lunes, 19 de diciembre de 2011

Werewolf Top 10 Échale Cácaro


Werewolf

El origen de la leyenda de los hombres lobo data de miles de años, desde que el mismo Zeus castigó a Lycaon, rey de Arcadia convirtiéndolo en lobo. Durante los años mas oscuros de la edad media, el hombre lobo se convirtió en símbolo del diablo, satanizando a  los lobos, convirtiéndolos en un símbolo de maldad, los lobos, asesinos de Lucifer.

Soy fan del genero de terror y me declaro culpable de ser fan from hell del mejor de los monstruos clásicos del cine, el hombre lobo, es por eso que este mes, en un especial de terror voy a dedicárselo por completo a esta bestia que es símbolo de la maldad, del cambio y de la culpa y es en este honor que aquí les dejo mi top ten de hombres-lobo.
 
10- Bad Moon 1996: hablar de películas de hombres lobo difícilmente es hablar de una buena película, por que en realidad y por lo general se centran en espantar al espectador con súbitos sobresaltos en pantalla, casi nunca hay buenas actuaciones o peor, ni siquiera se preocupan por hacer una buena historia, Bad Moon o como se llamó en México Luna Maldita, es el perfecto ejemplo de eso, las actuaciones son dignas de una película clase B (que lo es), los efecto digitales están hechos casi, casi en power point, la trama es tan ridícula que la película muy bien pudo llamarse Scooby Doo contra el hombre lobo, pero la razón por la que amerita estar en esta lista, es por el Monstruo, simplemente no tiene madre, así es lo dije y lo escribí, no tiene madre.

Una característica que se ha perdido en el cine con la aparición de los efectos digitales (los que son generados por computadora) es que en pocas producciones todavía se dedican a realizar disfraces, en este caso la bestia esta hecha al mas puro estilo clásico este hombre lobo es un monstruo en toda la extensión de la palabra y si por algo vale la pena ver este filme es por eso, es todo lo que se puede esperar de una historia de terror digno de un maratón de halloween.


 

9- Dog Soldiers 2002: volviendo a la tradición que dicta que las películas de hombre lobo deben tener actuaciones y diálogos falsos Luna Llena como se llamo en nuestra tierra, cumple por completo el protocolo de no esforzarse en mas que hacer un ejercicio universitario.

Pero por si sola, esta película ha destacado en todo el mundo y no solo entre los fanáticos de este subgénero, al ser una mezcla de acción con terror; Dog Soldiers te atrapa desde que comienza hasta que termina, es una película realmente emocionante, con soldados, dos horas de balazos y hombres lobo (y por mas ridículo que crean que suena esto, la verdad es que les quedo bien chido), pero no solo se queda ahí; al final te deja ir el mejor de los chascarrillos que de verdad deja una sonrisota en la boca.


8- Cursed 2005: Wes Craven el palomerisimo director de películas como “Pesadilla en la calle del infierno” y “Scream” regresa con su muy poco destacada propuesta de hombres lobo, o mas bien adolescentes lobo, esta película es  uno mas de los intentos de Hoollywood por hacer un filme que solo sea aceptado entre el público adolescente, con una trama que muy bien pudo ser un capitulo de Beverly Hills 90210, una vez mas se repite la tradición lupina, pésima trama, pésimas actuaciones (y eso que sale Christina Ricci) peores diálogos, estereotipos tontos por todos lados, formulas choteadísimas y un final absurdo que raya en lo estúpido.

Pero a pesar de todo, lo malo que arrastra Wes Craven en este, y en varios de sus filmes, siempre tiende a destacar en una escena o una toma o algo que lo hacen valer la pena, y esta película tiene una de las mejores escenas de suspenso con un monstruo, que mezcla el manejo clásico de un disfraz con una muy buena animación por computadora y convierten esos 10 minutos de película en una secuencia muy creíble del ataque de un hombre lobo.





7- Ginger Snap 2000-2004: Esta es la única saga que contemplo en esta lista, así que es tres por uno. Un par de hermanas repiten la historia una y otra vez pero con diferentes finales y tengo que admitir cada uno mejor que el anterior; un tanto y cuanto como Caín y Abel, pero adaptada a un par de chicas adolescentes; resulta que estas niñas son atormentadas por un asesino que se convirtió permanente en un monstruoso lobo infernal, así que las podemos ver huyendo de la bestia tanto de día como de noche.

La historia es relativamente buena, las actuaciones, no son tan exageradas como las que nos acostumbran los adolescentes estadounidenses (tal vez sea por que esta producción es canadiense), sin embargo aún que la serie no aporta mucho al tema ni al genero, si nos presenta algo que ameritó su aparición en esta lista. Una vez mas el lobo.

Bestial, destructivo, verdaderamente monstruoso y real que es lo más importante, no abusaron de efectos digitales y se preocuparon por crear un disfraz mitad animatronic, lo que le da mucha presencia en pantalla, además de que en la tercera película “Ginger Snap Back to Begining” podemos ver a toda una jauría de hombres lobo atacando un fuerte en plena época colonial norte americana.

 
6- The Howling 1981: Está tal vez es la película de hombres lobo con mas fans en todo el mundo, la historia era muy buena en el papel, pero honestamente la echaron a perder ante las cámaras, simplemente no supieron como hacerla, y si no me creen pónganle atención, la historia es de un asesino en serie de día y un hombre lobo de noche, tenia mucha fibra de donde cortar, pero prefirieron arruinarla pasándonos la historia desde el punto de vista de una de sus victimas, que se decide a ir a un aburrido retiro en el bosque, con el fin de superar sus traumas, logrando sin embargo que su esposo le ponga el cuerno con una mujer loba y para no volverse a encontrar con el asesino si no hasta el final de la película; y mientras todo aburrido.

