SCOTT PILGRIM VS THE WORLD

Imaginen tener 22 años y estar sumidos en su mente en la cual día con día, en todo momento y situación, la vida parece un juego de video, por ejemplo enojarte con el oficial de transito y para resolver tu enojo decides aventarle una bola de poder o por ejemplo recibir un duro golpe perdiendo todo tu nivel de energía, pues si eres un gamer probablemente esto te ha pasado, como a nuestro amigo Sott Pilgrim quien en su aventura en el séptimo arte se enfrenta a los ex novios de su enamorada Ramona.

La historia de Scott Pilgrim viene de una adaptación del comic del mismo nombre dibujado en Canadá por Bryan Lee O´Malley, la novela gráfica ha tenido mucho éxito ya que en las tiendas de comics es una constante buscarla y que se encuentre agotada. Al igual que el comic, la película mantiene esa línea de comedia, romance y mucha acción, Pilgrim es bajista de la banda Sex Bom Omb la cual esta buscando ser campeones en un concurso de talentos de Toronto, su propio autor lo describe como un muchacho flojo, le gustan los video juegos y es muy enamoradizo.

La trama habla sobre la nueva chica de la ciudad Ramona quien conquista el corazón de Scott, pero hay un problema para poder ganarse el cariño de la chica de cabello morado necesita derrotar a los siete malvados ex novios los cuales son muy diferentes uno de otro hay un Skater, una chica, unos gemelos y el peor de todos Gideon quien por mucho tiempo ha guardo en secreto un experimento que tenía sobre Ramona para que siempre regresara con el no importando con quien estará.

Como si fueran pruebas Scott va resolviendo cada una de las batallas y va demostrándole a los ex que es digno del corazón de la chica, mientras el se clava más y más en pelear por conseguir el amor de Ramona, los miembros de su banda se dan cuenta que Pilgrim cada se aleja de ellos y lo sacan del grupo, pronto nuestro personaje acaba sintiendo que todo lo que ha hecho solamente le ha traído tragedia a su vida y no ve claro que la chica de sus sueños acceda a ser su novia.

La película fue dirigida por Edgard Wright y fue estrenada en el segundo semestre del 2010 en Canadá y Estados Unidos el reparto esta encabezado por Michael Cera como Scott Pilgrim, recordamos a este chico en películas como Juno, Superbad y Nick y Jonas, Ramona es interpretada por Mary Elizabeth Winstead a quien habíamos visto en Duro de Matar 4; estos dos jóvenes actores toman la cinta por completo llevándose como debe ser los aplausos ya que aunque hay un elenco pesado en nombres logran llenarte los ojos haciéndote creer que si son los personajes de la novela gráfica, el reparto presenta a gente como Chris Evans (Capitán América), Kieran Kullin (hermano de Maculay) y muchos actores más que hacen que la cinta sea muy creíble y entretenida a pesar de ser un mundo de fantasía en el que vive Scott Pilgrim.

Ahora vamos a hablar de todo lo positivo que tiene Scott Pilgrim Vs The World, lo que más me gusta es la música de ahí que decidí darle el espacio de este escrito, la elección de temas incluye artistas como Beck, Metric quienes hacen la rola “Black Sheep” que se utilizo para promocionar la cinta, Frank Black, The Rolling Stones y los Black Lips, todas las rolas salen en la película, incluso el soundtrack fue muy vendido en nuestro país.

Otro punto que fuerte de la película es la edición simplemente fenomenal; el año pasado cuando me preguntaron sobre mejor edición para los Oscares siempre dije que Scott Pilgrim tenía que estar nominada, en pocas palabras te vuela la cabeza sin esta edición no sentiríamos que estamos viendo un comic en la pantalla grande, tiene animación, la música entra perfecto, la iluminación en fin la cinta es una obra maestra en ese aspecto.

¿Por qué a Scott Pilgrim no le fue bien en el cine en México? Hace unos meses trataba el tema de Sucker Punch en donde les decía que nuestro país disque es fan de la ciencia ficción pero cuando llega algo que no es Marvel o Star Wars simplemente no le gusta a la gente, es desafortunado que tengan que encontrarse estas cintas solo un fin de semana en cartelera y que fracasen o que se traigan mucho tiempo después y es que como les decía con Sucker son cintas que están hechas para pensarle más, para poder ir a disfrutar de una peli inteligente basada en un comic y que no sea de puros balazos y guamazos.

