Blue Valentine

Triste San Valentín es una historia verdadera, personal e íntima que por medio de personajes cotidianos y tangentes, se vuelve un relato visual que no busca traicionarnos pues nos aleja de una vida de fantasía cinematográfica y nos da un honesto retrato de alguien que bien podrías ser tú.

Blue Valentine puede ser el reflejo de la vida amorosa de cualquiera, la hermosa chica se enamora de un extraño, pero como todos, ella cuenta con un pasado que les cambiara la vida. Cindy (Michelle Williams) y Dean (Ryan Gosling) después de 5 años de matrimonio y una niña se encuentran atrapados en un tornado de emociones en el cual los recuerdos los unen pero la cotidianeidad los separa.

El director Derek Cianfrance con un presupuesto de 1 millón de dólares y 12 años de producción nos muestra un retrato complejo de dos personajes que se enamoraron y se desenamoraron enseñándonos cada lado de la moneda, la película salta en el tiempo, se nos mezcla los momentos en el que la pareja se conoce y consolida su amor para después enseñarnos los instantes desgarradores donde el amor desaparece y el odio se hace presente; el director tomo como inspiración su propia vida, al pasar por el divorcio de sus padres, él se preguntó ¿dónde queda el amor?, al buscar su respuesta se encontró con la idea de Blue Valentine; para poder grabar esta historia el desarrollo ciertas normas entre su equipo y los actores, primero los momentos que mostrarían el pasado de la pareja se grabarían en película y el presente en video digital, segundo las escenas del pasado solo se haría en una toma, tercero la pareja principal tenía que estar todo el tiempo en la escena y por último los personajes principales siempre se debían tratar entre ellos como sus personajes dejando completamente de fuera su personalidad real.

Con este inusual modo se filmó esta cinta, donde no existieron ensayos, ni lectura de guión, se grabó en tiempo real por que la película no es acerca de una historia perfecta es de seres imperfectos, ellos pasaron tiempo juntos, vivieron juntos, se les dio un presupuesto para que fueran de compras, hicieron una fiesta de cumpleaños, festejaron la navidad para así crear recuerdos y una historia de una pareja y una familia real.

Triste San Valentín es una historia de la dualidad del amor, del amor que se va seduciendo por el odio, el director logro un excelente balance entre el hombre y mujer, el amor y el odio, pasado y presente, juventud y madurez.

El amor con lleva al sufrimiento, las típicas películas románticas siempre cortan la historia en el momento “más feliz” de una pareja, la boda, esta película nos lleva a la profundidad y el camino del amor, donde el matrimonio es solo un paso y en ocasiones solo un recuerdo de una vida; el film no solo goza de buena historia tiene una gran dirección y excelentes actuaciones, razón por la cual no entiendo que Ryan Gosling no haya sido considerado para las nominaciones a los pasados premios Oscar, este relato nos hace reflexionar acerca de las relaciones humanas, si hemos estado enamorados y si estamos dispuestos a llenar nuestra vida de promesas sin cumplir.

Siento que los hombres son más románticos que las mujeres. Cuando nosotros nos casamos, nos casamos, con la indicada, porque resistimos todo el camino hasta que un día conoces a una chica y pensamos sería un idiota si no me caso con ella, ella es increíble. Pero parece que las mujeres llegan a un punto donde parece que solo escogen la mejor opción…’Oh, él tiene un gran trabajo’. Quiero decir ellas pasan toda su vida buscando al príncipe encantador y se casan con el chico que tiene un buen trabajo. – Dean-


I feel like men are more romantic than women. When we get married, we marry, like, one girl, 'cause we're resistant the whole way until we meet one girl and we think I'd be an idiot if I didn't marry this girl she's so great. But it seems like girls get to a place where they just kinda pick the best option... 'Oh he's got a good job.' I mean they spend their whole life looking for Prince Charming and then they marry the guy who's got a good job and is gonna stick around. – Dean-


por Dulce

El principio del fin

Después de 10 años por fin comenzamos a ver el fin de la franquicia de Harry Potter, el niño mago que desde 1997 se adueño del corazón e imaginación de miles de niños, adolescentes y también adultos en todo el mundo; con el paso del tiempo los que comenzaron viendo estas películas en su infancia ahora ya son adolescentes sino es que adultos que como fieles seguidores siguen esperando que el mago Harry los lleve a una nueva aventura que les recuerde las páginas que adornaron su infancia.

La historia de Harry Potter comenzó siendo un cuento inocente que creo un mundo mágico cercano a la realidad, esto sin duda es el toque que considero ha hecho que millones de personas se sientan atraídas y que incluso vivan crédulamente las palabras que J.K. Rowling plasmó a lo largo de 7 libros.

Hablar de un fenómeno de la cultura popular mundial de los últimos años es sin duda un tema difícil de abordar y después de ver esta 7ª película es que pienso si algún día la autora se imaginó que lo que comenzó como un cuento de un niño mago huérfano se convertiría en uno de los negocios más exitosos de la última década, ya que si bien la franquicia ya era millonaria gracias a sus textos, en el año 2001 decidieron incursionar en el mundo cinematográfico a petición de los fanáticos y al deseo de sus bolsillos, trayéndonos a las pantallas un trío de niños desconocidos que a lo largo de 7 películas, 4 directores y 1048 minutos nos han traducido de forma visual la historia de Harry Potter abarrotando las salas de cine.

Harry Potter y las reliquias de la muerte es el nombre que lleva el último libro de la saga literaria con 759 páginas la autora puso fin a un legado que este pasado Noviembre toco el turno de ver este final en las pantallas grandes, como de costumbre primero se vio por los billetes verdes ya que este libro decidieron para nuestra "conveniencia" como consumidores dividírnosla en dos partes para que no se nos fuera hacer larga la cinta, sin embargo en estas primeras más de dos horas el resultado fue una película con más acción de lo que estamos acostumbrados a recibir por parte de los adaptadores cinematográficos de Harry Potter sin embargo por momentos cae en escenas largas que solo pueden ser explicadas como minutos de enaltecimiento a cada uno de los personajes para que los chicos fanáticos añoren los personajes que los han acompañado a lo largo de su vida.

Los aciertos de esta entrega a diferencia de las otras cintas es que es una película en que la aventura ya no es en Howarts y nos permite ver otra cara de los personajes principales, el lenguaje que se maneja es más oscuro tiñendo por completo la pantalla de matices negros, podemos ver más escenas de acción y hay una mejoría en la dirección de la actuación de los jóvenes actores en especial de Emma Watson, por otro lado sino has visto ninguna de las películas anteriores no entenderás de que se trata la cinta, de igual forma como toda película adaptada hay momentos que se dejaron fuera que a mi parecer eran importantes y nos dieron mucho tiempo de Harry Potter escondiéndose en diferentes bosques. La película la describiría como un puente en el cual Harry, Ron y Hermione lejos de su querida escuela continúan buscando los Horcruxes para dirigirnos por fin al encuentro final entre Harry Potter y Voldemort el cual en tiempo cinematográfico considero que ya se demoró demasiado.

La película queda totalmente inconclusa para dejar a la gente picada y esperando ahora si el final; como todas las películas de Harry Potter no estamos ante una obra cinematográfica o una pieza visual que cambie el rumbo del cine y hay algunas películas de esta franquicia que ni siquiera el público recuerda haber visto, sin embargo para los seguidores de la saga literaria quedaran complacidos al ver una adaptación más cercana a lo que leyeron, no es una película mala sin embargo no es la película con la que Harry Potter será recordada en el mundo del cine, sin duda alguna es una anticipación a lo que espero sea un memorable final.

por Dulce

http://www.qbilart.com/echalecacaro.html

10 años - 10 películas

Se acaba la primera década de este nuevo siglo y hemos visto pasar de todo en nuestras pantallas. Hoy nuestro cine esta… quizás no más vivo que nunca, pero está vivo, y eso es una gran ganancia. Para despedirnos de estos primeros diez años, aquí les dejo mi lista personal de lo mejor que he visto en este tiempo.