Sin embargo lo que en realidad es excelso de esta película, es la transformación del monstruo a la bestia, el asesino al lobo, simplemente es una de las escenas mas espeluznantes de la historia del cine de terror, es tan buena que nunca han lograrlo igualarla ni si quiera se han acercado y eso tomando en cuenta todos los recursos digitales que ahora existen, es sin duda la mejor puesta en pantalla en la que un hombre se deforma para convertirse en un monumental monstruo y nada mas por eso se convirtió en un filme de culto.


 
5- The Wolfman 1941: Pero por fin entramos con las películas de hombres lobo, con más contenido que bestia, mejores actuaciones e historias que si valen la pena ser vistas completas, en 1941 Lone Chaney Jr. Encarno al lobo que lo inicio todo, aún que no es la primera vez que aparece en pantalla un hombre lobo, si es en esta ocasión el momento en el que este monstruo se convirtió en un clásico del cine.

La historia es muy buena, muy sencilla y sin pretensiones; el conflicto del bien contra el mal en el corazón de un hombre, la clásica escena de la bestia persiguiendo a la damisela en peligro y la horda de furiosos aldeanos surgió aquí, con un final digno de la época de oro del cine, esta película simplemente es de lo mejor que se ha hecho sobre el genero de terror y es indiscutiblemente obligada para cualquiera que se diga fan del mismo.


4- Werewolf 1987: mas ochentero no se puede, esta no es una película de hombres lobo, es una serie de televisión, que era muy prometedora pero fue perdiendo carisma y fuerza conforme cada capítulo iba agotando los pretextos de ver un increíble disfraz de halloween en pantalla; tristemente de toda la lista esta es la imposible de conseguir, ya que después de ser cancelada, cuando los escritores propusieron un crossover de Hulk conoce al Hombre Lobo, pues la idea de lo ridículo que seria esto; arruino la esperanza de ver la segunda temporada y no solo ahí acaban los problemas en el 2009 se lanzo la única temporada completa en DVD, pero solo duro en las tiendas unos pocos días ya que problemas con los derechos de autor la quitaron de los exhibidores, tristemente tal vez para siempre.

Así que por esa razón, en esta única ocasión si les voy a contar la trama; Erick, un joven llega a visitar a su amigo en los Ángeles, quien le ha pedido que vaya a verlo con urgencia, al llegar a su departamento se encuentra con que esta sumido en una profunda depresión y sentado sin esperanzas de vivir tiene un arma en sus manos preparado a quitarse la vida, le pide de favor a Erick que lo mate, ya que él no tiene la fuerza para hacerlo, Erick se niega tras escuchar la increíble historia que su amigo le cuenta, declarándose así mismo el asesino en serie que ha mutilado a un sin numero de personas en la ciudad, convertido en lobo.

Claramente Erick no le cree pero decide acompañar a su amigo hasta la media noche para demostrarle que todo esta en su mente, el tiempo pasa en una muy lúgubre y oscura atmósfera, al dar las 12 de la noche Erick se regocija al ver que tenia razón, pero poco después su amigo comienza a cambiar frente a sus ojos. Erick toma rápidamente el arma con balas de plata, pero la bestia ya se ha hecho presente atacándolo en una feroz lucha; cuando finalmente logra alcanzar el arma, mal herido Erick le dispara a su amigo, convirtiéndose ante los ojos de los vecinos y la policía en un asesino, que ahora vivirá maldito con el estigma del hombre lobo.

Así es, eso solo pasa en el primer capítulo, con una escena realmente memorable, por lo menos para los que tuvimos chance de verla, pero la historia se ponía mas interesante ya que Erick debe darle la espalda a todos sus seres queridos y huir de la ley quien lo considera el asesino en serie que aterroriza California y por si fuera poco Erick se entera que existe otro hombre lobo, el verdadero culpable de haber convertido a su amigo en bestia y que es el que ha causado muertes y dolor por todos lados donde pasa, es así como se decide a cazar y destruir al monstruo que lo ocasiono todo.

La serie se desenvolvía alrededor de esa premisa, la cruzada de Erick el lobo “bueno” que debe matar al lobo malo, para por fin acabar con su vida y con la maldición del hombre lobo.


 
3- The Wolfman 2010: tal vez esta es de todas las película que se han hecho en la historia es la que cuenta con las mejores actuaciones, nada mas y nada menos el mismísimo Hannibal Lecter convertido en lobo, Anthony Hopkins y Benicio del Toro, llevan el peso de una de las mejores y más esperadas películas de hombres lobo, todos los fans del subgénero la esperábamos como niños en la mañana de navidad, verla en el cine, fue simplemente espectacular, a cada momento que pasaba se convertía en una de las mejores películas de terror de todos los tiempos, con muy buena historia, que representa un claro tributo a la original de 1941.

“Pero; ¿Que paso?, no entiendo”, de un momento a otro y súbitamente se convirtió en basura, no, no puedo creerlo ¿en que momento el climax de The Wolfman, paso a ser el climax de Vanhelsing?”, tristemente eso la tiró para siempre, creo que los productores se emocionaron de mas con la cúspide y quisieron saltar desde la cima de la montaña, tropezando y cayendo torpemente en un oscuro abismo, sin embargo antes de que ese momento llegue en el filme la película es simplemente la mejor, ¿pero que es ser el mejor sin un gran final?, esa fue la decepción que no permitió a esta película estar en el número uno de esta lista y nos deja como recordatorio, que no por ser una super-producción con excelentes actores y muy buena historia logras alcanzar la meta, siempre puede llegar el abuso de los efectos digitales y echarlo todo a perder.

 
2- Silver Bullet 1985: el número 2 en esta lista, la película, es casi una obra maestra, está realizada sin pretensiones, por el simple gustó de hacer cine; adaptada de una novela de Stephen King, claramente cuando alguien de la talla de King se preocupa por la historia más que por los momentos de terror, logra presentarnos una historia noble del inicio al final.

