Rojo Amanecer

Carlitos: -Abue ¿Jugamos a los soldaditos?-

 

El innombrable y no hablo de Don Voldemort sino del filme dramático que cambió la libertad de expresión cinematográfica de un país, una película que rompió el silencio, en la que se desenvuelve la historia de una familia que habitaba el edificio Chihuahua en la Plaza de las tres culturas de Tlatelolco, cuando llega el movimiento estudiantil de 1968 justo el día en que se origina la matanza del 2 de octubre. 

Que filme quien quiera ser visto…

Sabemos que el gobierno mexicano no permitió la difusión de la verdad en esas fechas en especial de ese acontecimiento, los medios de comunicación fueron limitados, pero 21 años después Jorge Fons se atrevió a dirigirla y junto a un selecto grupo de personas entre actores y producción, recrearon la tragedia, personificándola para llevarla a la pantalla grande y demostrarle por fin a la gente, la verdad. Con muy bajo presupuesto, pero con muchas agallas; El tema intocable por años ellos lo destaparon, obviamente tuvo muchos problemas para obtener permiso de filmarla, de proyectarla o reproducirla, pero el cine independiente siempre sabe cómo lograrlo.

Para empezar toda la película se desenvuelve dentro del departamento, una familia de clase media, padre burócrata (Héctor Bonilla), madre ama de casa (María Rojo), abuelo ex-militar jubilado (Jorge Fegan), dos hijos preparatorianos (Demián y Bruno Bichir), la hija de secundaria (Paloma Robles) y el más pequeño Carlitos que estudia en primaria (Ademar Arau); Y como lo marca el hecho histórico es un día normal en la vida de esta familia cuando una serie de sucesos empieza a hacerlo un día extraordinario, trágico y triste. Ésta familia con todos sus personajes representa la sociedad de México en esa época. Reflejo del conflicto generacional que está a punto de estallar afuera de los muros del departamento.

Creo que la película marca los hechos de una forma cruda sin tapujos y evidentemente sin tentarse el corazón, y hay que analizarla con lo excepcional de su carácter, porque recodemos que hablar de la realidad nacional era escaso, como si quisieran desviar del cine los momentos de conflicto nacionales, y es lógico ya que el cine de nuestro país tenía una dependencia gubernamental para poder sobrevivir, he ahí, la gran muralla que se le anteponía a este filme, pero de alguna manera aprovecharon los recursos que tenían para darle vida a la cinta.

La verdad es que siempre me ha costado trabajo ver la película sin soltarme a llorar o sin estresarme, te pone en la orilla del asiento para luego echarte hasta atrás y ahí te mantiene, no hay forma de ver estas escenas sin sentir rabia, coraje y dolencia, mucho menos siendo mexicano porque es un momento que marcó al país trágicamente y me atrevo a decir que al día de hoy no lo olvidamos, ni lo perdonamos. 

Admiro la forma en que la película lo cuenta, pues no se le ha ido ni un detalle al director, los periodistas y fotógrafos que estuvieron ese día presentes que obtuvieron material y lograron sobrevivir se les retiro de sus evidencias, los amenazaron… es que nadie podía decir lo que había ocurrido ahí, 10 días después serían las olimpiadas y había que dejar todo impecable y limpio, ¡claro!, ¿Cómo iba a permitir el gobierno que la gente de afuera (tanto extranjero), se diera cuenta de lo cochino que estaba el país… aún hoy en los medios de investigación no se tiene la información completa del suceso, pero Fons logró obtener y reproducir los hechos, el filme fue vetado, prohibido, cancelado, robado, pero la distribución la lograron, proyectándola entre amigos, pasando copias de mano en mano, en cineclubs. 

Hasta que por fin se estrenó en el cine, causó tal impacto que muchos no querían creer que así  había ocurrido, otros tantos la aplaudieron pues sabían cómo habían sido los acontecimientos, reaccionó al público y es que los hechos siempre estarán presentes la película logró romper barreras y muros, logró destapar las vendas que impedían ver, gracias a esta cinta mucha información sobre el tema salió a la luz, sin embargo aun quedan muchos episodios ocultos y en este sentido Rojo Amanecer ocupa el primer lugar de un filme que se atreve a tocar una herida no cicatrizada. La cinta no pretende ser analítica de causas o consecuencias del movimiento, ni acusar al estado represivo, es simple crónica de la tarde en que se perdió la cordura e hizo que el terror y la muerte tomaran imperio.