Scott Pilgrim Vs The World fue traída a México con el nefasto titulo de Scott Pilgrim Vs los Ex novios de mi novia, como siempre sabemos de que se va a tratar antes de verla por que las distribuidoras nos tratan como bobos al tener que traducir el nombre mal.

Como pueden ver no es una película que te cambia la vida, no va a estar premiada pero si los invito a verla por que es una cinta que te da mucho, grandes actuaciones, muy buena música e insisto lo mejor es la edición si estás estudiando comunicación, cine, etc. Tienes que verla para ver como se edita una película de ciencia ficción.

Por Tello

Don Gato y su Pandilla

¡Sufro, sufro, sufro!

 

Don Gato y su pandilla es un caso interesante en el mundo de los dibujos animados. Una serie norteamericana que pasó sin pena ni gloria en su país natal y se convirtió en una de las series más queridas y populares en el nuestro. Con 24 capítulos, los simpáticos gatitos han entretenido a quien sabe cuantas generaciones de niños y adultos mexicanos. Es una de esas raras caricaturas que pueden ponerse a ver un padre y un hijo y reír ambos por igual.  Muchos dicen que el tipo de humor urbano de barrio bajo y la personalidad descarada pero noble de Don Gato es lo que hizo conexión con el humor nacional, junto con el genial doblaje que acabó por mexicanizar la serie de lleno.

Desde ese punto de vista, Don Gato comparte, como invitado especial, una larga tradición humorística con Tin Tan, Cantinflas, Clavillazo, Resortes, y hasta Ponchito y Doña Margara, por citar ejemplos más recientes. Con esto en mente, no es raro que en Warnes Brothers, Don Gato estuviera en el Archivo Muerto cuando en Ánima Estudios tuvo la iniciativa de producir un largometraje con la franquicia.

El resultado fue una película animada que se estreno en septiembre de 2011 y que rompió records de taquilla el día de su estreno. No es para menos, ¿quién no quiere volver a ver a Don Gato? Es como si Kathy la oruga reviviera su carrera en una película de Pixar. Bueno, estoy exagerando, más bien fue como cuando el Chavo del Ocho fue refriteado en una serie de dibujos animados. Eran los mismos chistes de siempre, pero la gente nunca se cansa de ver al Chavo. Igual con Don Gato.

Con esa ilusión de aficionado fui muy contento a ver la película y salí decepcionado. La película no es mala. Tampoco es buena. Tristemente, no logra ir más allá de lo mediocre.

Primero los aciertos. El mayor acierto es que respetaron por completo la personalidad de Don Gato. Es tal y como lo recordamos. El clásico tramposo encantador que nos hizo reír tantos años está de vuelta y no cambió nada. Otro acierto es que el trabajo de animación de los estudios Ánima  ha mejorado considerablemente, al grado que esta película se ve fluida y limpia, y los personajes no cambian horriblemente de forma como en películas anteriores. 

Y aquí es donde empieza la letanía de quejidos. Pues por muy Don Gato que sea, esta película sigue siendo una producción de Ánima, y como todas las películas de Ánima, su punto débil sigue siendo el guión. Es una historia que no tiene nada que ver con el universo de Don Gato. De hecho, es una historia genérica de esas que se pueden adaptar a cualquier película dominguera sin muchas aspiraciones. ¿Robots gigantes? ¿Un villano malévolo pero torpe? ¿Personajes planos y sin profundidad? ¿Qué rayos estoy viendo: Don Gato y Su Pandilla o la secuela del Super Agente 00-P2? Hasta pudieron haber metido en esta aventura al Chavo del Ocho y no hubiera cambiado nada.

Don Gato se desenvolvía en un ambiente 100% realista y urbano. Su característica era que podía involucrar problemas como la delincuencia y el abandono infantil en una sencilla trama de humor blanco para niños. En la película decidieron irse por el camino fácil y llenar la historia de elementos baratos de ciencia ficción chafa y chistes tontos. Después de todo, los niños se ríen de cualquier cosa, ¿no?. Hablando de tontos, el villano es un personaje nuevo llamado Lucas Buenrostro y es en el que llevaron su política de tontería barata al extremo. Es un personaje sin profundidad, sin carisma y sin atractivo de ninguna clase. Es notable que un villano de la serie original, el Gran Gus, hace un cameo en la película y resulta mejor desarrollado y con una personalidad mucho más interesante que Buenrostro.

