero vayámonos paso por paso.

La película presenta una narrativa muy al estilo europeo con emplazamientos lentos y escenas alargadas, con actuaciones brillantes y desglose de escenas en base a los personajes y no en base a la acción como se haría en Norteamérica.

Sin embargo en los momentos importantes, climáticos, de terror o de descubrimiento la fotografía cambia por completo de muy buena manera presentando una narrativa muy propositiva.

La película se desarrolla inicialmente bajo las normas de una película de terror, con escenarios místicos y atmósferas inquietantes, luego de la presentación de los personajes la narrativa cambia un tanto hacia el género de aventura, con mucha intriga y acoso constante de una criatura de la cual desconocemos su origen, forma, especie, intenciones y/o naturaleza, y simplemente se presenta como una brutal maquina de matar.

Un pueblo entero va perdiendo la fe en la medida en que va perdiendo pobladores, y el trabajo de De Fronsac, interpretado por Samuel Le Bihan, se va complicando a cada segundo, provocando el descontento del Rey al mismo tiempo que su lucha se convierte en un asunto personal con la criatura.

Un punto muy interesante del filme que no puedo dejar de mencionar es el diseño de personajes, De Fronsac es un místico héroe cazador traído de tierras lejanas, tan ágil en el arte de la caza como intrigante y desconocido para la sociedad que lo reclama, acompañado de un no menos habilidoso compañero Mani, extraído del corazón de las tierras americanas, extraño de piel y culturas, provoca revuelo entre la sociedad puritana que desconoce al Mundo más allá de las fronteras francesas.

Jean-Francois, interpretado por Vincent Cassel, un introvertido hijo de alcurnia marcado con la incapacidad de haber perdido un brazo en un accidente un día de caza, que parece ser el único capaz de sostener la mirada de De Fronsac.

Thomas d’Apcher un joven encargado de mostrar el terreno y poner al día a De Fronsac y Sylvia,  interpretada por Monica Bellucci, una extraña prostituta que parece conocer más que el mismo gobernador sobre los sucesos que acongojan al pequeño pueblo.

Si a estas personalidades agregamos el misticismo ya mencionado de la criatura brutal que no deja de presionar el desarrollo de la historia con apariciones bastante violentas se obtiene una muy buena historia que le agrega cierto encanto al relacionarla con un mundo distante para nosotros.

Todos  los personajes principales dentro de la historia, salvo Mani el indio americano, realmente existieron durante el reinado de Luis XV.

Incluida la extraña criatura que aterrorizó al pueblo de Gévaudan entre 1764 y 1767 matando alrededor de 100 personas.

Otro punto muy importante de la película es el diseño de arte, desde la creación del vestuario hasta la selección de escenarios funcionan para que en todo  momento el espectadores se sienta sumergido en una época lejana en que la tecnología todavía no brillaba y el mundo mantenía lugares bastantes espeluznantes y desconocidos a poca distancia de la civilización.

La trama es muy interesante he intrigante en el sentido de que se desarrolla sin descubrir elementos importantes hasta que la película esta por finalizar, el suspenso esta bien construido en base al miedo y el acoso sin caer en los clichés del espanto.

En general la película está muy bien realizada y podría catalogarse como un buen cuento de media noche que explica mucho de las ideologías de grandes instituciones de la época y más allá de esto presenta a personajes característicos de un cuento de hadas pero aterrizados en una historia que se inclina más hacia las pesadillas.

Pacto con Lobos es un verdadero poema visual, muy recomendable.

Por Daniel