10.- MATANDO CABOS, de Alejandro Lozano. (2004)
Esta película es una estupidez. Es puro humor tonto violento, como una mezcla entre JACKASS y el estilo de QUENTIN TARANTINO ambientado en el DF contemporáneo. Pero tiene un tremendo cuidado en la técnica que la hizo visualmente sorprendente (para una película mexicana de ese entonces) La escuela sórdida morbosona de AMORES PERROS tuvo en esta película un buen enriquecimiento estético y una merecida burla.


9.-EL GAVILAN DE LA SIERRA de Juan Antonio de la Riva (2002)
Una película sobre como la historia se escribe con piezas desencajadas, muchas provenientes de la imaginación colectiva más que de los hechos. Una historia de narcos de poca monta que se aleja de los clichés del género y le da una dimensión humana que la eleva a niveles casi de tragedia griega. Además: el mejor papel en toda la carrera de Mario Almada. Ni más ni menos.


8.- EN EL HOYO de Juan Carlos Rulfo (2006)
Documental sobre algunos de los muchos obreros que trabajaron en la construcción del segundo piso del periférico. Otra película que se atreve a llevar el sangrón ojo del cine mexicano a donde pocas veces se asoma, para retratar una realidad que, de tan cotidiana, ya ni nos detenemos a apreciarla en su justa magnitud. Después de todo, ¿no se nos hace más fácil mentarle la madre al que esta a un lado que contemplar su mirada?


7.- LOS LADRONES VIEJOS de Everardo González (2007)
Otro documental, éste sobre la vida y obra de algunos ladrones que fueron celebres por sus fechorías en los años 60 y 70. Con testimonios simpáticos y descarados, muestra como el oficio de ladrón tenía una dignidad y una ética que los delincuentes de hoy han perdido por completo. Suspire como abuelito añorando los viejos tiempos en los que hasta los rateros eran decentes.


6.- ERENDIRA IKIKUNARI de Juan Mora Catlett (2006)
Basada en una leyenda Purepecha, ésta es la historia de una joven mártir de la época de la conquista española. Erendira se reveló contra invasores y machos por igual y dejó su fama de mujer indómita para la posteridad. Filmada con actores Purepechas en su idioma nativo y con una gran riqueza visual, esta película es un excelente ejemplo del cine indigenista actual.


5.- TEMPORADA DE PATOS de Fernando Eimbcke (2004)
Cine hecho con lo más elemental, que parece sacado con lo que hay a la mano. Un departamentito y cuatro muy buenos actores le dan vida a un cuento de cotidianeidad clasemediera urbana que logra ser existencial sin ser sangrona, y que demuestra que para encontrar el sentido de la vida, lo primero que hay que tener es buen humor.


4.- CHICOGRANDE de Felipe Cazals (2010)
Un western épico orgullosamente norteño y duranguense, i'ñor! el gran Damián Alcazar interpreta a un revolucionario que busca por todo lo ancho del norte a un medico que pueda salvar al moribundo Villa, oculto en algún lugar de la sierra, mientras los soldados norteamericanos invaden el país buscándolo vivo o muerto. Una película de aventuras que, aunque es más parecida al HOMBRE MUERTO de Jim Jarmusch que al MARIACHI de Robert Rodriguez, aún logra ser emocionante. No tiene desperdicio.


3.- RUDO Y CURSI de Carlos Cuarón (2008)
Me atrevo a decir que esta es la comedia mexicana más divertida de la década. Gael García y Diego Luna logran lucirse como actores cómicos en una historia genial que se nota que si sabe de lo que habla. Fútbol, risas, intrigas, dramas y pasiones. Rudo y Cursi lo tiene todo.


2.- EL INFIERNO de Luis Estrada (2010)
Creo que esta película refleja claramente el sentir del fin de esta década. Tal vez por la inmediatez del asunto no envejezca tan bien (espero que todo lo que pasa en esta película sea cosa del pasado dentro de pocos años) pero mientras tanto, tiene el gran mérito de expresar lo que muchos estamos pensando en este momento: el narcotráfico apesta.


1.- EL VIOLIN de Francisco Vargas (2005)
Una fábula de corte social cuyo abierto idealismo incomodó a varios. Sin embargo, es un buen estudio sobre las relaciones humanas. Muestra como lo bello en nuestro interior nos hermana y lo horrible nos separa, sin importar de donde vengamos o que creamos. Belleza de película.


Claro que en gustos se rompen géneros, así que les invito a que comenten sus propias selecciones de joyas del cine nacional. ¡Feliz fin y principio de década, carnales!


por Abel

http://www.qbilart.com/echalecacaro.html

Darren Aronofsky

Grandes películas, con un excelente mensaje han brotado más de una vez de la imaginativa mente de este cineasta independiente.

Nacido en Brooklyn Nueva York el 12 de febrero de 1969, Darren siempre fue un joven interesado en las artes, estudió cine de animación y acción real en la real Universidad de Harvard, presentando como tesis el cortometraje “Supermarket Sweep” laureado en varios festivales internacionales.

Su debut cinematográfico fue el galardonado largometraje “Pi, el orden del caos” (1998) una excelente película independiente que narra la vida de un matemático paranoico que busca un número clave que revelaría el verdadero nombre de Dios y abrirá los patrones universales que se encuentran en la naturaleza.

La película fue bien recibida tanto por la crítica internacional como por el público en general, preocupado por su siguiente proyecto, creyendo en todo momento que si no lograba superarse con el éxito de “Pi” sería considerado director “One hit wonder” ò de “un solo éxito”, se preparó para lanzar “Réquiem por un sueño” (2000).

Lejos de considerarlo un churro, la película se convirtió casi instantáneamente en cine de culto, narra la historia de un grupo de personas que se ven sumergidas en el mundo de la drogadicción y otros vicios, pasando desde el éxito y la glorificación hasta las mutilaciones y la autodestrucción.

Darren lo lograba de nuevo, tanto la critica como el público vieron con buenos ojos la cinta que fue premiada en varios festivales internacionales.

Sin embargo la presión aumentaba, esta vez Darren no debía superar solo su película inicial de bajo presupuesto, sino que también arrastraba con un filme que había aumentado las expectativas de manera exponencial.

Ya con un presupuesto millonario y muchísimas más facilidades que en sus producciones anteriores Darren se preparaba para rodar en el 2002 “La fuente de la vida” que cuenta la historia de un hombre en busca del árbol de la vida con la esperanza de salvar a su esposa de unos malignos tumores cerebrales. Con un estilo más poético y místico, Darren tenía la idea de construir una película de ciencia ficción a la altura de Star Wars o Matrix, emocionado al presenciar el estreno de esta última decidió enrolarse en una historia que girara en torno a la interrogante sobre Dios y la muerte.

Originalmente el proyecto debía ser protagonizado por Brad Pitt y Cate Blanchet, sin embargo, a raíz de que el personaje difería con lo que Pitt quería construir con su imagen optó por salir del proyecto, por lo que Darren perdió la mitad del presupuesto al retirarse Village Roadshow como casa productora tras la decisión de Pitt. Esto provocó que la película se viera afectada en los efectos visuales que debieron de ser “truqueados” y desarrollados de forma diferente a la imaginada por Darren originalmente.

La película fue tanto aclamada como criticada y esta vez Darren parecía quedar atrapado entre la opinión tanto de críticos como de espectadores.

Sin embargo Darren regresó a lo que mejor sabe hacer, cine independiente, y se preparaba para presentar en el 2008 “el Luchador”, narrando los últimos años de un luchador profesional dentro y fuera del ring.

La película es una obra maestra y sin duda se encuentra entre las mejores de su carrera. Uno de los mayores aciertos del filme fue la contratación de Mickey Rourke para el papel principal, que si bien llevaba varios años alejado de las pantallas comerciales, debido a problemas con diferentes productoras, dejo en claro que el talento se mantiene consiguiendo nominaciones a mejor actor en los Globos de Oro y el Oscar.