Éste último solo se limita a sobreactuar, contar el mismo chiste una y otra y otra y otra y otra y otra vez, (¡Se la pasa diciendo que es bien guapo y en realidad es horrible! ¿no es jocosísimo? Jajajajaja) y básicamente a servir como una colección de clichés mal combinados. Otra vez, es un villano genérico típico de las películas de Ánima, pero que nada tiene que ver con Don Gato. Y el peor crimen es que recibe una insana atención y cantidad de tiempo en pantalla mucho mayor que los personajes principales.

Otro problema: La pandilla no tiene nada que hacer en la película. Don Gato vive mil aventuras y Benito, Cucho, Panza, Demóstenes y Espanto literalmente se quedan esperando a que Don Gato termine de vivir sus aventuras. En lugar de darles un papel activo o ahondar en sus vivencias personales, no los sacaron de su papel de comparsas y por lo tanto, están nada más que de adorno. Todavía el Oficial Matute se desenvuelve más. Es otro personaje bien respetado y que también aporta los mejores momentos de la película. Los mejores chistes vienen de Demostenes. Lo cual tiene sentido ya que el humor de esta película es muy tonto. Ni siquiera es tonto fársico como en Rescatando al Soldado Pérez, sino que es planamente tonto. Tiene sentido que Demostenes se comporte así, pero que Benito y compañía también se comporten como tontos es ya un error garrafal.

Entiendo por que a la gente le encanta la película y la defiende tanto. Está llena de guiños y referencias a la serie original. Muchos de los personajes que recordamos están ahí: Arabela, Laslo Losla, el Gran Gus,  el marajá de Pocajú, hasta Mimosa llega a aparecerse por ahí. Lo malo es que en general no están integrados a la historia y solo aparecen como detallitos para activar el sentimiento nostálgico en los fans. Y por lo visto, funcionó de maravilla. Don Gato y su Pandilla le va a encantar a los nostálgicos por el show, que después de haberse olvidado de todos los elementos nuevos, seguirán recordando con gusto como los elementos viejos reaparecieron en la pantalla grande. 

Sé que pudo ser peor. Si hubiese sido producida en EEUU, estoy seguro de que habría estado llena de chistes vulgares, dobles sentidos, canciones de pop y cameos de Lady Gaga y algún rapero de moda. Tristemente, así como las películas norteamericanas se están ganando esa mala reputación, en el cine animado en México no hemos superado la etapa del humor bobo. Así como se creía en los años veinte que al público bastaba mostrarle animalitos chistosos para hacerlo reír, aquí parece que la consigna es hacer las historias de lo más simplonas, tontas y planas.

Creo que ya estuvo suave. Don Gato merece algo mucho mejor que esto. El público mexicano merece algo mucho mejor que esto. ¡Es hora de ver más allá!, aunque para eso tengamos que trabajar o algo peor, mis canchanchanes.

Por Abel

3 cuentos de Terror Mexicano

Hasta el Viento Tiene Miedo, El Libro de Piedra y

Veneno para las Hádas.

En la década de los sesentas y hasta finales de los ochentas, cuando parecían lejos los vestigios del glorioso cine de oro de México, alguien se atrevió a hacer algo diferente, mientras nuestras habilidades para contar historias en la pantalla grande, pasaban del fantástico cine de ciencia ficción y legado de culto que dejo el Santo, a las clásicas e icónicas películas de ficheras, Carlos Enrique Taboada dirigía su atención a un genero que aparentemente estuvo destinado a desaparecer en nuestro país.

Me da gustó poder decir que aun que escondidos tenemos un buen número de clásicos del cine de terror con filmes que realmente destacan por la excelencia de su contenido. Y es así como doy paso a historias  magnificas, tan buenas que podemos encontrar la misma formula utilizada en muchas grandes producciones del cine en todo el mundo.