Claramente la película es el perfecto ejemplo de una película juvenil ochentera, la trama la llevan todo el tiempo un par de hermanos adolescentes; ella es una chica soñadora que tiene como estigma el hecho de que debe cuidar de por vida a su hermano menor destinado a usar una silla de ruedas; él es un joven impetuoso que a pesar de todas sus deficiencias motrices, busca constantemente vivir aventuras y ponerse en situaciones realmente peligrosas; si a toda esta fórmula le agregamos un hombre lobo, bueno, realmente es un excelente resultado.

Este filme tiene una escena en particular, donde toda la vulnerabilidad de una persona en silla de ruedas, se representar en un instante, el mensaje que envuelve, no solo el filme si no esa sola escena, que es en lo personal uno mis momentos de terror favorito, es muy memorable e importante, el hecho que hagan ponerte en los zapatos, o en este caso en las ruedas de una persona con una discapacidad como esa es creo yo uno de los mejores aciertos del filme.


1-An American werewolf in London 1981: Ganadora de un Oscar por mejor maquillaje, rankeada dentro del top ten de las mejores películas de horror de toda la historia y con una de las mejores escenas de terror que he visto en mi vida; creo que esta es la que maneja con mucha sencillez lo que este mítico monstruo representa, tanto para el mundo del cine como para nuestra cultura.

Una persona pura de corazón, corrompida por una maldición, destinándola a destruir todo y a todos los que ha amado; esto es básicamente la historia y la manera en que se desenvuelve llevan al espectador por un camino que corrompe todo; la película tiene tantos aciertos que revolucionó la forma de hacer cine de terror en este subgénero de monstruos.
 
Para empezar la bestia, no solo es un disfraz, si no que contemplaron el comportamiento de un animal rabioso, persiguiendo a su desafortunada presa, Rick Backer (creador del lobo) personifica al monstruo, ingeniándose con diversos métodos la manera de convertir a este monstruo en algo real, al grado que adapto todas sus expresiones corporales de agresividad, para incorporarlas en las expresiones del lobo; cuando Rick fruncía el seño, también lo hacia el lobo; esta fue la primer película en la que el hombre lobo es cuadrúpedo y no bípedo, logrando con esto un efecto mas salvaje.

Pero no solo ahí radica el cuidado que le prestaron a los detalles, la trama, aun que muy sencilla, esta pensada para que los actores la desarrollaran con naturalidad, es decir, ¿Que pasaría si mañana, que te vas de viaje de mochilazo, te ataca un lobo, mata a tu mejor amigo y en el proceso te convierte en victima de una ancestral maldición?; bueno, así de fantástico como suena, la película lo plasma de manera creíble y real.

La fascinación por esta bestia, radica en la oscuridad que llevamos dentro, creo que todos muy dentro de nosotros, tenemos un lado oscuro, maligno, que quiere salir en incontables ocasiones, o que queremos dejar libre para que desahogue nuestra frustración, y abrazamos con cierto cariño constantemente ese concepto, tal vez en un rincón de nuestro ser, la maldad vive y esta presente para mantener el equilibrio; por que después de todo, como puede existir el bien sin el mal.
 
“A través de la niebla del nuevo día corro, a través de la niebla del nuevo día he venido, cazo, por eso existo, la cosecha de la tierra tomando al cordero caído…
… nariz al viento, he estado sintiendo; todos mis sentidos listos, para regresar a lo que tiene esencia de hombre y de lobo.”
Metallica

Por CésaR

Frankenstein de Mary Shelley


El incomprendido monstruo, en su incomprendida película


Apabullada, mal recibida, con bajos ingresos en taquilla, destrozada por la crítica, como una horda de coléricos aldeanos persiguiendo al clásico monstruo de las paginas del libro de Mary Shelley; Frankenstein.

Si, es cierto que no esta tan apegado al libro como se suponía que debía estar, si, es cierto que trataron de explotar la fama de la resiente versión de Drácula dirigida por Coppola, Si, es cierto que se copio la atmósfera creada para el rey de los vampiros y si, es cierto que gran parte de los momentos icónicos, clásicos que aparecen en el filme de 1931 no salen en la pantalla en ningún momento y tal vez es ahí donde la crítica castigo mas a Kenneth Branagh (director) por “no haber prestado atención a los detalles”, por que después de todo, tal vez los nostálgicos querían volver a escuchar el grito de“its alive, alive” después que la criatura es despertada en la cima del castillo tras una tormenta eléctrica.

Pero saltándonos todos estos aspectos que los exigentes ávidos de sed por la sangre de Branagh en su momento, quiero retomar la película con un ojo menos incisivo, viéndola como si no existiera un antecedente clásico del cine de oro de monstruos, y criticándola de una manera mas objetiva y enfocándome únicamente en el filme, sin tener la ociosa necesidad de compararla.

Kenneth tiene un largo camino como director donde nos presenta siempre su propia propuesta sobre adaptaciones de filmes, libros, comics. Refiriendome con esto a películas como Hamlet de 1996 y mas recientemente Thor del 2011, pero ¿Por qué si estos dos últimos ejemplos han sido tan bien recibidos, tanto por la crítica como por la audiencia, siendo ambas totalmente diferentes y contrarias; Frankeinstein fue destrozada en su momento?

Creo que la razón de esto es por partir de un punto comparativo, y tal vez el error de Branagh fue llamar a su película Frankenstein de Mary Shelly, tal vez con eso aprendió su lección y a su versión del clásico de Shakespeare le llamo Hamlet de Kenneth Branagh.