“Me habían comentado que Mickey estaba terminado, pero lo mire a los ojos y vi vida
dentro de ellos y un deseo de seguir expresando, que quemaba”
Darren Aronofsky

Darren a terminado su más reciente producción “cisne negro” y esta próximo a estrenarla este 3 de diciembre en los Estados Unidos, la película a generado gran expectativa a raíz de su predecesora y del comentario del director expresando que podría considerarse una secuela ya que giran en torno a una misma idea.

La película narra la historia de una bailarina que no teme arriesgarlo todo con tal de conseguir el papel principal en la famosa obra “el Lago de los cisnes”.

Darren es especialista en mostrar un cine natural, historias reales aterrizadas en la vida cotidiana de una forma cruda, sin censura con personajes extremistas en situaciones que así lo demandan, versado en el manejo de la narrativa con la aplicación en tres de sus películas de las obras del genio musical Clint Mansell quien ha hecho trascender no solo la película en si, si no incluso la ideología del director a través de sus notas.

El cine de Darren es característico por su edición y montaje semejante al de un video clip, innovando con tomas subjetivas, continuos desvanecimientos a blanco y el manejo de sus obras a través de tres actos por lo general guardando el clímax para el desenlace del tercero.

Su cine, aunque a final de cuentas es sumamente comercial, siempre ha sido manejado de manera independiente, (salvo “La fuente de la vida”), lo que le a permitido desarrollar sus ideas sin muchos cambios a causa de las grandes casas productoras que buscan hacer el mejor negocio, el problema de esto es que aunque su cine sea sumamente conocido su nombre queda un poco entre sombras para quienes no indagan un poco dentro del mundo del celuloide, pero el solo pensar que grandes obras como “Pi el orden del caos”, “Réquiem por un sueño” o “El luchador” provienen de una misma mente es difícil no emocionarse con el próximo estreno de “Cisne Negro”

Darren se ha convertido en una de las mejores guías y un director obligado de estudio para quienes buscan incursionar en el cine ya que ha demostrado más de una vez que con una buena idea no hace falta mucho dinero para desarrollar una verdadera obra de arte.

Por Daniel

http://www.qbilart.com/echalecacaro.html

The Kids are All Right

En ocasiones se nos olvida que el amor es independiente y aprueba de clases sociales, edades y GÉNERO, el cine siempre ha sido una ventana de escape un lugar de creación a nuevos mundos y una fotografía de la realidad de nuestro mundo, sin embargo hay ciertos temas que no se han abordado a pesar de ser una cotidianeidad a nuestro alrededor, tal es el caso de las relaciones entre homosexuales.

Desafortunadamente tenemos la idea que el cine homosexual es un género porno o un género que solo los homosexuales ven y compran, afortunadamente este mes me tope con una copia de una película, que lamentablemente no se dará difusión en nuestro país, The Kids are all Right, es una cinta que nos muestra un tema que para nuestros hijos será el común denominador en sus relaciones sociales.

La historia nos narra la vida de una pareja, Nic y Jules, ellas comparten una relación de años y deciden tener hijos juntas para lo cual ellas deciden acudir a una clínica de inseminación artificial donde cada una concibe a un hijo de un mismo donador, su vida transcurre como la de cualquier familia hasta que durante la adolescencia sus hijos conocen a su padre biológico.

Esta película toca este tema de una forma inteligente, libre de clichés y cursilerías, en primer acierto en esta cinta actúan Julianne Moore y Annette Bening que de una forma extraordinariamente creíble interpretan a una pareja de lesbianas que reflejan los problemas, estragos y alegrías que el amor causa en cualquier pareja enamorada y comprometida, también actúan en la cinta Mark Ruffalo y Mia Wasikowska con una actuación con la que bien muestra que ella no se quedará estancada como la Alicia de Tim Burton.

En segundo lugar la historia dirigida por Lisa Cholodenko aborda el amor de una forma natural y sencilla que hace a la película ligera, digerible, entretenida y logra que esta cinta independiente, con un presupuesto bajo, nos haga olvidar la necesidad de grandes locaciones o efectos especiales que no son necesarios haciendo que los actores y la trama se adueñen de nuestra atención.

Pero el acierto más grande de la película es que nos deja ver como todos somos iguales, como todos tenemos las mismas necesidades, miedos, diferencias y peleas; que lamentable es que la gente siga ignorando este tipo de películas y crea que nosotros como público no estamos listos para ver este tipo de historias y aun más lamentable que la gente siga incomodándose de una realidad que esta día a día entre nosotros.

por Dulce

http://www.qbilart.com/echalecacaro.html

Café Tacvba Seguir Siendo

En ediciones pasadas de Echale Cacaro les había enseñado el documental Naco es Chido de la H.H. Botellita de Jerez, ahí me quejaba de las pocas cintas que hablan sobre el rock mexicano. No pasaron muchos meses para que en las salas de nuestro país encontremos otra cinta sobre una banda mexicana, hoy bajo la dirección de Ernesto Contreras y J.M. Cravioto aparece Seguir Siendo; una verdadera pieza de historia sobre una de las más grandes agrupaciones que hay en nuestra escena rocanrolera.

La cinta cuenta con muchos elementos valiosos para los fans de los Cafetos, por ejemplo imágenes de las primeras tocadas, de sus aniversarios, de giras por el extranjero, su visita a Japón, el proceso de composición de Sino, su ultimo disco de estudio y más momentos que se resumen a 80 minutos de rock en el cine.

Cuando vi la película por primera vez fue por que me gane como fan un pase para verla en una sala THX, el sonido fue impresionante incluso fue lo que más me gusto ese día, la cinta debe de verse en una sala con sonido aceptable ya que en la edición los editores acomodaron muy bien las piezas musicales, nunca se fueron por la fácil de poner los éxitos, al contrario buscaron algunas de las piezas que no son tan reconocidas como "El Polen" o "53100"para que de esta forma quien se de la oportunidad de ver Seguir Siendo conozca más allá de "La Ingrata".

Cuando volví a ver la cinta me tocó verla en la sala 12 de los horrendos Cinepolis Acoxpa, ahí hay que darle un zape a los dueños, no puedo creer que mala sala escogieron para proyectar Seguir Siendo, el lugar tenía las bocinas voladas y deciden por sus tamaños ponerla con el audio de la pantalla, así que pague $54 por ver una telezota que no permitió que las personas con las que iba disfrutaran el enorme Soundtrack que contiene la película.

Ya hablando de Seguir Siendo; como ejercicio me parece que va a marcar la pauta para los siguientes documentales de nuestro rock, por que tiene muchos aciertos, como las tomas que hacen los directores en donde hay muchas imágenes subjetivas haciéndonos ver las cosas desde los ojos de los miembros de la banda, pero también hay muchos errores de los que van a aprender los que quieran retratar a un grupo, por ejemplo hay un momento en el que vemos la visita de Café Tacvba a Japón en la cual se clavan demasiado, incluso llega aburrir aunque te interese lo que esta pasando, pero por otro lado nos muestra las dificultades que tuvieron ellos al tratar de adentrarse al proceso creativo de composición del grupo, Meme y compañía prefirieron darles videos que ellos tomaron durante la grabación de su último disco Sino antes de dejarlos a que ellos entraran a invadir ese terreno.

Seguir Siendo nos muestra ese respeto que hay entre los miembros de Café, pero también evita desnudar y caer en frivolidades de la familia o el matrimonio de cada uno de ellos, cumple con mostrar un diario de una banda que esta en vías de convertirse en la más grande de todo el continente de habla hispana, pero lo hace mostrando el trabajo de los Tacvbos sobre el escenario y lo más importante como banda es que nunca caen en el exceso de ser muy solemnes con ellos mismos, es decir que los músicos digan que son muy grandes o mejores que cualquiera como ha pasado con otras bandas de aquí y del mundo.