Carlitos: - Abue, y ¿porqué hicieron eso los soldados?

Don Roque:- porque les dieron órdenes…

Carlitos:- y los soldados… ¿siempre tienen que cumplir las órdenes?

Don Roque:- Siempre…

Por Mony

Los Fantasmas de Scrooge

Una historia de miedo para todas las navidades.

 

A Christmas Carol, conocida en Latinoamérica como Los Fantasmas de Scrooge,  es una película animada del año 2009 dirigida por Robert Zemeckis y protagonizada por Jim Carrey. Es una adaptación cinematográfica del clásico cuento homónimo de Charles Dickens sobre un millonario avaricioso que recibe la visita de tres espíritus en nochebuena.

Debe ser una de las obras literarias más adaptadas al cine y la televisión de todos los tiempos, al grado que es una historia masivamente popular a pesar de que mucha gente no conoce la novela original.

Esta adaptación, sin embargo, tiene características peculiares que la hacen sobresalir. La más notoria es que es verdaderamente terrorífica. Acostumbrado como estaba a las versiones melosas que de este cuento hicieron Mickey Mouse, Bill Murray, Los Muppets, y hasta el Doctor Cándido Pérez, esta película me asombró, primero, porque se apega mucho a la historia original, respetando los detalles sombríos que habían quedado fuera en las versiones infantiles. Y segundo, porque ese mismo apego le permitió a Zemeckis presentar una buena carga de simbolismo que le dan al filme un toque muy maduro y espeluznante a la historia.

Hay escenas que son 100% de terror y que no son muy frecuentes de ver en una película navideña, lo cual es un gran acierto, ya que a fin de cuentas, el viaje de Scrooge a través de navidades pasadas, presentes y futuras es una experiencia terrorífica para él, y eso se transmite muy bien a lo largo de la película, lo que logra acentuar más el mensaje optimista con el que concluye la historia.

Jim Carrey hace una interpretación de lujo, no solo de Scrooge, sino también de los tres fantasmas, ninguno de los cuales es el típico personaje loco o simpaticón. Esta vez, Carrey se reservó sus improvisaciones chistosas, ofreciendo varias de sus mejores actuaciones. Gracias a eso, la película nos lleva de un desprecio hacia Scrooge como el villanazo desalmado, a la compasión por él en el clímax de la historia.

Es una gran adaptación de una gran historia, que lo mismo inspira miedo que esperanza, pero tiene un detalle más que la hace especialmente lúgubre. Un detalle que quizás no fue del todo la intención de Zemeckis. La película está hecha con Performance Capture, la famosa técnica que permite registrar las gesticulaciones y movimientos de un actor de carne y hueso y aplicarlas a un personaje animado.

 Zemeckis fundó en 1997 un estudio de animación, Image Movers Digital, y se dedicó a dirigir películas con ésta técnica durante toda la década pasada, con resultados dispares. Lo que le sale de maravilla a la gente de Weta Digital (Creadores de Gollum, los Na'vi de Avatar y los monos de la última entrega de El planeta de los Simios) no corrió con tanta fortuna en los filmes de Zemeckis, y tristemente, Los Fantasmas de Scrooge no es la excepción. En pocas palabras, los personajes se ven horribles. No estéticamente horribles, sino de una fealdad que lastima la vista.

Se ven tan faltos de vida como un montón de maniquíes. De hecho, la actuación de Carrey gana todavía más mérito al lograr dotar de personalidad a unos personajes que, si bien abundan en detalles como las texturas de la piel y la ropa, no dejan de lucir como unos monigotes tiesos. Es lo que los críticos norteamericanos nombran the uncanny valley, o Valle Inquietante en español. Se refiere a la brecha que le falta a un robot o a un diseño computarizado de apariencia humana para inspirar familiaridad en un espectador común.