Hasta el viento tiene miedo, de uno de los mas trágicos años de nuestra historia, 1968, cuenta una historia de fantasmas con un increíble y lúgubre matiz de misterio y suspenso; probablemente para los ojos contemporáneos, de una era digital donde aparentemente ya vimos de todo, esta película va a parecer lenta y sosa con actuaciones mas propias de una puesta en escena que de un filme de terror; pero quiero destacar el magistral ritmo que la película maneja, ya que en ningún momento  saca al espectador de la trama como paso con su patético remake del año 2007, intentando copiar la esencia de Taboada, creo que el error es querer mejorar algo que ya esta muy bien hecho, la versión original del 68 esta excelente y mantiene uno de los aspectos mas importante que creadores actuales no terminan de comprender, la historia es primero.

De 1969 El Libro de Piedra, otra genial obra de Taboada a la que en la actualidad, en lugar de hacer algo nuevo y original, se les ocurrió copiar en un remake del 2009, sin embargo esta fue tan poco sonado que paso totalmente desapercibido por el hambriento y exigente publico mexicano. La historia al igual que su antecesora maneja con un contexto paranormal en su trama, un drama familiar, que ponen en perspectiva la claridad con la que un niño, o en este caso una niña, entiende su entorno y como su forma de pensar siempre esta llena de inocencia, corrompida únicamente por la necedad de los adultos.

El gran problema con la versión actual, es que los cineastas actuales no comprenden todavía, que ese tipo de narrativa funcionaba en esa época, donde contar una historia era mas sencillo, ya que la en la actualidad la mente y la imaginación de los espectadores esta mas saturada con historias, escenas e imágenes que hemos visto en clásicos durante tantos años y si a eso le agregas las pésimas actuaciones de personas que con comprende el contenido de la historia, pues bueno el resultado es un intento mas.

Sin embargo no quiero terminar dejando un sabor de derrota, por que no es así como hacemos las cosas, simplemente debemos comprender que a pesar que estos clásicos tuvieron sus días de gloria y merecen ser revividos a través de la magia del DVD o Internet, el cine mexicano puede alcanzar nuevos parámetros y un ejemplo de eso es Veneno para las Hadas de 1984.

En una época en la que solo producíamos una y otra vez la misma película de comedia morbosa sin un mensaje, ni propositito mas que el de juntar algunos pesos de taquilla y las producciones gringas nos bombardeaban con su nueva formula para producir oro, Veneno para las Hadas llega sin mas pretensiones que contar un inocente cuento para niños, envuelto en un trasfondo, una vez mas paranormal, con una muy buena dirección de actores infantiles, que sopesan todo el largo del filme, es increíble pensar que no se hicieron cosas tan magnificas después de esto, es cierto que el encanto de esta película se basa en el hecho de que es contada por dos niñas, y que las participaciones de los personajes adultos, no interfieren ni destacan comparadas con las travesuras de sus personajes principales, es decir se llevan totalmente las palmas.

Me da gusto decir que de este filme no existe un remake que eche a perder su nombre, y honestamente espero que nunca lo hagan, por que si es cierto estas películas son excepcionales, y auténticamente dejan muy en alto nuestro cine, mostrando que se pueden hacer obras con muy buena calidad, cuando dejamos las pretensiones de lado, sin embargo también espero que los nuevos realizadores entiendan que estos cuentos ya fueron contados, y nuestra cultura y sociedad aun tiene mucho que decir sobre quienes somos y las leyendas que nos rodean, así que espero que no solo en el genero de terror si no en todo nuestro cine nos demos cuenta que lo que importa no es ganar dinero si no contar una buena historia.

Por CésaR

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MUNDO COOL.

Cuando la realidad y la fantasía se hacen bolas.

 

En el año de 1989, la imaginación de los inocentes niños del mundo fue conquistada con una película maravillosa llamada ¿Quién engañó a Rogger Rabbit?. La mezcla de actores reales con caricaturas provocó un pasón masivo de fantasía en nuestras mentes. Sumado a eso, a los niños mexicanos nos tocó una época de oro en materia de animación, desde el boom del animé con Los caballeros del Zodiaco y Dragon Ball, hasta los horripilantes monos de la escena alternativa de animadores norteamericanos, con caricaturas como Los Simpson o Ren y Stimpy, y por supuesto, los Animaníacs y demás producciones novedosas de la WB.

Alrededor de los nueve años descubrí entre la colección de VHS de mi padre una copia de Heavy metal. Fue una experiencia reveladora. ¡Las caricaturas también eran para adultos! El sexo, la violencia y las groserías también existían en su universo. Eso, más allá del morbo inicial, me demostró que la animación era un medio para exponer temas maduros y no solo un entretenimiento infantil.