Bien por los directores por que se ve que vieron mucho documental de los 70´s, vieron Let It Be de The Beatles, el Circus de Rolling Stones y el Rattle and Hum de U2, haciendo que Seguir Siendo sea un verdadero documental de música de una banda, ojala que más directores se animen a seguir a su grupo favorito y que retraten lo que hacen, ya que en México tenemos talentos enormes que hacen rock en nuestra lengua y que desafortunadamente nadie se anima a retratar su historia como lo hicieron en Seguir Siendo.

por Tello

http://www.qbilart.com/echalecacaro.html

The Monster Squad

¿Como expresar en una palabra la definición de lo que esta película es?& ¡uhm!, si la risa fuera una palabra creo que así es como la definiría: "Ja, Ja". "Hola soy Troy Mcclure, tal vez me recuerden por películas basura como: the Night of the Creeps, Robocop 3 y House; ¡ah!, no ese no fui yo, ese fue Fred Dekker escritor y director de películas tan pero tan abucheadas por la critica que son adoradas por los fans de las cosas raras y nostálgicas de los ochentas y noventas".

Tengo que admitir que esta película lo tiene todo, acción, drama, aventura, comedia, terror, una pandilla de escuincles que se organizan para salvar al mundo, y claro monstruos, muchos monstruos y no cualquier clan de monstruos, son nada más y nada menos los mejores y más clásicos monstruos de la época dorada del celuloide.

Probablemente si ustedes han sido fans del genero desde morros y se desvelaban viendo filmes de terror que pasaban los viernes por la noche en la tele, recordaran haber visto a este peculiar escuadrón luchando contra las malvadas fuerzas del mal, encabezadas por Drácula, quien en su afán de dominar la tierra, busca un medallón que contiene el poder para desatar toda la fuerza del infierno y permite a cualquiera que lo posea controlar los ejércitos de las sombras con los cuales podrá dominar el mundo. Pero claro siempre que eso pase, va a haber un grupo de chavitos, fervientes seguidores de los comics e historias de horror, dispuesto a vencer a base de pedradas y resorterazos a las fuerzas del mal.

Si, en efecto, esa es la premisa de la película y claro que parece mas el guión de un especial de halloween de los Simpsons, donde la audiencia se atacaría de risa al ver a Bart Simson unirse a sus amigos para lograr su cometido, pero esta entrega de 1987 nos permite reír de una gran cantidad de tonteras que vemos todo el tiempo, y si embargo por mas ridícula que es, vale la pena verla, sobre todo si eres fan de Stan Winston, el gran mago del cine de terror y ciencia ficción, que en paz descanse; creador de efectos especiales memorables como en Depredador, en Aliens y claro de Terminator, esta es una de sus obras menos destacadas, pero lo que mas vale la pena es ver la pasarela de monstruos clásicos, bajo las manos de este artista.

Pero si eres hijo del siglo XXI, y crees que Avatar y Transformers son lo mejor que puede existir en este planeta, y que la definición de la palabra nerd se traduce en un ¡Bazinga! y que los ochentas se definieron por el Thriller de Michael Jakson y todo era ridículo y pomposo como Timbiriche; déjenme decirles que tienen razón, pero aún así cuando la economía del mundo no estaba tan amolada había dinero para hacer un chiste de hora y media y pasarla bien viendo una película que solo iba a ser recordada en los corazones de los seguidores freaks por un desfile de disfraces que incluían a Drácula, el Hombre Lobo, el monstruo de Frankenstein, la Momia y la Criatura de la laguna negra; yo les sugiero que vean The Monster Squad, por que todos esos chistes babosos tuvieron un origen mas digno.

por CésaR

http://www.qbilart.com/echalecacaro.html

La magia de una buena historia bien contada

Este mes he decido dejar tan solo un poco de lado el cine y reservar un pequeño espacio para su hermana pequeña la televisión, convencido de la calidad de la serie y basado en su reciente adaptación al cine he concluido (tras un breve momento de reflexión) dedicar este articulo a la serie animada "Avatar, el último maestro aire".

Si bien la animación estilo manga nos tiene acostumbrados a buenas historias no cabe duda que cuando se fusiona con una narrativa ágil y llamativa, como lo es la norteamericana, da como resultado verdaderas obras de arte y bastante comerciales.

Avatar no es la excepción, con un excelente manejo de lenguaje cinematográfico novedoso en muchos sentidos en cuanto a lo desarrollado en la televisión, (con tomas abiertas y planos a detalle en todo momento) Aang un niño de apenas 112 años de edad
(tomando en cuenta que 100 de estos años los pasa atrapado en un iceberg) debe aprender a controlar los 4 elementos para dar pie a su destino y desarrollarse como el Avatar y así derrotar al señor del fuego Ozai quien ha decidido tomar poder sobre el Mundo.

Acompañado de sus amigos Aang viaja de pueblo en pueblo en busca de maestros para desarrollar sus habilidades, he aquí lo interesante de la serie, esta hecha con la cabeza, y no solamente con la idea de vender; cada capítulo progresa la historia principal y cada uno conlleva a su vez un mensaje importante y particular, de esta forma no cae en repeticiones, ni en tramas desarrolladas muy lentamente o hechas al aventón y que luego tratan de cerrar en el último capítulo de la temporada y lo que queda es un churro horrible como en la mayoría de las series norteamericanas, basta con ver un solo capítulo para quedar atrapado en la narrativa de tan apasionante trama, no se dejen engañar por ser una serie de un canal infantil porque se perderían de una excelente oportunidad de apreciar una buena historia, bien desarrollada y bien contada (cosa que pasa con menos frecuencia).

Técnicamente hablando la serie si no es perfecta si se acerca bastante, el arte en general es como pocos se han visto en este tipo de series, aunque se presenta de manera fantasiosa, maneja simbolismos de este mundo fácilmente reconocibles que nos hacen pensar en los grandes logros artísticos y culturales de la humanidad (es en serio, una serie animada de un canal para niños engloba lo mejor de las culturas de oriente y occidente en sus fondos y diseños), el manejo del color a lo largo de las tres temporadas es pasmoso, te permiten seguir de una forma sumamente sutil el desarrollo de los personajes, lo que te permite una vez mas como pocas series en el mundo madurar con ellos, punto importante si tomamos en cuenta que el tarjet principal de la serie son los niños de entre 10 y 15 años.

Hablando un poco de la fotografía, la combinación de la animación por layers, es decir, con varios planos de profundidad y la animación tradicional en los personajes permite fusionar dos elementos muy importantes, primero una animación en serie y no tan costosa como la animación 3D y segundo emplazamientos de cámara a través y no solamente sobre los esplendidos escenarios desarrollados para la serie. Lo que permite al animador jugar con elementos desarrollados completamente por computadora como pueden ser partículas y luces, lo que hace que la imagen sea muy vistosa.
En cuanto a sonido y música no se queda atrás, si bien al primero rara vez le ponemos la atención adecuada la serie maneja muy bien el misticismo y el lado espiritual que engloba la transición de Aang de un niño distraído al Avatar, el sonido es el encargado de llevarnos de un Mundo a otro de forma creíble, esto mediante el manejo de audios reales y otros no tanto en todo momento, cambiando solo el nivel de unos por los de los otros dependiendo de la situación.

La música complementa de forma exacta el arte desarrollado en cada escena, utilizando por lo general instrumentos poco convencionales se mantiene sobre esa línea muy bien definida a lo largo de sus tres temporadas que establece un Mundo mágico y anímico.

Uno de los puntos mas importantes de la serie es el desarrollo y diseño de personajes, si bien la historia principal gira en torno a Aang, la cantidad de personajes en la serie es abismal, tan solo en el ámbito de personajes secundarios con un peso importante sobre la historia se pueden contar 6 de manera inmediata, tal vez no parezcan muchos, pero tomando en cuenta que salen en todo momento y sus decisiones afectan directamente la trama; es de considerar tomando en cuenta el trabajo que implica el desarrollo de cada uno, con sus carencias y sus aptitudes, su forma de expresarse y su postura directa al desenvolverse al lado del mismísimo Avatar.