Mientras no supere esa brecha, el personaje en cuestión sólo logra inspirar repulsión. El consenso común es que Los Fantasmas de Scrooge habría sido una película mucho mejor si se hubiese filmado en acción viva, o con un estilo visual abiertamente irreal, más cercano a los personajes de Pixar, por ejemplo. Tendría que llegar el fracaso en taquilla de Marte Necesita Mamás para que Image Movers Digital dejara de apostarle al Performance Capture y ahora se concentre en efectos especiales para películas de acción viva. Pero los aciertos de esta película son mayores, el guión y la dirección de Zemeckis son excelentes, Jim Carrey se luce con creces, y la historia es un éxito probado. Es una película navideña que vale la pena disfrutar en cualquier época del año.

Por Abel

“Las Tres C”

Dentro de la historia del cine podemos encontrarnos con grupos de cineastas que se forman a partir de un muy buen trabajo en conjunto, en una producción en particular, otros formados basándose en las mismas ideologías, y algunos en los que los miembros comparten visiones y producciones que transforman la narrativa de un género en particular, este es el caso del grupo de “las tres C” conformado por David Cronenberg, John Carpenter y Wes Craven, siendo los tres directores reconocidos por la producción de slashers en la década de los 80’s, otorgándole al género del terror un nuevo subgénero con una narrativa que combina asesinos de masas, deformaciones y malformaciones, villanos icónicos, y una violencia explícita que ha ganado un gran número de seguidores alrededor del Mundo. 

 

David Cronenberg nació el 15 de Marzo de 1943, en Ontario Canadá, es uno de los principales exponentes del denominado “horror corporal”, inaugura el concepto de “nueva carne” que ejemplifica como el desvanecimiento entre lo mecánico y lo orgánico.

Inicialmente buscaba experimentar en producciones que confabularan tanto el género de terror como el de ciencia ficción, en las producciones de David podemos encontrar criaturas con malformaciones y un horror muy dirigido hacia los experimentos inicialmente con un punto de vista social y después desarrollando el de una vida interior.

En la primera etapa de su cine de terror se definen científicos que modificaban cuerpos humanos, por ejemplo Shivers o Rabia luego el caos causado por el científico aterriza en una índole personal The Brood Scanners Videodrome Finalmente el científico es alterado por su propio experimento The Fly, Dead Ringers.

De esta forma podemos darnos cuenta fácilmente como el terror y el suspenso de sus producciones van de afectar a una sociedad en un principio y a centrarse en un solo personaje al final.

Luego de esta etapa Cronenberg se ha abierto al trabajo en otros géneros, incluso estuvo trabajando durante un año en una versión de Total Recall, pero diferencias creativas con los productores causaron que desistiera del proyecto.

Cronenberg ha mencionado en repetidas ocasiones que sus películas deben de ser vistas “desde el punto de vista de la enfermedad”, la enfermedad y el desastre son mejores problemas con que lidiar que los agentes de transformación personal según el trabajo de Cronenberg. 

En el 2005 David estrenó Una historia Violenta con Viggo Mortensen, María Bello y Ed Harris, una de sus películas más aclamadas, que aunque no se encuentra dentro del género de terror si muestra un alto grado de violencia que fue bien aceptado por los críticos. 

 

John Carpenter nació el 16 de Enero de 1948 en Nueva York, a los 14 años ya había dirigido 4 cortometrajes en 8 mm, a los 15 años formó su productora Emerald, con la que rodó Warrior and the Demon y Gorgon, the Space Monster.

Aunque su padre deseaba que John siguiera sus pasos dentro de la música vio con buenos ojos el talento de su hijo para el séptimo arte luego de ganar un Óscar a sus 22 años con el cortometraje La Resurrección de Bronco Billy de 1970.

Luego de trabajar en varios proyectos en 1978 estrena Halloween, película que lo lanzó a la fama y le gano el respeto de los críticos dentro del género, John dejó claro que su estilo incluía bajo presupuestos y escasos efectos especiales, así como una iluminación minimalista, cámaras estáticas, música sintetizada y generalmente creada en base al piano y ruidos de atmósfera.

Luego de su producción Fantasmas de Marte del 2001 John estaría nueve años sin dirigir nada hasta que en el 2010 presenta The Ward en la que una joven interna en un psiquiátrico comienza a ver el espíritu de otra chica.

El trabajo de John Carpenter se caracteriza por presentar ambientes oscuros y desarrollar las películas bajo escenarios de incertidumbre y soledad, exponiendo a sus personajes al enfrentamiento directo de sus miedos en cara de criaturas extrañas.