Pero en realidad la película es muy buena, por si sola nos presenta un contrario absoluto, por un lado tenemos al frenético Doctor Frankeinstein que obsesionado por detener la inevitable muerte de sus seres queridos, se propone a crear un método de volverlos a la vida; y por el otro lado tenemos al mal llamado monstruo, un zombie sin nombre que regresa a la vida después de que el obsesionado científico logra completar su experimento. Interpretado magistralmente por Robert De Niro, el “monstruo” en esta versión, es presentado de manera mas humana, el filme nos deja ver la razón por la cual este ser se corrompe al punto de convertirse en un incomprendido, en un villano.

Uno de los grandes aciertos del filme es ahondar en todos estos aspectos y mostrarnos más íntimamente la esencia del ser en los dos lados opuestos, por un lado el “bien” representado en el Dr. Frankeinstein el cual provoca a consecuencia de sus errores la existencia del “mal” el incomprendido monstruo que trastorna sus objetivos al encontrarse una y otra vez con puertas cerradas y desprecio en todos lados, lo que genera en la salida mas fácil, encaminarse por el sendero de la destrucción; después de todo, si todos te odian, ódialos a todos, ¿no?

Afortunadamente el filme no se queda ahí, y nos muestra la consecuencia del existir de estos dos absolutos, que con sus acciones dan vida el uno al otro, y hacen mas grande el fuego que daña a todos los que viven cerca de ellos, convirtiendo el amor, la amistad, la familia en victimas de su guerra.

Y aún así Branagh fue mas lejos y nos muestra que hay mas allá, cuando la guerra llega a su fin y ya no tienes nada en la manos, mas que las cenizas de los sueños de los que antes querías.

Tal vez todo esto fue pasado por alto cuando la crítica, destrozó la película en 1994, pero en realidad no se le puede pedir mas, reinventa totalmente el concepto de la historia de Frankeinstein, profundiza en la mente del ser y nos muestra las consecuencias de las acciones por mas puras que estas parezcan y aún que si es cierto que no se apega ni al filme original, ni al libro (que si es mas profundo y mas trágico) el concepto es bueno en muchos aspectos, tal vez el único error de su director fue no llamar a su versión Frankeinsten de Kenneth Branagh.

¿Alguna vez considerar las consecuencias de sus acciones? Tú me hiciste, y me dejaste morir. ¿Quién soy yo?

 Por CésaR

Ghost Busters


"We came. We saw. We kicked its ass."
“venimos, vimos y los mandamos al Diablo”
 
Retomando la idea de los buenos guiones este mes decidí escribir sobre una película que no solamente marcó a una generación (como se ha vuelto característica indeleble de las producciones en esta sección), sino que incluso trascendió durante años al grado que la gente continúa pidiendo más hoy en día.

Los Caza Fantasmas es una película de ciencia ficción con mucho drama, mucha comedia y uno que otro susto, un grupo de científicos sin renombre se juntan con la idea de poder atrapar espíritus chocarreros del más allá, que molestan a los habitantes de la gran manzana, sin embargo no todos están felices con su repentino éxito y de una u otra forma buscan clausurarlos con pretextos ingeniosamente sacados de la manga. Mientras tanto los caza fantasmas descubren que el edificio donde vive su más reciente clienta es un portal bidimensional para traer a Gozer el demonio a este mundo.

¿Pero que hace que la película se haya convertido en un clásico de inmediato?, para que una película trascienda de esta forma es necesario que varias cosas se con junten, como una buena historia, con un buen mensaje, buenas actuaciones y buena dirección (para que se entiendan las buenas actuaciones) y principalmente, y como ya lo hemos mencionado varias veces, un buen guión.

La calidad de los diálogos, precisos y concisos, insertados en el momento exacto forman la base de la comedia de esta película además de estar dichos con la intención y expresión exacta, la película es un interesante experimento en el que conjugan la comedia (como ya mencione a través de los diálogos) con los fuegos pirotécnicos y las innovadoras técnicas de filmación características del cine de ciencia ficción que lograron construir un entrañable gigante de malvavisco que incluso hoy no se ve, ni se siente falso. Al mismo tiempo que formulaban la historia en un ambiente espectral y lúgubre como lo es el de los fantasmas, y así de rebuscado como suena, así de bien logrado está realizada esta producción.

La innovación en cuanto a efectos es constante a lo largo de toda la película presentando secuencias de acción muy bien logradas tomando en cuenta que a la implementación de la computadora como herramienta en esa época era nula.

Dan Aykroyd (actor que interpreta al Dr. Raymond Stantz) fue quien trajo la idea y escribió el guión de esta película, en el que originalmente el grupo de caza fantasmas vestidos muy al estilo de SWAT viajaban a través del tiempo y el espacio para capturar fantasmas, Aykroyd le presentó su trabajo al productor y director Ivan Reitman a quien le gustó la idea base, pero de inmediato se dio cuenta que lo que Aykroyd planteaba estaba muy lejos de las limitantes en cuanto a efectos de la época.

En el reparto original se buscaba incluir a John Candy amigo de Aykrod en el papel de Louis Tully, sin embargo la repentina muerte del actor antes de que se iniciara la filmación dejo el papel en manos de Rick Moranis.
En el guión original eran cuatro los caza fantasmas desde el inicio de la historia, con el papel de Winston Zeddemore escrito para Eddie Murphy, sin embargo el actor no pudo incorporarse a la producción por estar trabajando en “Beverly Hills Cop”, por lo que el guión fue modificado una vez más para dar entrada a Ernie Hudson a media película para acentuar el poco abasto que los caza fantasmas podían darse con el repentino crecimiento de actividad paranormal en la ciudad.

El instituto de cine americano considera a la película la número 28 entre las 100 mejores películas de comedia de todos los tiempos y en el 2007 estuvo nominada dentro de las 100 mejores películas de todos los tiempos.