Ahora centrándonos en el personaje principal considero que uno de los aciertos más importantes de la serie fue dejar el destino del Mundo sobre los hombros de un niño de 12 años, aunque en la trama no fue de forma intencional es impresionante la forma en que desarrollan la idea de un pequeño mocoso con la misión de madurar viajando a través de pueblos y ciudades entre mares y océanos para encontrarse a si mismo, es en este punto que quiero mencionar que recomiendo ampliamente ver la serie doblada, es decir en español, sinceramente aunque los personajes podrían estar trabajados sobre las expresiones de los actores norteamericanos no cuentan (y nunca lo han hecho) con el carisma del mexicano que otorga a los niños presentados en la serie, eso, una actitud de niños lo que le da un enfoque fantástico a cualquiera que recuerde con cariño su infancia.

La Película "el último maestro aire" basada en la serie es buena como fiel adaptación a lo que es la historia original, Shyamalan (director) tenía pocas oportunidades de superar la serie tomando en cuento las limitaciones del cine frente a la televisión (que básicamente es el tiempo para desarrollar la historia), pero funciona de buena forma atrayendo a un nuevo publico que podría mostrarse ajeno ante la idea de una serie animada, así que si te gustó la idea, la temática y/o el desarrollo del arte en la versión cinematográfica tienes la envidiable oportunidad de agasajarte con un tesoro oculto que se presenta diariamente en un canal infantil de televisión.


por Daniel

http://www.qbilart.com/echalecacaro.html

Gremlins

Había una época en la que las películas no eran solo un medio comercial para ganar dinero, o para presumir la tecnología o avances que los grandes estudios de Hollywood habían alcanzado para presentarnos historias fantásticas; en ese entonces el cine comercial tenia mas contenido, y mucho mejores argumentos, los guiones estaban bien pensados y mejor escritos; y lo mas importante es que los proyectos se hacían con las ganas de hacerlos, de realmente contar las historias.

Gremlins, no es solo un clásico ochentero, seguro en cuanto les digo el nombre lo primero que piensan es en la nostalgia que los treintañeros del 2010 tienen por una época en la que el mejor videojuego era Pacman de Atari, y las saga de Star Wars solo constaba de tres episodios y estaba hecha con puros efectos especiales, maquetas y pequeñas naves de plástico colgadas como piñatas; ¡Ah! Pero en ese entonces había más películas que no eran pretenciosas.

Por extraordinario que parezca, la película esta inspirada en hechos supuestamente reales, una leyenda fantasiosa de la segunda guerra mundial, donde pequeñas y míticas criaturas atacaban aviones de la Real Fuerza Aérea Británica, saboteando su mecanismo, lo que causaba daños y muchas bajas en el momento de la batalla, supuestamente la leyenda cuenta que la causa de estos desenfrenados sabotajes, fueron provocados después de que los ejércitos aliados destruyeran los bosques donde los Gremlins vivían para construir una serie de bases y aeropuertos improvisados.

A pesar de que estos monstruos han salido en diversas películas, la versión más memorable es la historia contada en 1984, una película que combina muy bien la comedia con el terror, para todos los que conocemos el filme, sabemos que no solo es una historia medio payasa contada con un montón de muppets diabólicos, haciendo travesuras y bromas malvadas; pero para todos los que no la han visto, o nacieron a mediados de los noventa y creen que los Gremlins no son mas que pequeños peluches que sus papas pegaban en el parabrisas del coche junto a Garfield; déjenme decirles que cuenta con excelentes escenas de terror, con muy buen ritmo para contar una historia que salta del miedo a la risa, con una propuesta de arte que toma la época navideña y la somete en un ambiente de asedio-furtivo-maligno, un muy buen tema musical, que ambienta de manera exacta toda la película y claro el excelente diseño de las pequeñas y crueles bestias verdes.

Pero como esto es Échale Cácaro en realidad no quiero hablar solo de lo bien que esta hecha esta película, si no de la manera en la que muy fácilmente se pueden echar a perder las cosas; y como si fueran un montón de destructivos Gremlins los estudios Warner, tras el gran éxito que tuvo la primer película decidieron retomar la historia y hacer una segunda parte; seguramente esta es la que las mentes mas jóvenes recuerdan ya que Gremlins 2 salio en 1990, y es por esta secuela que todos recordamos a los Gremlins como una bola de de duendecillos latosos, que hacen bromas estúpidas, en un mundo estúpido, con actuaciones basura, un guión que incluye un musical al mas puro estilo de Broodway, una aparición de Bugs Bunny a media película, un Gremlin trans-sexual que tiene deseos asexuales con un gerente de un edificio corporativo de Nueva York y otro que por alguna razón que va en contra de todas las leyes de la física de la materia se convierte en una especie de Gremlin eléctrico que corre por el sistema de cableado del edificio electrocutando a cualquiera que se le ponga enfrente y así esta llena de tonterías sin sentido, que aún que hubieran quedado de acuerdo con las travesuras de los pequeños monstruos verdes simplemente están puestas ahí para vender algo mas.

Pero para no cerrar este artículo de manera tan decepcionada, si recomiendo mucho Gremlins de 1984 mas en estas fechas, sobre todo para todos las almas jóvenes que la recuerdan como una película que vieron sus papás en la adolescencia y para todos aquellos que crecimos con ella, véanla ahora con ojos mas añorantes y críticos y fíjense en los pequeños y sutiles detalles, como la maquina del tiempo que sale en una toma y en la siguiente ya logro su cometido de viajar al pasado o al futuro, o el par animaciones aportadas por Disney ya que curiosamente eran ellos los que tenían los derechos de la historia plasmada en el libro de cuentos de Roald Dahl de 1943, el no tan sutil cartel de Indiana Jones presentado como una indiscutible marca de un producto patrocinado por Steven Spielberg y tal ves uno de sus sutiles pero morbosos escándalos sociales al comparar a los Gremlins con el comportamiento de la sociedad de color norte americana a principios de los ochentas.

Esta es una de las supuestas historias reales que involucran Gremlins durante la segunda guerra mundial.

"Algo terrible sucedió en el aire un día a finales del verano de 1939 y hasta el día de hoy el incidente se mantiene en secreto.

Todo lo que se sabe es que un avión de transporte militar salió de la marina naval de la Base Aérea de San Diego a las 3:30 de una tarde. El avión y su tripulación de trece hombres estaban haciendo un vuelo de rutina a Honolulu. Tres horas más tarde, cuando el avión estaba sobre el Océano Pacífico, una señal de alerta frenética se encendió. Y poco después, la señal de radio se detuvo.

Un poco más tarde, el avión regreso dañado a la base y realizó un aterrizaje de emergencia. Miembros del equipo de emergencia de tierra se precipitó a la nave y cuando subió, se horrorizaron al ver a doce hombres muertos. El único sobreviviente fue el copiloto, que, aunque gravemente herido, había sobrevivido el tiempo suficiente para aterrizar el avión. A los pocos minutos de lograrlo murió.

Todos los cuerpos tenían heridas grandes, abiertas. Aún más extraño, el piloto y el copiloto había vaciado sus pistolas Colt .45 automática en algo. Los cartuchos vacíos se encontraron tendidos en el suelo de la cabina. Un olor sulfúrico impregnado el interior de la nave.

El exterior del avión fue dañado gravemente, mirando como lo había sido alcanzado por misiles enemigos. El incidente fue silenciado con éxito y no vio la luz durante quince años, hasta que el investigador Robert Coe Gardner se enteró de alguien que estuvo en el lugar de los hechos. El misterio de lo que la tripulación se encontró en el aire de la tarde, en 1939 nunca ha sido resuelto."

"Charles Berlitz's World of Strange Phenomena"

por CésaR

http://www.qbilart.com/echalecacaro.html

Biutiful

Tomando en cuenta sus producciones anteriores Alegandro González Iñárritu viene a consolidar una narrativa muy característica con Biutiful, mantiene detalles muy interesantes como la mezcla de razas entre sus personajes principales, el montaje de cámara y detalles Mexicanos a lo largo de la película, sin embargo ( y advierto que seré muy exigente por ser uno de los tres grandes) la película no es lo que nos están vendiendo por televisión.