Pero hubo un pionero en el mundo occidental que había iniciado con ese concepto muchos años atrás. Se trata de un animador norteamericano llamado Ralph Bakshi. En los años setenta causó gran revuelo con El gato Fritz, película animada protagonizada por un gato lascivo que iba por el suelo americano provocando destrozos. El prestigio de Bakshi se construyó sobre esa premisa de dirigir películas animadas con personajes malhablados y viciosos, por lo que su cine siempre estuvo sumergido en la escena underground. Para los años noventa, los tiempos habían cambiado y Bakshi estaba listo para llevar su visión al cine comercial.

El plan original era que Mundo cool fuera una historia de terror ambientada en un universo de caricatura. Una mezcla de animación y acción viva al estilo de Rogger Rabbit. Era la historia de un monero que le entra con su propia mona y ésta da a luz a un extraño ser mitad caricatura y mitad humano. Sin embargo, el productor de la película quiso llevar el proyecto por un camino distinto y se atrevió a ordenar una reescritura completa del guión sin tomarse la molestia de avisarle a Bakshi. El resultado fue la película que finalmente vimos, y que Bakshi accedió a dirigir, según sus propias palabras, porque necesitaba el dinero.

Un miembro más del escuadrón de películas de relleno que pasan en canal 7 en la tarde, mucha gente ha visto Mundo Cool pero casi nadie le ha agarrado la onda. No culpo a nadie, Mundo Cool es un caos de principio a fin. Es la misma trama del monero que viaja al mundo de las caricaturas y se involucra con una sensual mona bajo las sabanas de tinta china. Pero después la trama se vuelve más confusa, e involucra a Brad Pitt como un acartonado policía humano que vive atrapado en el mentado carimundo, un científico que descubre un portal que puede transportar a las caris al mundo real, una chava animada que quiere con el poli, y una bola de caricaturas orates que aparecen y desaparecen sin ton ni son durante toda la película.

Es demasiada información como para concentrarse en el drama del monero que trata de... bueno, ni siquiera estoy seguro de lo que pretende lograr el monero. ¿Quiere volver a su mundo? ¿Quiere quedarse con la mona? La mona es todavía más confusa. Primero lo único que quiere es tirarse al monero. Luego, como si fuera una versión cachonda de Pinocho, quiere volverse una mujer real, luego quiere ¿conquistar el mundo? Quien sabe a que hora pasa de ser el estereotipo de la rubia tonta a ser una super villana. Brad Pitt nos deleita con la peor actuación de toda su carrera. Hasta en 12 MONOS, (donde irónicamente, actúa como una caricatura) lo hace mil veces mejor que aquí. ¿Que es, entonces, lo que vale la pena de esta abominación? Pues lo que mejor hace Bakshi: la animación. El universo de Mundo cool es una carta de amor a la historia de la animación desde los tiempos de Mickey Mouse hasta la escena indie de los años noventa. Es una locura desbordante de diversión. Más que la trama de la película, lo que me atrapó fue ver a tantos monitos locos haciendo y deshaciendo por todos lados.

Hace rato mencioné que la animación es un gran medio para exponer temas maduros desde un ambiente único. Mundo Cool no pretende eso para nada. Es una película pasada por alcohol y hongos alucinógenos a las tres de la mañana. Es como viajar a otro planeta donde no hay más reglas que dejar que la mente brinque por la casa toda la noche. Solo por eso vale la pena verla. Esta película cumple con lo que promete en su título: no será muy buena, pero sí muy cool.

Por Abel.

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The Karate Kid

Entre un buen mensaje y una buena película

existe un excelente guión.

 

Retomando las historias con guiones de extraordinaria calidad esta vez les comento una película que aplica elementos básicos y sencillos en su trama, pero los maneja de tan buena forma que se convierte en icónica dentro de una generación así como, incluso, asumiendo un título de película de culto.

Kate Kid (1984), es como ya muchos de nosotros debemos saber, la historia de Daniel Larusso, un joven enclenque que sufre de bulling y se refugia en el Karate para aprender a defenderse y auto respetarse.