A la película le siguió una secuela, que aunque denota los mismos aciertos de comedia implícita en los diálogos demostrada por la primera parte, cae en el error de contar la misma historia, después se producirían dos series animadas para televisión y un video juego el cual logró traer de vuelta las ansias de los cinéfilos por ver de nuevo a sus héroes en acción, por lo que se planea una tercera parte donde los caza fantasmas tomarán el papel de maestros para una nueva generación.

Con esta película podes darnos cuenta fácilmente de los elementos necesarios para construir una película icónica, con base en un muy trabajado y muy bien desarrollado guión se establece una historia atractiva y un desarrollo de personajes que trascienden, cada uno a su manera, complementados por actuaciones acertadas.

Lejos de ser una comedia dominguera Los Cazafantasmas puede considerarse como una más obligada para quien quiera sumergirse en el mundo del cine y aprender las técnicas de una producción de muy alta calidad.

Por Daniel

Rojo Amanecer


Carlitos: -Abue ¿Jugamos a los soldaditos?-
 
El innombrable y no hablo de Don Voldemort sino del filme dramático que cambió la libertad de expresión cinematográfica de un país, una película que rompió el silencio, en la que se desenvuelve la historia de una familia que habitaba el edificio Chihuahua en la Plaza de las tres culturas de Tlatelolco, cuando llega el movimiento estudiantil de 1968 justo el día en que se origina la matanza del 2 de octubre. 

Que filme quien quiera ser visto…

Sabemos que el gobierno mexicano no permitió la difusión de la verdad en esas fechas en especial de ese acontecimiento, los medios de comunicación fueron limitados, pero 21 años después Jorge Fons se atrevió a dirigirla y junto a un selecto grupo de personas entre actores y producción, recrearon la tragedia, personificándola para llevarla a la pantalla grande y demostrarle por fin a la gente, la verdad. Con muy bajo presupuesto, pero con muchas agallas; El tema intocable por años ellos lo destaparon, obviamente tuvo muchos problemas para obtener permiso de filmarla, de proyectarla o reproducirla, pero el cine independiente siempre sabe cómo lograrlo.

Para empezar toda la película se desenvuelve dentro del departamento, una familia de clase media, padre burócrata (Héctor Bonilla), madre ama de casa (María Rojo), abuelo ex-militar jubilado (Jorge Fegan), dos hijos preparatorianos (Demián y Bruno Bichir), la hija de secundaria (Paloma Robles) y el más pequeño Carlitos que estudia en primaria (Ademar Arau); Y como lo marca el hecho histórico es un día normal en la vida de esta familia cuando una serie de sucesos empieza a hacerlo un día extraordinario, trágico y triste. Ésta familia con todos sus personajes representa la sociedad de México en esa época. Reflejo del conflicto generacional que está a punto de estallar afuera de los muros del departamento.

Creo que la película marca los hechos de una forma cruda sin tapujos y evidentemente sin tentarse el corazón, y hay que analizarla con lo excepcional de su carácter, porque recodemos que hablar de la realidad nacional era escaso, como si quisieran desviar del cine los momentos de conflicto nacionales, y es lógico ya que el cine de nuestro país tenía una dependencia gubernamental para poder sobrevivir, he ahí, la gran muralla que se le anteponía a este filme, pero de alguna manera aprovecharon los recursos que tenían para darle vida a la cinta.

La verdad es que siempre me ha costado trabajo ver la película sin soltarme a llorar o sin estresarme, te pone en la orilla del asiento para luego echarte hasta atrás y ahí te mantiene, no hay forma de ver estas escenas sin sentir rabia, coraje y dolencia, mucho menos siendo mexicano porque es un momento que marcó al país trágicamente y me atrevo a decir que al día de hoy no lo olvidamos, ni lo perdonamos. 

Admiro la forma en que la película lo cuenta, pues no se le ha ido ni un detalle al director, los periodistas y fotógrafos que estuvieron ese día presentes que obtuvieron material y lograron sobrevivir se les retiro de sus evidencias, los amenazaron… es que nadie podía decir lo que había ocurrido ahí, 10 días después serían las olimpiadas y había que dejar todo impecable y limpio, ¡claro!, ¿Cómo iba a permitir el gobierno que la gente de afuera (tanto extranjero), se diera cuenta de lo cochino que estaba el país… aún hoy en los medios de investigación no se tiene la información completa del suceso, pero Fons logró obtener y reproducir los hechos, el filme fue vetado, prohibido, cancelado, robado, pero la distribución la lograron, proyectándola entre amigos, pasando copias de mano en mano, en cineclubs. 

Hasta que por fin se estrenó en el cine, causó tal impacto que muchos no querían creer que así  había ocurrido, otros tantos la aplaudieron pues sabían cómo habían sido los acontecimientos, reaccionó al público y es que los hechos siempre estarán presentes la película logró romper barreras y muros, logró destapar las vendas que impedían ver, gracias a esta cinta mucha información sobre el tema salió a la luz, sin embargo aun quedan muchos episodios ocultos y en este sentido Rojo Amanecer ocupa el primer lugar de un filme que se atreve a tocar una herida no cicatrizada. La cinta no pretende ser analítica de causas o consecuencias del movimiento, ni acusar al estado represivo, es simple crónica de la tarde en que se perdió la cordura e hizo que el terror y la muerte tomaran imperio.

Carlitos: - Abue, y ¿porqué hicieron eso los soldados?
Don Roque:- porque les dieron órdenes…
Carlitos:- y los soldados… ¿siempre tienen que cumplir las órdenes?
Don Roque:- Siempre…

Por Mony

Los Fantasmas de Scrooge

Una historia de miedo para todas las navidades.
 
A Christmas Carol, conocida en Latinoamérica como Los Fantasmas de Scrooge,  es una película animada del año 2009 dirigida por Robert Zemeckis y protagonizada por Jim Carrey. Es una adaptación cinematográfica del clásico cuento homónimo de Charles Dickens sobre un millonario avaricioso que recibe la visita de tres espíritus en nochebuena.