Quisiera mencionar que la mezcla de audio es muy mala, esta muy mal ecualizada, solo la he visto una vez por lo que no estoy seguro si esto sea problema de la película o del exhibidor (cinépolis miramontes, sala 9) pero en varias partes de la película el audio ambiental se tragaba por completo el dialogo de los personajes.

Las actuaciones son muy buenas, la historia por si misma causa una intriga bastante llamativa, sin embargo a la película le sobran cosas, no entiendo bien si la idea de Alejandro era hacer una película estilo naturalista donde se muestran las cosas tal cual son de amargas en la vida real ó si su intención es generar una especie de cine de autor para lo que considero le falta bastante, si la idea es el primer caso, los poderes místicos y sobrenaturales de Uxmal (Javier Badem) aunque visualmente son bastante buenos, salen sobrando y rompiendo por completo con la ideología de un película natural, ya que su aportación podría haberse desarrollado de mil formas diferentes sin complicar la trama, si por el contrario, su idea fue trabajar sobre una dinámica de autor, la cual ya lleva tiempo desarrollando, creo que caerá en una narrativa demasiado común, carente de los momentos de genialidad que caracterizan a este género.

Aunque no me gusta desarrollar las películas en los artículos que escribo por respeto a las personas que no la han visto, no puedo dejar de mencionar que la escena en el bar/ table dance destruye por completo la narrativa que se venía desplegando, esta escena recae en la cinematografía que nos han venido presentando una y otra vez como “el nuevo cine Mexicano”, tal vez funcione tomando en cuenta que la película esta grabada en España, pero aquí, no deja de ser una mas, el cine Mexicano no tiene porque ser solo groserías drogas y violencia, reconozco que era necesario tirar al personaje en lo más profundo de su psique, pero la forma escogida por el director se queda corta poco dramática y si muy repetida.

Al final la mezcolanza de emociones y situaciones provoca que el dramatismo se pierda, hay historias en el trasfondo de la línea principal que se desarrollan a diferentes velocidades lo que provoca que el espectador se salga de ritmo.

Para concluir, la película es buena, es un poco lenta o más bien alargada, vela si te gusta el cine de Alejandro González Iñárritu, pero no te creas eso de que es “La película mexicana, es bueno saber que tendremos un representante en los Oscares, ojalá gane el reconocimiento, pero no creo que sea la mejor película del año ni la mejor que le veamos a Iñárritu.

por Daniel
www.qbilart.com/echalecacaro.html

LA LEYENDA DE LA NAHUALA

Recuerdo el estreno de LA LEYENDA DE LA NAHUALA, allá por el lejano año de 2007. La anunciaron como un evento sin precedentes en la historia del cine animado en México. Apenas el año anterior, UNA PELÍCULA DE HUEVOS había triunfado en taquilla, y se esperaba que esta nueva película, dirigida por RICARDO ARNAIZ, corriera con la misma suerte. Hoy, LA LEYENDA vive en el limbo de ser una película recordada, mas no atesorada por el respetable. Citando una frase del protagonista de LUNA AMARGA: La recuerdo perfectamente, tal y como se recuerda una visita al dentista.

Leo es un niño muy miedoso. Su hermano mayor lo asusta siempre contándole cuentos de espantos. Ya casi es el día de muertos y al hermano se le ocurre contarle que una vieja casona abandonada está poseida por el espíritu de una nahuala. Como al hermano le encanta torturar a Leo, una noche se mete a la vieja casona y resulta que la nahuala es real y se lo lleva. Entonces Leo, aunque se horroriza con la sola mención de la nahuala, por alguna extraña razón no tiene mayor problema con meterse a la casona a rescatar a su carnal.

LA LEYENDA es un claro ejemplo del problema que implica querer competir con las películas de Pixar cuando todavía no se está al nivel del gato Felix.
La ciudad de Puebla, El ambiente provinciano, las tradiciones y el día de muertos son tratados con el encanto de una tarjeta postal vieja. El primer acto de la película se va con los personajes explicándose entre ellos lo que es una ofrenda, un cohete y un merengue, recitando los nombres de los panes dulces típicos y cantando canciones folklóricas.

Entiendo todo eso de rescatar las tradiciones, pero no necesitan poner a los monitos de la película a darnos clases forzadas de folklorismo. Lo peor es que esa actitud didáctica rompe desde el principio la lógica de la historia. ¿Que necesidad tiene la abuela de contarle a los niños lo que lleva una ofrenda de día de muertos si se supone que ellos mismos la ponen alegremente cada año? Ese es otro problema de LA LEYENDA: Los personajes no son personajes. Solo están presentes para vomitar sus líneas y cumplir un papel arquetípico.

El hermano mayor es malo porque sí; Leo es miedoso porque sí; la nana, solo por ser veracruzana, se pone a cantar sones jarochos y a hacer bromas lelas a la menor provocación. Uno de los fantasmas aristócratas de la casona, solo por tener la voz del Loco Valdés, se pone a cantar EL MÉDICO BRUJO, en un número que apuntaba a ser digno de FANTASÍA, la de Walt Disney, y acaba viéndose como un ejercicio escolar hecho la madrugada anterior.

Tampoco les ayuda que la animación sea tan mala. A veces parece que los personajes no saben que hacer con su cuerpo y se mueven sin sentido. A veces se deslizan por el escenario en vez de caminar. A veces desafían la fuerza de gravedad brincando como si estuvieran en un juego de Super mario. Los únicos momentos en que los monitos parecen realmente vivos es cuando dan la impresión de ser actores amateur mal dirigidos. Por ejemplo, LEO le tiene miedo a TODO. se MEA del susto, literalmente, con los cuentos de su hermano, pero cuando está dentro de la casona, rodeado de calacas hambrientas que lo confunden con comida, debería casi desmayarse del terror o correr como loco. En vez de eso anda todo el tiempo con cara de confusión. Más que tener miedo, parece que se le olvidaron sus líneas y se está esperando a que se las sople el director.

En resumen, la animación es mala, los diseños son feos, la historia es sosa, los personajes son vacíos, los diálogos son tontos. Todo está del nabo en esta película. Al final, LA LEYENDA queda como un experimento fallido. Pero en su defensa diré que tal vez no podía haber sido de otra manera.

En México apenas está creciendo una escuela de animación que se irá puliendo con los años. Esta película es como el trabajo pesado que nadie sabía como hacer pero que tenía que ser hecho para poder avanzar. Se nota que pusieron un esfuerzo en este proyecto. Mal encaminado, tristemente, pero un esfuerzo digno de una respetuosa palmada en la espalda. Servirá como un testimonio para que los animadores mexicanos del futuro lo volteen a ver y puedan decir, orgullosos "Cómo hemos avanzado." En la cadena evolutiva de la animación mexicana, LA LEYENDA DE LA NAHUALA es el garabateado neanderthal que dará paso, con los años, al hermoso cine-sapiens del mañana. Aunque no he visto NIKTÉ, seguramente al equipo de ANIMEX le debe haber quedado mucho mejor que este primer intento. Felicidades a todos ellos. Metiendo la pata y aprendiendo a no meterla es como se escribe la historia.

por Abel

www.qbilart.com/echalecacaro.html

Comer Rezar y Amar

Solo por esta vez creo que se amerita empezar este artículo con la historia. Eat Pray and Love es una texto biográfico, la autora Elizabeth Gilbert decidió compartirle al mundo un año de su vida, el libro comienza explicándonos la desdicha por la cual esta señora atraviesa; tiene 35 años esta casada y supone tener todo lo que la sociedad americana le ha dicho que tiene que poseer, pero ella siente que su vida no es su vida ya que ha perdido toda su individualidad.