“La noche de Halloween nunca había sido tema de una película de terror, mi idea era hacer una película al estilo de las viejas casas de terror”, la música del filme está inspirada tanto en Suspiria de Dario Argento como en El exorcista de William Friedkin. La película costó $320, 000 y ganó inicialmente 65 millones convirtiéndola en uno de los filmes independientes más exitosos de todos los tiempos.

La película ha sido mencionada en repetidas ocasiones como una alegoría entre la virtud del sexo puro y el peligro del sexo casual. John ha mencionado que esta no era su intención, sino que simplemente hizo una película que a él le hubiera gustado ver cuando era adolescente, con elementos clásicos de una casa de terror, como peligros al final del pasillo o cosas brincando justo al término de las escaleras. 

Wesley Earl Craven nació el 2 de Agosto de 1939 en Cleveland, Ohio, Estados Unidos, Craven obtuvo una licenciatura en Inglés y Psicología en la Universidad de Wheaton en Illinois y una maestría en filosofía y escritura en la Universidad Johns Hopkins, con un cine muy característico Wes presenta ideas con exploraciones dentro de la realidad, lo que acerca de manera inmediata el espectador a un terror ligado de alguna forma a la cotidianidad.

Mucho del terror presentado en las películas de Craven se basa en el miedo psicológico que impone a sus personajes por ejemplo a través de leyendas o anécdotas que brincan de persona a persona, una vez impuesto el tema presenta a él origen del miedo muchas veces con forma de un asesino, elemento indispensable del slasher.

Aunque su última franquicia (Scream) es un intento por reinventar al subgénero Craven cayó en el error de exagerar los elementos hasta convertirla en una serie que raya en lo ridículo, sin embargo extrapoló mensajes y situaciones que abrieron los ojos de muchos directores y frunció el ceño de muchos productores dedicados al género para evitar que se perdiera o se estereotipara en la malas producciones que en ese momento se estaban produciendo.

Hay que destacar que una de las producciones más importantes de este director, Pesadilla en la calle del infierno de 1984, es uno de los principales estandartes del slasher y aunque la franquicia decayó en las secuelas, donde cada una es peor a la anterior, solo las dos primeras definen la idea original del director (según sus propias palabras) siendo ambas de su autoría.

En repetidas ocasiones se ha mostrado interesado por terminar su trilogía presentando una tercera parte que funcione de mejor forma con la idea original que presentó a principios de los 80’s.

Dentro de las producciones de estos tres creadores podemos encontrar varios elementos icónicos que se han convertido en clásicos de este subgénero en gran parte gracias a la narrativa implementada en sus películas.

Por Daniel

No le temas a la oscuridad

Una película más presentada bajo el nombre de Guillermo del Toro con la particularidad de que en esta ocasión él iba a dirigir el proyecto en persona, pero tuvo que dejarlo de lado para involucrarse de lleno en El Hobbit de Peter Jackson, y así delegó el puesto a Troy Nixey, quedando Guillermo como productor y escritor de la cinta, sin embargo esto no libró al filme del toque oscuro, “insectoide” y “jardinesco” característico del cineasta mexicano.

La película es un remake de un video home (película para la televisión), de 1973 de mismo nombre, que cuenta la historia de Sally Farnham, esposa de un hombre de negocios que es acosada por extrañas criaturas de la noche en su nueva casa victoriana. La versión de Troy Nixey retoma la idea principal y mejora en muchos aspectos una muy buena historia que aparte de ser antigua, en su momento, no había sido explotada de la mejor forma.

El suspenso está muy bien logrado y aunque son pocos los momentos en los que podemos sentir verdadero terror, la tensión si esta manejada hasta un punto climático en la cinta, que nos deja pensando y analizando, y pensando otra vez, que hubiéramos hecho nosotros y que vamos a hacer una vez entrada la noche.

La película tiene pocos errores, los más notorios de actuación, claramente causados por la inexperiencia del director por ser esta su opera prima, sin embargo no es nada que afecte de sobremanera a la historia, que cautiva desde un principio y a pesar de ser de un desarrollo lento cierra de buena forma y con un buen manejo de ritmos.