Debe ser una de las obras literarias más adaptadas al cine y la televisión de todos los tiempos, al grado que es una historia masivamente popular a pesar de que mucha gente no conoce la novela original.

Esta adaptación, sin embargo, tiene características peculiares que la hacen sobresalir. La más notoria es que es verdaderamente terrorífica. Acostumbrado como estaba a las versiones melosas que de este cuento hicieron Mickey Mouse, Bill Murray, Los Muppets, y hasta el Doctor Cándido Pérez, esta película me asombró, primero, porque se apega mucho a la historia original, respetando los detalles sombríos que habían quedado fuera en las versiones infantiles. Y segundo, porque ese mismo apego le permitió a Zemeckis presentar una buena carga de simbolismo que le dan al filme un toque muy maduro y espeluznante a la historia.

Hay escenas que son 100% de terror y que no son muy frecuentes de ver en una película navideña, lo cual es un gran acierto, ya que a fin de cuentas, el viaje de Scrooge a través de navidades pasadas, presentes y futuras es una experiencia terrorífica para él, y eso se transmite muy bien a lo largo de la película, lo que logra acentuar más el mensaje optimista con el que concluye la historia.

Jim Carrey hace una interpretación de lujo, no solo de Scrooge, sino también de los tres fantasmas, ninguno de los cuales es el típico personaje loco o simpaticón. Esta vez, Carrey se reservó sus improvisaciones chistosas, ofreciendo varias de sus mejores actuaciones. Gracias a eso, la película nos lleva de un desprecio hacia Scrooge como el villanazo desalmado, a la compasión por él en el clímax de la historia.

Es una gran adaptación de una gran historia, que lo mismo inspira miedo que esperanza, pero tiene un detalle más que la hace especialmente lúgubre. Un detalle que quizás no fue del todo la intención de Zemeckis. La película está hecha con Performance Capture, la famosa técnica que permite registrar las gesticulaciones y movimientos de un actor de carne y hueso y aplicarlas a un personaje animado.

 Zemeckis fundó en 1997 un estudio de animación, Image Movers Digital, y se dedicó a dirigir películas con ésta técnica durante toda la década pasada, con resultados dispares. Lo que le sale de maravilla a la gente de Weta Digital (Creadores de Gollum, los Na'vi de Avatar y los monos de la última entrega de El planeta de los Simios) no corrió con tanta fortuna en los filmes de Zemeckis, y tristemente, Los Fantasmas de Scrooge no es la excepción. En pocas palabras, los personajes se ven horribles. No estéticamente horribles, sino de una fealdad que lastima la vista.

Se ven tan faltos de vida como un montón de maniquíes. De hecho, la actuación de Carrey gana todavía más mérito al lograr dotar de personalidad a unos personajes que, si bien abundan en detalles como las texturas de la piel y la ropa, no dejan de lucir como unos monigotes tiesos. Es lo que los críticos norteamericanos nombran the uncanny valley, o Valle Inquietante en español. Se refiere a la brecha que le falta a un robot o a un diseño computarizado de apariencia humana para inspirar familiaridad en un espectador común.

Mientras no supere esa brecha, el personaje en cuestión sólo logra inspirar repulsión. El consenso común es que Los Fantasmas de Scrooge habría sido una película mucho mejor si se hubiese filmado en acción viva, o con un estilo visual abiertamente irreal, más cercano a los personajes de Pixar, por ejemplo. Tendría que llegar el fracaso en taquilla de Marte Necesita Mamás para que Image Movers Digital dejara de apostarle al Performance Capture y ahora se concentre en efectos especiales para películas de acción viva. Pero los aciertos de esta película son mayores, el guión y la dirección de Zemeckis son excelentes, Jim Carrey se luce con creces, y la historia es un éxito probado. Es una película navideña que vale la pena disfrutar en cualquier época del año.

Por Abel

“Las Tres C”


Dentro de la historia del cine podemos encontrarnos con grupos de cineastas que se forman a partir de un muy buen trabajo en conjunto, en una producción en particular, otros formados basándose en las mismas ideologías, y algunos en los que los miembros comparten visiones y producciones que transforman la narrativa de un género en particular, este es el caso del grupo de “las tres C” conformado por David Cronenberg, John Carpenter y Wes Craven, siendo los tres directores reconocidos por la producción de slashers en la década de los 80’s, otorgándole al género del terror un nuevo subgénero con una narrativa que combina asesinos de masas, deformaciones y malformaciones, villanos icónicos, y una violencia explícita que ha ganado un gran número de seguidores alrededor del Mundo. 
 
David Cronenberg nació el 15 de Marzo de 1943, en Ontario Canadá, es uno de los principales exponentes del denominado “horror corporal”, inaugura el concepto de “nueva carne” que ejemplifica como el desvanecimiento entre lo mecánico y lo orgánico.

Inicialmente buscaba experimentar en producciones que confabularan tanto el género de terror como el de ciencia ficción, en las producciones de David podemos encontrar criaturas con malformaciones y un horror muy dirigido hacia los experimentos inicialmente con un punto de vista social y después desarrollando el de una vida interior.

En la primera etapa de su cine de terror se definen científicos que modificaban cuerpos humanos, por ejemplo Shivers o Rabia luego el caos causado por el científico aterriza en una índole personal The Brood Scanners Videodrome Finalmente el científico es alterado por su propio experimento The Fly, Dead Ringers.

De esta forma podemos darnos cuenta fácilmente como el terror y el suspenso de sus producciones van de afectar a una sociedad en un principio y a centrarse en un solo personaje al final.