Es durante esta crisis que ella decide divorciarse, al notificarle a su esposo esta decisión, él del coraje decide darle el divorcio a cambio de que le otorgue todo bien material que ella posee, asunto por el cual ella está sumida en tristeza y enojo, ella buscando una respuesta comienza a rezar trayendo como consecuencia que sus problemas se solucionaron aunque queda con poco dinero y deprimida, es así como decide buscar lugares que le permitan volver a lograr un equilibrio en su vida, descubrirse y asombrarse una vez más al mundo.

Tal inquietud la lleva a Italia específicamente Roma, lugar donde ella va con el único deseo de aprender Italiano lo cual logra; días antes de finalizar su trayecto en este lugar nos lleva a través de sus palabras a lugares típicos turísticos y sobre todo por un paseo gastronómico alrededor de Italia, una vez satisfecho su apetito (y 4 meses después) se dirige a India, lugar donde busca encontrar la paz a través de la meditación una actividad difícil para una persona de una ciudad ajetreada, después de mucho esfuerzo lo logra y nos muestra como la meditación y tradiciones de India la llevan a encontrar la paz, el equilibrio y la libertad de ser ella misma; después los últimos 4 meses decide irse a Indonesia específicamente Bali, lugar donde ella a través de las costumbres de la gente aprende a disfrutar su vida y abre su corazón para amar nuevamente.

El libro no es una obra maestra de la literatura sin embargo es un libro entretenido que aunque de repente tiene sus hojas de aburrimiento la autora logra transportarte a estos lugares e inclusive se te antoja comer y meditar; el texto ha sido un éxito vendiendo millones de ejemplares alrededor del mundo llamando así la atención a los creadores del mundo cinematográfico.

¿Por qué comencé contándoles la historia?, Es la primera vez que salgo tan molesta y decepcionada del cine, nada de esto se logra ver en la pantalla grande, solo el paisaje hizo digerible la película, no se si afortunada o desafortunadamente yo llevaba el antecedente del libro, razón por la cual no disfrute nada la película, yo sabía que le faltaba, que cosas no eran así, que cambios tan absurdos e innecesarios se hicieron en la trama, y puedo decir que es una de las peores adaptaciones de libros que he visto.

Enfocándonos en la película; ya es hora de dejar de comprar la sonrisa de Julia Roberts, ella nunca ha sido garantía para vendernos una buena cinta más que comedias románticas y en esta ocasión ni eso logró; la historia carece de problemática ya que es la vida de una mujer en búsqueda de su individualidad (cosa por la que millones de mujeres pasan y no logran ni reflejar a este sector de la población), Julia Roberts nos deja ver a través de su actuación una señora egoísta, inmadura y rica que se le acaba el mundo por una separación, pero no solo Julia es el problema, Hollywood una vez más metió sus manos y tal parece ser que los encargados de la película dijeron ¿qué me sirve de la historia?


Los nombres de los personajes
Divorcio
Italia (con italianos comelones y gritones, razón por la cual en Italia destrozaron las críticas de ese país a la cinta)
India (pero solo enseño la pobreza, los elefantes y ¡ah! sí las jóvenes allá son sumamente desdichadas por que no escogen con quien se casan)
Bali (Javier Bardem en una isla, así quien se podría fijar en las tradiciones de Bali)
Bajo estos factores se desarrolló una historia desagradable y sobre todo banal, la molestia no radica simplemente en la pésima película sino en como el cine de Estados Unidos subestima los gustos y necesidades de las mujeres, vendiéndonos en esta ocasión la fórmula de: “si tienes un problema come, reza y eso te ayudará a que vuelvas amar”, lamento el hecho que Hollywood siga cerrado a tomar temas como la religión y las tradiciones de países como India, que los sigan poniendo como los villanos, pobres e ignorantes cuando la misma gente americana se maravilla al pisar este lugar, lamento que tomen de ignorantes a su público al cual no le puedan meter subtítulos y hagan creer que hasta en el lugar más remoto todos hablan inglés.

Yo no se si todas las mujeres que fueron a ver la cinta salieron contentas o gustosas de ver esta película, quisiera creer que aquellas que acudieron a las salas sin leer el libro disfrutaron aunque sea un poco su gasto de 58 pesos, sin embargo a todas ustedes que les gustó (por que a los hombres les aseguro que no les gustó) pregúntense si en verdad esta película es un reflejo de ustedes ó de las mujeres de su alrededor, quiero pensar que la autora no tuvo mucho que ver en la adaptación pero si fuera lo contrario diría que se dejo seducir por los billetes verdes; debería ser una suma molestia colectiva para nosotras que el cine comercial americano nos crea incapaces de digerir buenas historias y sigan creyendo que las mujeres solo gustamos del cine rosa encabezado por de Julia y un guapo actor, es momento de meditar en que papel están poniendo a la mujer adulta de hoy y sus problemas, si bien hay un cine independiente que esta rescatando las comedias románticas, todavía llega un mega estreno como este, con un costo de más de 60 millones de dólares, en el cual nos siguen poniendo como damiselas en apuros, cobardes y egoístas. Muy mal sabor de boca que me deja esta adaptación literaria al cine, prefiero quedarme con mi imaginación, las palabras con las que la autora logró acaparar mi atención y el deseo de que la gente deje de comercializar sus experiencias; si les llama la atención esta moda de comer, rezar y amar lean la historia y olvídense de que existe la película.

por Dulce
www.qbilart.com/echalecacaro.html

The Devil and Daniel Johnston

Es un lugar común pensar en los artistas como criaturas atormentadas expulsando en sus creaciones el dolor de vivir en una sociedad que no los comprende. Aunque ese arquetipo romántico puede sonar obsoleto en la época en la que se considera arte estampar la cara de Don Ramón, el del Chavo del 8, encima de la cara de una Virgen de Guadalupe en minifalda, por ejemplo. Sin embargo, el sufrir de las almas sensibles ha estado presente desde tiempos lejanos y estará hasta que el mundo como lo conocemos se colapse. En estos globalizados tiempos, cualquiera puede hacerse llamar artista y difundir su arte , pero también se necesita un auténtico talento para sobresalir de entre las masas de gente pretenciosa que sueña con hacerse millonaria ensuciando lienzos y paredes.

DANIEL JOHNSTON es un artista singular. Un apasionado de la música y los comics con una larga carrera como compositor y dibujante. Sus obras han sido expuestas en varias galerías de todo el mundo. Ha dado conciertos en escenarios de Europa y América. Su música ha sido interpretada por gente como Tom Waits y Death Cab for Cutie. Sin embargo, él permanece alejado de los reflectores lo más que puede. Fuera de Estados Unidos era prácticamente desconocido hasta que esta película sacó a la luz su turbulenta historia. THE DEVIL AND DANIEL JOHNSTON, dirigida por JEFF FEUERZEIG, es un documental que narra la vida de Daniel desde su infancia hasta el año 2005. Está construido a partir de filmaciones en 8mm y grabaciones de audio que el propio Daniel hizo para registrar obsesivamente cada momento de su vida. A través de testimonios de parientes y amigos, nos enteramos de cómo Daniel pasó de ser un chico introvertido y tímido a ser una sensación local en su pueblo por sus canciones pegajosas y de letras melancólicas, que él registraba con grabadores de mala calidad, armado con su guitarra, sus teclados y su chillona y desafinada voz que sonaría como una broma de no ser por el sentimiento que le pone a sus composiciones.