Al igual que otras producciones de Guillermo, el diseño de arte trabaja de forma fundamental para complementar una historia oscura, desarrollando la mayoría de las escenas en interiores con poca luz o ambientes lúgubres, la película progresa toma a toma hacia un mundo en el subsuelo donde la iluminación es escasa o nula.

Katie Holmes desarrolla un buen trabajo con el papel de Kim, absorbiendo el peso de actor reconocido dentro del filme, y a pesar de que el personaje de primera instancia no refleja mayor conflicto, este va creciendo y desenvolviéndose de buena forma para encontrarse con la protagonista (Bailee Madison en el papel de Sally) en el punto climático de la historia.

La fotografía y la Música son muy buenas, trabajando ambas en un aspecto sombrío, muchas veces con filtros negros u oscuros en la primera y con notas graves y pesadas en la segunda.

Un detalle muy característico del filme es que a diferencia de películas como el Orfanato del 2007 o Splice del 2009, ambas estrenadas bajo la recomendación de Del Toro, en No le Temas a la Oscuridad, si es muy obvia la mano del director detrás del proyecto en cuanto a la creación de atmósferas, la película tiene elementos característicos del director como la presencia de niños en el papel principal de igual forma que en el Laberinto del Fauno del 

2006 o El espinazo del Diablo del 2001, así como el juego o la exploración en laberintos de jardines, o la presencia de “hadas”, y como ya se ha vuelto marca indeleble en las producciones del reconocido director, un puente entre el mundo real y uno de fantasía. 

Por Daniel

Bram Stoker, DRACULA

“El amor nunca muere” 

 

Muchos son los fanáticos de la obra literaria Drácula de Bram Stoker, uno de ellos es el aclamado director Francis Ford Coppola; él desde niño mostró una fascinación por el texto, cuando creció de adolescente trabajo en un campamento para niños y él leía a los infantes está historia una y otra vez por las noches, ya en su vida adulta paso por una etapa difícil, económicamente hablando, decidiendo así hacer un cambio en su carrera profesional realizando así la que es considerada su saga de mayor éxito y culto, El Padrino, pero no podía olvidar lo que Drácula significaba en su vida por eso decide a inicios de los 90’s realizar su adaptación. Francis como fan y como conocedor de cine, sentía que no existía una versión fiel al texto y que la imagen de Drácula ya se había distorsionado demasiado. 

Esta versión de 1992 considero, es una de las películas más románticas de la historia, tomando un personaje conocido y aclamado por generaciones Coppola hizo una cinta donde el romance, el terror, el erotismo, la sangre y Drácula fueran los vehículos para contar una historia de amor verdadero.

Sin contar demasiado la trama, esta película muestra a un hombre que pierde a su esposa, él no puede acompañarla a su otra vida, cegado por el dolor se vuelve contra todos, él es condenado y castigado por Dios, él será temido y cazado ya que necesita la sangre de los hombres para mantenerse vivo. El conde Drácula vive miserable durante 400 años hasta que vuelve a encontrarse con su verdadero amor, pero su tormento será combinar su maldición con el dulce amor de su amada.

Está es una película donde el “vampiro” es más humano, donde vemos su lucha no solo con los hombres sino con sus propios sentimientos y deseos, es un ser al cual no le hace falta mostrar los colmillos para inspirar miedo, es un tema fantástico que bien lo podríamos aterrizar en la realidad, porque cuantos rompen sus relaciones de sangre y se vuelven seres muertos en vida.

Esta creación cinematográfica es una artesanía, Francis Ford Coppola como fan, supo que quería ver en la pantalla grande y sabia la responsabilidad que tenía con el mundo de entregarle un proyecto bien hecho. Antes de iniciar las grabaciones se llevó a todos los actores a su granja donde estuvieron 2 semanas leyendo el texto original, haciéndole correcciones al guión y ensayando, todos estos esfuerzos se vieron reflejados en el cine.

Otro de los grandes aciertos de esta película son los efectos especiales, el director, tiene una fascinación y cariño por las cintas de terror antiguas y es por esa razón que él decide no utilizar efectos especiales computarizados, al ver que todas las personas que contrata se contraponen a esta idea, decide contratar a su hijo quien apoyando a su padre busca y resuelve todos los retos visuales que su padre le encomienda; digno de admirarse es también el vestuario, la película toda se grabó en un enorme set de los estudios MGM, la razón, no se tenía presupuesto y con el poco que se tenía Coppola decidió invertirlo en vestuario, ya que este sería su escenografía y lo demás lo ambientaría con luces y sombras; haciendo un trabajo extraordinario porque en ningún momento sentimos en pantalla la carencia de escenarios o ambientes.