Luego de esta etapa Cronenberg se ha abierto al trabajo en otros géneros, incluso estuvo trabajando durante un año en una versión de Total Recall, pero diferencias creativas con los productores causaron que desistiera del proyecto.

Cronenberg ha mencionado en repetidas ocasiones que sus películas deben de ser vistas “desde el punto de vista de la enfermedad”, la enfermedad y el desastre son mejores problemas con que lidiar que los agentes de transformación personal según el trabajo de Cronenberg. 

En el 2005 David estrenó Una historia Violenta con Viggo Mortensen, María Bello y Ed Harris, una de sus películas más aclamadas, que aunque no se encuentra dentro del género de terror si muestra un alto grado de violencia que fue bien aceptado por los críticos. 

 
John Carpenter nació el 16 de Enero de 1948 en Nueva York, a los 14 años ya había dirigido 4 cortometrajes en 8 mm, a los 15 años formó su productora Emerald, con la que rodó Warrior and the Demon y Gorgon, the Space Monster.

Aunque su padre deseaba que John siguiera sus pasos dentro de la música vio con buenos ojos el talento de su hijo para el séptimo arte luego de ganar un Óscar a sus 22 años con el cortometraje La Resurrección de Bronco Billy de 1970.

Luego de trabajar en varios proyectos en 1978 estrena Halloween, película que lo lanzó a la fama y le gano el respeto de los críticos dentro del género, John dejó claro que su estilo incluía bajo presupuestos y escasos efectos especiales, así como una iluminación minimalista, cámaras estáticas, música sintetizada y generalmente creada en base al piano y ruidos de atmósfera.

Luego de su producción Fantasmas de Marte del 2001 John estaría nueve años sin dirigir nada hasta que en el 2010 presenta The Ward en la que una joven interna en un psiquiátrico comienza a ver el espíritu de otra chica.

El trabajo de John Carpenter se caracteriza por presentar ambientes oscuros y desarrollar las películas bajo escenarios de incertidumbre y soledad, exponiendo a sus personajes al enfrentamiento directo de sus miedos en cara de criaturas extrañas.

“La noche de Halloween nunca había sido tema de una película de terror, mi idea era hacer una película al estilo de las viejas casas de terror”, la música del filme está inspirada tanto en Suspiria de Dario Argento como en El exorcista de William Friedkin. La película costó $320, 000 y ganó inicialmente 65 millones convirtiéndola en uno de los filmes independientes más exitosos de todos los tiempos.

La película ha sido mencionada en repetidas ocasiones como una alegoría entre la virtud del sexo puro y el peligro del sexo casual. John ha mencionado que esta no era su intención, sino que simplemente hizo una película que a él le hubiera gustado ver cuando era adolescente, con elementos clásicos de una casa de terror, como peligros al final del pasillo o cosas brincando justo al término de las escaleras. 



Wesley Earl Craven nació el 2 de Agosto de 1939 en Cleveland, Ohio, Estados Unidos, Craven obtuvo una licenciatura en Inglés y Psicología en la Universidad de Wheaton en Illinois y una maestría en filosofía y escritura en la Universidad Johns Hopkins, con un cine muy característico Wes presenta ideas con exploraciones dentro de la realidad, lo que acerca de manera inmediata el espectador a un terror ligado de alguna forma a la cotidianidad.

Mucho del terror presentado en las películas de Craven se basa en el miedo psicológico que impone a sus personajes por ejemplo a través de leyendas o anécdotas que brincan de persona a persona, una vez impuesto el tema presenta a él origen del miedo muchas veces con forma de un asesino, elemento indispensable del slasher.

Aunque su última franquicia (Scream) es un intento por reinventar al subgénero Craven cayó en el error de exagerar los elementos hasta convertirla en una serie que raya en lo ridículo, sin embargo extrapoló mensajes y situaciones que abrieron los ojos de muchos directores y frunció el ceño de muchos productores dedicados al género para evitar que se perdiera o se estereotipara en la malas producciones que en ese momento se estaban produciendo.

Hay que destacar que una de las producciones más importantes de este director, Pesadilla en la calle del infierno de 1984, es uno de los principales estandartes del slasher y aunque la franquicia decayó en las secuelas, donde cada una es peor a la anterior, solo las dos primeras definen la idea original del director (según sus propias palabras) siendo ambas de su autoría.

En repetidas ocasiones se ha mostrado interesado por terminar su trilogía presentando una tercera parte que funcione de mejor forma con la idea original que presentó a principios de los 80’s.

Dentro de las producciones de estos tres creadores podemos encontrar varios elementos icónicos que se han convertido en clásicos de este subgénero en gran parte gracias a la narrativa implementada en sus películas.

Por Daniel

No le temas a la oscuridad


Una película más presentada bajo el nombre de Guillermo del Toro con la particularidad de que en esta ocasión él iba a dirigir el proyecto en persona, pero tuvo que dejarlo de lado para involucrarse de lleno en El Hobbit de Peter Jackson, y así delegó el puesto a Troy Nixey, quedando Guillermo como productor y escritor de la cinta, sin embargo esto no libró al filme del toque oscuro, “insectoide” y “jardinesco” característico del cineasta mexicano.

La película es un remake de un video home (película para la televisión), de 1973 de mismo nombre, que cuenta la historia de Sally Farnham, esposa de un hombre de negocios que es acosada por extrañas criaturas de la noche en su nueva casa victoriana. La versión de Troy Nixey retoma la idea principal y mejora en muchos aspectos una muy buena historia que aparte de ser antigua, en su momento, no había sido explotada de la mejor forma.

El suspenso está muy bien logrado y aunque son pocos los momentos en los que podemos sentir verdadero terror, la tensión si esta manejada hasta un punto climático en la cinta, que nos deja pensando y analizando, y pensando otra vez, que hubiéramos hecho nosotros y que vamos a hacer una vez entrada la noche.