La narrativa es la adecuada para una película de este género, sin exageraciones y concisa, la fotografía es funcional sin llegar a extraordinaria trabajando de forma complementaria, la música, muy bien aplicada, si aparece para acentuar escenas emotivas y todo girando en torno a lo realmente admirable de esta historia, el guión.

Para empezar la trama es sencilla y se sabe sencilla, no aspira a exageraciones y se cuenta de forma muy natural, esto trae enormes ventajas, ya que la familiarización con los personajes es casi inmediata, se convierte en una historia cotidiana que puede suceder en cualquier parte de occidente o incluso del Mundo, lo anterior lo menciono porque obviamente la película se basa en traer un arte oriental a personajes occidentales.

Los personajes y sus diálogos son sencillos, de igual forma naturales, fluidos y progresivos, manejados de una forma tan secuencial que pocos detectan este acierto, sin embargo a raíz de este trabajo se convirtieron en estereotipos frecuentemente usados.

La historia se desarrolla bajo elementos muy característicos que ayudan a darle un toque especial a la producción, la forma en que Daniel es adentrado en el viejo arte por su maestro Miyagy, al mismo tiempo que le enseña que lejos de lo que el joven pensaba el Karate es mucho más que atacar, y como broche de oro el aprendizaje de una difícil técnica que le traerá el tan ansiado respeto.

Pero la lucha de Daniel no es contra los Cobra Kai a diferencia de lo que muchos de nosotros podríamos pensar, desde el inicio de la película y esto gracias al guión, se presenta la idea de que su verdadero enemigo es su propio miedo y en un último dialogo con su maestro al final del filme Daniel lo explica al comentarle que necesita saber que podía ganarle, saber que merecía respeto.

Es por este punto que la película es tan importante, y muy recomendable en estos tiempos en que parece que el bulling está de moda, el filme se basa en un tema que no dejará de existir, arraigado a la humanidad, el auto respeto aflige en todas las culturas y sociedades.

Sin embargo un tema trascendental por sí solo no garantiza que una película vaya a ser buena, una vez más el guión tiene mucho peso en esta producción donde se preocuparon por desarrollar a los personajes y sus emociones momento a momento, escena a escena, puntualizar los instantes importantes y establecer de forma muy marcada los papeles de cada uno de los personajes.

Las actuaciones, a pesar de ser personajes muy bien establecidos y sin desmeritarlas, son bastante buenas, funcionan al no descomponer la idea que se construye en base al guión y de la misma forma en base al mensaje, tengo la idea de que el acierto se basa más en el trabajo de casting al conseguir actores con experiencia vivencial de estas mismas emociones. 

Por Daniel

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Eterno Resplandor de una Mente Sin Recuerdos.

Michel Gondry, en Eterno Resplandor de una Mente sin Recuerdos, contó una historia de amor de una forma magistral y única, en donde, de manera muy concisa define los procesos de lo que es el amor y el des-amor; lo que es conocer a alguien, enamorarte, amar, hasta el momento donde lo más simple se vuelve lo más molesto, lo maravilloso es cotidiano y el amor poco a poco se va perdiendo.

Joel (Jim Carrey) está desecho al enterarse que Clementine (Kate Winslet), su exnovia, ha borrado mediante una proceso científico, todo recuerdo que tuvo de él. Decepcionado, Joel se somete al mismo tratamiento; sin embargo, a la mitad del tratamiento cuya duración es de una noche, el cerebro de Joel decide resistirse y conservar sus memorias afectivas, generando una batalla entre el proceso científico y la voluntad humana de recordar y… amar. ¿Suena confuso? Afortunadamente, una vez que el espectador se traga la extraña premisa, las cosas se desarrollan lógicamente, y si bien esta curiosa trama se presta muy bien para los trucos de percepción característicos de Gondry, nunca se pierde la noción de la trama, ni el hilo narrativo. Esta historia es acompañada de un extraordinario soundtrack, que hace que la película se vuelva aun más melancólica de lo que es, con tracks como el de Beck “Everybody`s Gotta Learn Sometimes”.