Esta es una película que vale la pena verse por muchas razones, tenemos un conde Drácula diferente, se eliminan los clichés vampíricos, podemos ver grandes estrellas emergentes que ahora son consolidadas, Winona Ryder y Keanu Reeves, sin duda alguna la magnífica interpretación de Gary Oldman como Drácula, quien tuvo que interpretar de 10 formas distintas al conde: viejo, demoniaco, lobo, murciélago, ratas. Niebla, joven, romántico, guerrero, rumano y barbón.

Esta no es la mejor película de terror, es más ni siquiera puedo decir que es la mejor película de Drácula que he visto, sin embargo es una de las mejores películas románticas que he visto, donde la trama se hace de recursos míticos y fantásticos convirtiendo el amor en una verdadera tragedia y una necesidad para uno de los seres más despreciables y temidos que nos ha dado la popular. 

Por Dulce

SCOTT PILGRIM VS THE WORLD

Imaginen tener 22 años y estar sumidos en su mente en la cual día con día, en todo momento y situación, la vida parece un juego de video, por ejemplo enojarte con el oficial de transito y para resolver tu enojo decides aventarle una bola de poder o por ejemplo recibir un duro golpe perdiendo todo tu nivel de energía, pues si eres un gamer probablemente esto te ha pasado, como a nuestro amigo Sott Pilgrim quien en su aventura en el séptimo arte se enfrenta a los ex novios de su enamorada Ramona.

La historia de Scott Pilgrim viene de una adaptación del comic del mismo nombre dibujado en Canadá por Bryan Lee O´Malley, la novela gráfica ha tenido mucho éxito ya que en las tiendas de comics es una constante buscarla y que se encuentre agotada. Al igual que el comic, la película mantiene esa línea de comedia, romance y mucha acción, Pilgrim es bajista de la banda Sex Bom Omb la cual esta buscando ser campeones en un concurso de talentos de Toronto, su propio autor lo describe como un muchacho flojo, le gustan los video juegos y es muy enamoradizo.

La trama habla sobre la nueva chica de la ciudad Ramona quien conquista el corazón de Scott, pero hay un problema para poder ganarse el cariño de la chica de cabello morado necesita derrotar a los siete malvados ex novios los cuales son muy diferentes uno de otro hay un Skater, una chica, unos gemelos y el peor de todos Gideon quien por mucho tiempo ha guardo en secreto un experimento que tenía sobre Ramona para que siempre regresara con el no importando con quien estará.

Como si fueran pruebas Scott va resolviendo cada una de las batallas y va demostrándole a los ex que es digno del corazón de la chica, mientras el se clava más y más en pelear por conseguir el amor de Ramona, los miembros de su banda se dan cuenta que Pilgrim cada se aleja de ellos y lo sacan del grupo, pronto nuestro personaje acaba sintiendo que todo lo que ha hecho solamente le ha traído tragedia a su vida y no ve claro que la chica de sus sueños acceda a ser su novia.

La película fue dirigida por Edgard Wright y fue estrenada en el segundo semestre del 2010 en Canadá y Estados Unidos el reparto esta encabezado por Michael Cera como Scott Pilgrim, recordamos a este chico en películas como Juno, Superbad y Nick y Jonas, Ramona es interpretada por Mary Elizabeth Winstead a quien habíamos visto en Duro de Matar 4; estos dos jóvenes actores toman la cinta por completo llevándose como debe ser los aplausos ya que aunque hay un elenco pesado en nombres logran llenarte los ojos haciéndote creer que si son los personajes de la novela gráfica, el reparto presenta a gente como Chris Evans (Capitán América), Kieran Kullin (hermano de Maculay) y muchos actores más que hacen que la cinta sea muy creíble y entretenida a pesar de ser un mundo de fantasía en el que vive Scott Pilgrim.