La película tiene pocos errores, los más notorios de actuación, claramente causados por la inexperiencia del director por ser esta su opera prima, sin embargo no es nada que afecte de sobremanera a la historia, que cautiva desde un principio y a pesar de ser de un desarrollo lento cierra de buena forma y con un buen manejo de ritmos.

Al igual que otras producciones de Guillermo, el diseño de arte trabaja de forma fundamental para complementar una historia oscura, desarrollando la mayoría de las escenas en interiores con poca luz o ambientes lúgubres, la película progresa toma a toma hacia un mundo en el subsuelo donde la iluminación es escasa o nula.

Katie Holmes desarrolla un buen trabajo con el papel de Kim, absorbiendo el peso de actor reconocido dentro del filme, y a pesar de que el personaje de primera instancia no refleja mayor conflicto, este va creciendo y desenvolviéndose de buena forma para encontrarse con la protagonista (Bailee Madison en el papel de Sally) en el punto climático de la historia.

La fotografía y la Música son muy buenas, trabajando ambas en un aspecto sombrío, muchas veces con filtros negros u oscuros en la primera y con notas graves y pesadas en la segunda.

Un detalle muy característico del filme es que a diferencia de películas como el Orfanato del 2007 o Splice del 2009, ambas estrenadas bajo la recomendación de Del Toro, en No le Temas a la Oscuridad, si es muy obvia la mano del director detrás del proyecto en cuanto a la creación de atmósferas, la película tiene elementos característicos del director como la presencia de niños en el papel principal de igual forma que en el Laberinto del Fauno del 

2006 o El espinazo del Diablo del 2001, así como el juego o la exploración en laberintos de jardines, o la presencia de “hadas”, y como ya se ha vuelto marca indeleble en las producciones del reconocido director, un puente entre el mundo real y uno de fantasía. 

Por Daniel

Bram Stoker, DRACULA


“El amor nunca muere” 
 
Muchos son los fanáticos de la obra literaria Drácula de Bram Stoker, uno de ellos es el aclamado director Francis Ford Coppola; él desde niño mostró una fascinación por el texto, cuando creció de adolescente trabajo en un campamento para niños y él leía a los infantes está historia una y otra vez por las noches, ya en su vida adulta paso por una etapa difícil, económicamente hablando, decidiendo así hacer un cambio en su carrera profesional realizando así la que es considerada su saga de mayor éxito y culto, El Padrino, pero no podía olvidar lo que Drácula significaba en su vida por eso decide a inicios de los 90’s realizar su adaptación. Francis como fan y como conocedor de cine, sentía que no existía una versión fiel al texto y que la imagen de Drácula ya se había distorsionado demasiado. 

Esta versión de 1992 considero, es una de las películas más románticas de la historia, tomando un personaje conocido y aclamado por generaciones Coppola hizo una cinta donde el romance, el terror, el erotismo, la sangre y Drácula fueran los vehículos para contar una historia de amor verdadero.

Sin contar demasiado la trama, esta película muestra a un hombre que pierde a su esposa, él no puede acompañarla a su otra vida, cegado por el dolor se vuelve contra todos, él es condenado y castigado por Dios, él será temido y cazado ya que necesita la sangre de los hombres para mantenerse vivo. El conde Drácula vive miserable durante 400 años hasta que vuelve a encontrarse con su verdadero amor, pero su tormento será combinar su maldición con el dulce amor de su amada.

Está es una película donde el “vampiro” es más humano, donde vemos su lucha no solo con los hombres sino con sus propios sentimientos y deseos, es un ser al cual no le hace falta mostrar los colmillos para inspirar miedo, es un tema fantástico que bien lo podríamos aterrizar en la realidad, porque cuantos rompen sus relaciones de sangre y se vuelven seres muertos en vida.

Esta creación cinematográfica es una artesanía, Francis Ford Coppola como fan, supo que quería ver en la pantalla grande y sabia la responsabilidad que tenía con el mundo de entregarle un proyecto bien hecho. Antes de iniciar las grabaciones se llevó a todos los actores a su granja donde estuvieron 2 semanas leyendo el texto original, haciéndole correcciones al guión y ensayando, todos estos esfuerzos se vieron reflejados en el cine.

Otro de los grandes aciertos de esta película son los efectos especiales, el director, tiene una fascinación y cariño por las cintas de terror antiguas y es por esa razón que él decide no utilizar efectos especiales computarizados, al ver que todas las personas que contrata se contraponen a esta idea, decide contratar a su hijo quien apoyando a su padre busca y resuelve todos los retos visuales que su padre le encomienda; digno de admirarse es también el vestuario, la película toda se grabó en un enorme set de los estudios MGM, la razón, no se tenía presupuesto y con el poco que se tenía Coppola decidió invertirlo en vestuario, ya que este sería su escenografía y lo demás lo ambientaría con luces y sombras; haciendo un trabajo extraordinario porque en ningún momento sentimos en pantalla la carencia de escenarios o ambientes.

Esta es una película que vale la pena verse por muchas razones, tenemos un conde Drácula diferente, se eliminan los clichés vampíricos, podemos ver grandes estrellas emergentes que ahora son consolidadas, Winona Ryder y Keanu Reeves, sin duda alguna la magnífica interpretación de Gary Oldman como Drácula, quien tuvo que interpretar de 10 formas distintas al conde: viejo, demoniaco, lobo, murciélago, ratas. Niebla, joven, romántico, guerrero, rumano y barbón.

Esta no es la mejor película de terror, es más ni siquiera puedo decir que es la mejor película de Drácula que he visto, sin embargo es una de las mejores películas románticas que he visto, donde la trama se hace de recursos míticos y fantásticos convirtiendo el amor en una verdadera tragedia y una necesidad para uno de los seres más despreciables y temidos que nos ha dado la popular. 

Por Dulce