Daniel tiene desencuentros con su conservadora familia, que ve con malos ojos su vocación artística y le aplica el clásico ¿por qué no te dedicas a algo más útil? . Lo peor llega cuando Daniel empieza a desarrollar Trastorno Bipolar. Es víctima de depresiones fuertes y ataques de delirio. A medida que su enfermedad se agrava, su fama va creciendo cada vez más. Aparece como invitado especial en MTV, celebridades como Kurt Cobain se declaran admiradores de su música, las disqueras se interesan en contratarlo. Pero Daniel, al borde de la locura total, piensa que todo es un plan del Diablo para robarle su alma. El documental describe cada detalle de su declive: Se pierde en la ciudad de Nueva York; ataca a una mujer en su propia casa, creyendo que está poseída por demonios; Apaga el motor de una avioneta en la que viaja y tira las llaves por la ventana, convencido de que tiene el poder de volar; Se obsesiona con el Diablo y siente que libra una batalla a muerte con él; se aferra al recuerdo de Laurie, la chica de sus sueños que lo rechazó en la juventud, y todo lo refleja en sus canciones y sus dibujos. El arte es su único escape y lo deja como testimonio de un espíritu en desesperada búsqueda de paz y sanidad.

EL DIABLO Y DANIEL JOHNSTON, divertida, triste y sorprendente, muestra una cara muy interesante sobre la enfermedad mental y la redención a través del arte. No hay razón para no echarle un ojo y adentrarse al increíble mundo de Daniel Johnston, uno de esos artistas que sin duda colocaría la cara de Don Ramón en donde fuera, pero solo si eso funciona como un puñetazo en el rostro de su archienemigo Satanás. Es la batalla de nunca acabar. El bien contra el mal. Gasparín el fantasma amigable contra el Príncipe de las tinieblas. Quien tenga oídos para oír y ojos para ver, que vea la asombrosa historia del artista que visitó el infierno y vivió para contarlo.

por Abel
www.qbilart.com/echalecacaro.html

Una carta a Star Wars

Hace cinco años yo cerré un ciclo en el cine que muchos vivieron en 1983 cuando se estrenó el Episodio VI El Regreso del Jedi. En el 2005 yo termine la saga que a mi generación nos toco ver en el cine; honestamente y contrario a lo que muchos fans puristas de Star Wars dicen, la nueva trilogía a mí me gusta más y es con la que me siento identificado, yo incluso le recomiendo a la gente ver La Guerra de las Galaxias comenzando por el Episodio I y así sucesivamente.

Cuando vi el Episodio III en el cine fue la noche del estreno, recuerdo que estaba muy emocionado, veía a la gente llegar a las salas vestidas de los personajes, incluso en cuanto se apagaron las luces un par de tipos se pararon y prendieron unas espadas láser con lo cual la sala completa se volvió loca. Ahí estaba yo de nueva cuenta viendo otra película de Star Wars, el título y las letras corrieron de abajo hacía arriba en color amarillo, que emoción sentía al verlas acompañadas de la música compuesta por John Williams, por fin iba a ver como es que Anakin se convertía en Darth Vader. Cuando terminó la película todos aplaudieron en la sala, yo estaba eufórico por la última media hora de la cinta.

Al pasar de los días y luego de cinco visitas al cine, me di cuenta que la vida suele ser injusta con los que innovan, probablemente Lucas no sea el mejor director, lo comprobamos en las escenas dramáticas y amorosas, pero eso se puede olvidar por todos los logros que ha hecho Lucas y su equipo desde 1977.

El sueño de La Guerra de las Galaxias tardó casi treinta años en terminarse, en esas tres décadas no se por que razón la Academia de cine que entrega los Oscares nunca reconoció a Lucas como el director y visionario tan importante que ha sido para la historia del cine contemporáneo, a eso me refiero con la injusticia de la vida con los que innovan, pero bueno Star Wars y Lucas no necesita de estatuas doradas que casi siempre son otorgadas injustamente.

Cuando se terminó la euforia por el Episodio III; creíamos que era el fin de la saga, la historia había dejado contentos a todos los fans, independientemente de los diálogos flojos en algunas partes de la cinta estábamos satisfechos con ver a Darth Vader levantándose de una camilla médica, pero para Lucas no fue suficiente y al poco tiempo se sacó de la manga una historia en la que Anakin ahora tiene una Padawan, hecho que para muchos es solamente una serie para vender más juguetes, pero a fin de cuentas y aunque no nos guste la idea todos la vemos ¿no?.

Hoy a cinco años del estreno de The Revenge of The Sith, y en un año lleno de El Imperio Contraataca, creo que los que somos fans debemos darle el valor justo a una cinta en la cual Lucas, su equipo y los actores que se entregan totalmente a los personajes regresan logrando un capitulo final memorable que sin duda marcó a muchos niños que vieron a Grievous, Vader, Obi y Yoda como unos héroes creados por un solo individuo, y gracias a ese señor en todos los árboles de navidad hay un sable de luz esperando ser abierto por un joven Padawan.

Señor Lucas usted no necesita un frió trofeo dorado, usted tiene algo que no todos los directores logran aunque ganen un Oscar, usted esta metido en los corazones de todos los que algún día hemos soñado con aventuras de galaxias muy muy lejanas.

por Tello
www.qbilart.com/echalecacaro.html

el Ciempiés Humano

Tomar algo hermoso, considerado espectacular por los más, apreciar su forma, su figura, su sensual atractivo. Tomar algo hermoso y destruirlo, convertirlo en un adefesio un engendro mal hecho de la naturaleza, un castigo propio del más cercano círculo al centro del infierno de Dante. Tomar algo hermoso y convertirlo en mierda.

Tal vez no, con ese pensamiento exacto fue, pero seguro que algo parecido se le ocurrió a Tom Six (director) cuando pensó en el argumento del guión de su película “el Ciempiés Humano”, que más que terror, horror absoluto, una completa degradación de la condición humana.

No tengo manera de hablar de esta película sin antes abordar un poco el tema del tipo de película que es. En el genero de terror se encuentran diversos subgéneros, que ponen a las películas propias de esta vertiente del cine, en diferentes subcategorías, es por eso que no en todas las películas de terror vemos a un asesino en serie masacrando estudiantes, ó a monstruos gigantes aplastando edificios, ó un suspenso constante en el que la única escena de terror real es la última.

También existe un tipo de terror que es más intestinal, usando todo el sentido de la palabra, algunos lo conocemos como GORE cuya característica principal es mostrar en una forma especifica, violencia visual realista, decapitaciones, desmembramientos, heridas ocasionadas por métodos de tortura muy dolorosos; todo esto en conjunto con una verdadera experiencia agónica, ya que la finalidad del GORE es que el espectador sufra una tortura real, sin que salga lastimado físicamente.

En “el Ciempiés Humano” se usa un tipo de GORE bastante austero para lo que podemos estar acostumbrados, entre mas impactante y real sea la mutilación que vemos, es mayor el sufrimiento que siente la audiencia, pero aquí el castigo es al revés, no es una violencia física tan brutal y agresiva como en otras películas de este subgénero, no; este terror es más psicológico. Una tortura física totalmente degradante, esa es la característica principal del filme.

Muchas veces las películas, que están enfocadas a darnos miedo, nos ponen en el papel de la victima que escapa y trata de salvar su vida constantemente sin tener éxito, provocando que nos familiaricemos con su sufrimiento, pero a veces las películas de terror te ponen del lado del villano, y te permiten ver el lado oscuro que mueve sus propósitos, y en esta primer entrega de Tom Six ese es el caso, de principio te sientes tan absorbido por el morbo y la escalofriante idea del plan tan malévolo y aberrante que el personaje principal quiere realizar que de verdad quieres ver que el villano, totalmente desquiciado, logre su propósito; creo que esté es un gran acierto del filme, ya que enteramente te entregas en el camino del mal, por mas asqueroso que este sea, y para la mitad de la película ya aplaudes toda la locura que este monstruo ha desatado sobre sus victimas, a pesar de todas las nauseas que ya te provoco.

Con una propuesta en cámara muy sobria, actuaciones intensas, y lo que realmente sobresale un guión con una idea tan originalmente degenerada, esta película es una sombría necesidad de satisfacer el morboso placer que tenemos por ver algo que es bello convertido en un fenómeno aberrante y anómalo, “el Ciempiés Humano” es una película realmente difícil de ver, y no apta para estómagos débiles, la cual debería venir con la advertencia, de verla bajo su propio riesgo.

por CésaR
www.qbilart.com/echalecacaro.html