Ahora vamos a hablar de todo lo positivo que tiene Scott Pilgrim Vs The World, lo que más me gusta es la música de ahí que decidí darle el espacio de este escrito, la elección de temas incluye artistas como Beck, Metric quienes hacen la rola “Black Sheep” que se utilizo para promocionar la cinta, Frank Black, The Rolling Stones y los Black Lips, todas las rolas salen en la película, incluso el soundtrack fue muy vendido en nuestro país.

Otro punto que fuerte de la película es la edición simplemente fenomenal; el año pasado cuando me preguntaron sobre mejor edición para los Oscares siempre dije que Scott Pilgrim tenía que estar nominada, en pocas palabras te vuela la cabeza sin esta edición no sentiríamos que estamos viendo un comic en la pantalla grande, tiene animación, la música entra perfecto, la iluminación en fin la cinta es una obra maestra en ese aspecto.

¿Por qué a Scott Pilgrim no le fue bien en el cine en México? Hace unos meses trataba el tema de Sucker Punch en donde les decía que nuestro país disque es fan de la ciencia ficción pero cuando llega algo que no es Marvel o Star Wars simplemente no le gusta a la gente, es desafortunado que tengan que encontrarse estas cintas solo un fin de semana en cartelera y que fracasen o que se traigan mucho tiempo después y es que como les decía con Sucker son cintas que están hechas para pensarle más, para poder ir a disfrutar de una peli inteligente basada en un comic y que no sea de puros balazos y guamazos.

Scott Pilgrim Vs The World fue traída a México con el nefasto titulo de Scott Pilgrim Vs los Ex novios de mi novia, como siempre sabemos de que se va a tratar antes de verla por que las distribuidoras nos tratan como bobos al tener que traducir el nombre mal.

Como pueden ver no es una película que te cambia la vida, no va a estar premiada pero si los invito a verla por que es una cinta que te da mucho, grandes actuaciones, muy buena música e insisto lo mejor es la edición si estás estudiando comunicación, cine, etc. Tienes que verla para ver como se edita una película de ciencia ficción.

Por Tello

Don Gato y su Pandilla

¡Sufro, sufro, sufro!

 

Don Gato y su pandilla es un caso interesante en el mundo de los dibujos animados. Una serie norteamericana que pasó sin pena ni gloria en su país natal y se convirtió en una de las series más queridas y populares en el nuestro. Con 24 capítulos, los simpáticos gatitos han entretenido a quien sabe cuantas generaciones de niños y adultos mexicanos. Es una de esas raras caricaturas que pueden ponerse a ver un padre y un hijo y reír ambos por igual.  Muchos dicen que el tipo de humor urbano de barrio bajo y la personalidad descarada pero noble de Don Gato es lo que hizo conexión con el humor nacional, junto con el genial doblaje que acabó por mexicanizar la serie de lleno.

Desde ese punto de vista, Don Gato comparte, como invitado especial, una larga tradición humorística con Tin Tan, Cantinflas, Clavillazo, Resortes, y hasta Ponchito y Doña Margara, por citar ejemplos más recientes. Con esto en mente, no es raro que en Warnes Brothers, Don Gato estuviera en el Archivo Muerto cuando en Ánima Estudios tuvo la iniciativa de producir un largometraje con la franquicia.

El resultado fue una película animada que se estreno en septiembre de 2011 y que rompió records de taquilla el día de su estreno. No es para menos, ¿quién no quiere volver a ver a Don Gato? Es como si Kathy la oruga reviviera su carrera en una película de Pixar. Bueno, estoy exagerando, más bien fue como cuando el Chavo del Ocho fue refriteado en una serie de dibujos animados. Eran los mismos chistes de siempre, pero la gente nunca se cansa de ver al Chavo. Igual con Don Gato.

Con esa ilusión de aficionado fui muy contento a ver la película y salí decepcionado. La película no es mala. Tampoco es buena. Tristemente, no logra ir más allá de lo mediocre.

Primero los aciertos. El mayor acierto es que respetaron por completo la personalidad de Don Gato. Es tal y como lo recordamos. El clásico tramposo encantador que nos hizo reír tantos años está de vuelta y no cambió nada. Otro acierto es que el trabajo de animación de los estudios Ánima  ha mejorado considerablemente, al grado que esta película se ve fluida y limpia, y los personajes no cambian horriblemente de forma como en películas anteriores. 