Existen amores que son pasajeros, que son compañeros de tiempo, de risas, de películas domingueras, existen amores para presentar, para salir de vacaciones, para ir a comer, para divertirte y para olvidar, sin embargo siempre existe aquel amor, aquella persona que tiene todo esto y más, que es único, que te quita el aliento, el sueño, el hambre; te dan ganas de vivir, de hacer todo posible, todo es maravilloso y todo lo vuelve perfecto. El problema es cuando tienes que olvidar a esta persona, ¿qué pasa en ese momento? todo aquello que era perfecto es doloroso, todo lo posible es imposible y cada que lo intentas olvidar, dejar atrás, cada parte de tu cuerpo duele tanto que a veces desearías nunca haber conocido a esa persona que causo tanto dolor, desearías borrarla de tu memoria, borrar esos recuerdos que parecían hermosos pero que cada que los tocas te destruyen. 

Si pudieras borrar aquella persona que causo tanta alegría y tanto dolor ¿lo harías? ¿Borrarías el recuerdo de esa persona en tu vida? 

Por Mariana

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Ponyo

“-Entonces Ponyo, ¿Cómo es tu mamá?

-Es grande y hermosa, pero puede ser muy temida”

 

Una obra de arte en movimiento. Una ves mas Hayao Miyazaki nos trae un cuento para niños a la pantalla, como solo él sabe hacerlo; Ponyo es su versión del famoso cuento de Hans Christian Andersen; La Sirenita, claro que como nos tiene acostumbrados, nos muestra una visión muy diferente a la plasmada por Disney en 1989.

Ponyo es una niña pez que no solo sueña, si no que alcanza el mundo real, se aventura y nunca se detiene, simplemente se decide a hacer las cosas. Pensándolo en retrospectiva, es un excelente mensaje el que nos da; la historia comienza sin explicarnos nada, todo es una ventana de los sucesos tal y como están pasando, las emociones son las que mueven tanto a los protagonistas, como a los espectadores.

Contemplando una vez más, esta mezcla de lenguaje cinematográfico nipón a ritmo del europeo y americano, Ponyo es el balance perfecto entre los íconos, símbolos y conceptos orientales, explicados con un idioma occidental, lo que hace de Ponyo uno de los filmes de Hayao mas fácil de digerir, literalmente se pasa como agua; y aún que había arrastrado esta tendencia desde El Viaje de Chihiro y El Castillo Vagabundo, con Ponyo ha alcanzando la cúspide de este experimento, creando una manera mas universal de contar historias.

Desde que empieza hasta que acaba, Ponyo invade con colores todo, absolutamente todo, la historia esta tan bien manejada que cada personaje tiene su momento en pantalla y así sean 30 segundos o 1 hora, nos identificamos plenamente con su esencia, no necesita explicar mas de lo que dicen con un par de diálogos.

La música, tal y como es característico en todas las producciones de Ghibli, es excepcional, pero en esta particular ocasión acompaña la película de manera tal que es como leer un cuento, sentados en el parque, rodeado de niños jugando, escuchando a una orquesta sinfónica en vivo, mientras vamos leyendo nuestra historia; casi podemos esperar que si nos detenemos un momento la orquesta hará una pausa sosteniendo una nota aguardando a que continuemos leyendo.

Pero lo que es mas relevante de todo, es que Hayao nos explica como todo en este mundo tiene vida, el mar es un personaje, tan grande, majestuoso y vivo, mas vivo de lo que el simple concepto del mar, nos trae a todos en nuestra memoria; Miyazaki nos deja ver con una increíble gama de colores, que representan todos los atributos que el océano tiene: las criaturas mágicas que viven en él, la fuerza que con la que mantiene sus continuo movimiento, la velocidad con la que desplaza: sentimientos, virtudes, emociones y encima de todo a Ponyo. Todo eso para decirnos que el mar es el equilibrio y el origen de la vida y aun que no lo crean todo eso, lo expresa solamente con colores.

Y sin embargo uno de los aspectos más excelsos de todos, es que en esta película, tanto el estudio Ghibli como el legendario director Hayao Miyazaki, logran romper completamente el estilo y concepto de animación que habían mantenido, hasta este entonces en todas sus producciones anteriores, haciendo de Ponyo un filme nuevo, único y muy original que mantiene el equilibrio perfecto entre la clásica historia, su muy especial mensaje, los indispensables símbolos orientales explicados para que todo el mundo los entienda, sus entrañables personajes, una sinfonía que nos acompaña y nos guía y los colores; que al igual que el mar, mantiene todo en perfecta armonía como la obra de arte que pinta la vida en este pequeño planeta azul.

por CésaR

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