Y aquí es donde empieza la letanía de quejidos. Pues por muy Don Gato que sea, esta película sigue siendo una producción de Ánima, y como todas las películas de Ánima, su punto débil sigue siendo el guión. Es una historia que no tiene nada que ver con el universo de Don Gato. De hecho, es una historia genérica de esas que se pueden adaptar a cualquier película dominguera sin muchas aspiraciones. ¿Robots gigantes? ¿Un villano malévolo pero torpe? ¿Personajes planos y sin profundidad? ¿Qué rayos estoy viendo: Don Gato y Su Pandilla o la secuela del Super Agente 00-P2? Hasta pudieron haber metido en esta aventura al Chavo del Ocho y no hubiera cambiado nada.

Don Gato se desenvolvía en un ambiente 100% realista y urbano. Su característica era que podía involucrar problemas como la delincuencia y el abandono infantil en una sencilla trama de humor blanco para niños. En la película decidieron irse por el camino fácil y llenar la historia de elementos baratos de ciencia ficción chafa y chistes tontos. Después de todo, los niños se ríen de cualquier cosa, ¿no?. Hablando de tontos, el villano es un personaje nuevo llamado Lucas Buenrostro y es en el que llevaron su política de tontería barata al extremo. Es un personaje sin profundidad, sin carisma y sin atractivo de ninguna clase. Es notable que un villano de la serie original, el Gran Gus, hace un cameo en la película y resulta mejor desarrollado y con una personalidad mucho más interesante que Buenrostro.

Éste último solo se limita a sobreactuar, contar el mismo chiste una y otra y otra y otra y otra y otra vez, (¡Se la pasa diciendo que es bien guapo y en realidad es horrible! ¿no es jocosísimo? Jajajajaja) y básicamente a servir como una colección de clichés mal combinados. Otra vez, es un villano genérico típico de las películas de Ánima, pero que nada tiene que ver con Don Gato. Y el peor crimen es que recibe una insana atención y cantidad de tiempo en pantalla mucho mayor que los personajes principales.

Otro problema: La pandilla no tiene nada que hacer en la película. Don Gato vive mil aventuras y Benito, Cucho, Panza, Demóstenes y Espanto literalmente se quedan esperando a que Don Gato termine de vivir sus aventuras. En lugar de darles un papel activo o ahondar en sus vivencias personales, no los sacaron de su papel de comparsas y por lo tanto, están nada más que de adorno. Todavía el Oficial Matute se desenvuelve más. Es otro personaje bien respetado y que también aporta los mejores momentos de la película. Los mejores chistes vienen de Demostenes. Lo cual tiene sentido ya que el humor de esta película es muy tonto. Ni siquiera es tonto fársico como en Rescatando al Soldado Pérez, sino que es planamente tonto. Tiene sentido que Demostenes se comporte así, pero que Benito y compañía también se comporten como tontos es ya un error garrafal.

Entiendo por que a la gente le encanta la película y la defiende tanto. Está llena de guiños y referencias a la serie original. Muchos de los personajes que recordamos están ahí: Arabela, Laslo Losla, el Gran Gus,  el marajá de Pocajú, hasta Mimosa llega a aparecerse por ahí. Lo malo es que en general no están integrados a la historia y solo aparecen como detallitos para activar el sentimiento nostálgico en los fans. Y por lo visto, funcionó de maravilla. Don Gato y su Pandilla le va a encantar a los nostálgicos por el show, que después de haberse olvidado de todos los elementos nuevos, seguirán recordando con gusto como los elementos viejos reaparecieron en la pantalla grande. 

Sé que pudo ser peor. Si hubiese sido producida en EEUU, estoy seguro de que habría estado llena de chistes vulgares, dobles sentidos, canciones de pop y cameos de Lady Gaga y algún rapero de moda. Tristemente, así como las películas norteamericanas se están ganando esa mala reputación, en el cine animado en México no hemos superado la etapa del humor bobo. Así como se creía en los años veinte que al público bastaba mostrarle animalitos chistosos para hacerlo reír, aquí parece que la consigna es hacer las historias de lo más simplonas, tontas y planas.

Creo que ya estuvo suave. Don Gato merece algo mucho mejor que esto. El público mexicano merece algo mucho mejor que esto. ¡Es hora de ver más allá!, aunque para eso tengamos que trabajar o algo peor, mis canchanchanes.

Por Abel