3 cuentos de Terror Mexicano

Hasta el Viento Tiene Miedo, El Libro de Piedra y

Veneno para las Hádas.

En la década de los sesentas y hasta finales de los ochentas, cuando parecían lejos los vestigios del glorioso cine de oro de México, alguien se atrevió a hacer algo diferente, mientras nuestras habilidades para contar historias en la pantalla grande, pasaban del fantástico cine de ciencia ficción y legado de culto que dejo el Santo, a las clásicas e icónicas películas de ficheras, Carlos Enrique Taboada dirigía su atención a un genero que aparentemente estuvo destinado a desaparecer en nuestro país.

Me da gustó poder decir que aun que escondidos tenemos un buen número de clásicos del cine de terror con filmes que realmente destacan por la excelencia de su contenido. Y es así como doy paso a historias  magnificas, tan buenas que podemos encontrar la misma formula utilizada en muchas grandes producciones del cine en todo el mundo.

Hasta el viento tiene miedo, de uno de los mas trágicos años de nuestra historia, 1968, cuenta una historia de fantasmas con un increíble y lúgubre matiz de misterio y suspenso; probablemente para los ojos contemporáneos, de una era digital donde aparentemente ya vimos de todo, esta película va a parecer lenta y sosa con actuaciones mas propias de una puesta en escena que de un filme de terror; pero quiero destacar el magistral ritmo que la película maneja, ya que en ningún momento  saca al espectador de la trama como paso con su patético remake del año 2007, intentando copiar la esencia de Taboada, creo que el error es querer mejorar algo que ya esta muy bien hecho, la versión original del 68 esta excelente y mantiene uno de los aspectos mas importante que creadores actuales no terminan de comprender, la historia es primero.

De 1969 El Libro de Piedra, otra genial obra de Taboada a la que en la actualidad, en lugar de hacer algo nuevo y original, se les ocurrió copiar en un remake del 2009, sin embargo esta fue tan poco sonado que paso totalmente desapercibido por el hambriento y exigente publico mexicano. La historia al igual que su antecesora maneja con un contexto paranormal en su trama, un drama familiar, que ponen en perspectiva la claridad con la que un niño, o en este caso una niña, entiende su entorno y como su forma de pensar siempre esta llena de inocencia, corrompida únicamente por la necedad de los adultos.

El gran problema con la versión actual, es que los cineastas actuales no comprenden todavía, que ese tipo de narrativa funcionaba en esa época, donde contar una historia era mas sencillo, ya que la en la actualidad la mente y la imaginación de los espectadores esta mas saturada con historias, escenas e imágenes que hemos visto en clásicos durante tantos años y si a eso le agregas las pésimas actuaciones de personas que con comprende el contenido de la historia, pues bueno el resultado es un intento mas.

Sin embargo no quiero terminar dejando un sabor de derrota, por que no es así como hacemos las cosas, simplemente debemos comprender que a pesar que estos clásicos tuvieron sus días de gloria y merecen ser revividos a través de la magia del DVD o Internet, el cine mexicano puede alcanzar nuevos parámetros y un ejemplo de eso es Veneno para las Hadas de 1984.

En una época en la que solo producíamos una y otra vez la misma película de comedia morbosa sin un mensaje, ni propositito mas que el de juntar algunos pesos de taquilla y las producciones gringas nos bombardeaban con su nueva formula para producir oro, Veneno para las Hadas llega sin mas pretensiones que contar un inocente cuento para niños, envuelto en un trasfondo, una vez mas paranormal, con una muy buena dirección de actores infantiles, que sopesan todo el largo del filme, es increíble pensar que no se hicieron cosas tan magnificas después de esto, es cierto que el encanto de esta película se basa en el hecho de que es contada por dos niñas, y que las participaciones de los personajes adultos, no interfieren ni destacan comparadas con las travesuras de sus personajes principales, es decir se llevan totalmente las palmas.

Me da gusto decir que de este filme no existe un remake que eche a perder su nombre, y honestamente espero que nunca lo hagan, por que si es cierto estas películas son excepcionales, y auténticamente dejan muy en alto nuestro cine, mostrando que se pueden hacer obras con muy buena calidad, cuando dejamos las pretensiones de lado, sin embargo también espero que los nuevos realizadores entiendan que estos cuentos ya fueron contados, y nuestra cultura y sociedad aun tiene mucho que decir sobre quienes somos y las leyendas que nos rodean, así que espero que no solo en el genero de terror si no en todo nuestro cine nos demos cuenta que lo que importa no es ganar dinero si no contar una buena historia.

Por CésaR

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MUNDO COOL.

Cuando la realidad y la fantasía se hacen bolas.

 

En el año de 1989, la imaginación de los inocentes niños del mundo fue conquistada con una película maravillosa llamada ¿Quién engañó a Rogger Rabbit?. La mezcla de actores reales con caricaturas provocó un pasón masivo de fantasía en nuestras mentes. Sumado a eso, a los niños mexicanos nos tocó una época de oro en materia de animación, desde el boom del animé con Los caballeros del Zodiaco y Dragon Ball, hasta los horripilantes monos de la escena alternativa de animadores norteamericanos, con caricaturas como Los Simpson o Ren y Stimpy, y por supuesto, los Animaníacs y demás producciones novedosas de la WB.

Alrededor de los nueve años descubrí entre la colección de VHS de mi padre una copia de Heavy metal. Fue una experiencia reveladora. ¡Las caricaturas también eran para adultos! El sexo, la violencia y las groserías también existían en su universo. Eso, más allá del morbo inicial, me demostró que la animación era un medio para exponer temas maduros y no solo un entretenimiento infantil.

Pero hubo un pionero en el mundo occidental que había iniciado con ese concepto muchos años atrás. Se trata de un animador norteamericano llamado Ralph Bakshi. En los años setenta causó gran revuelo con El gato Fritz, película animada protagonizada por un gato lascivo que iba por el suelo americano provocando destrozos. El prestigio de Bakshi se construyó sobre esa premisa de dirigir películas animadas con personajes malhablados y viciosos, por lo que su cine siempre estuvo sumergido en la escena underground. Para los años noventa, los tiempos habían cambiado y Bakshi estaba listo para llevar su visión al cine comercial.

El plan original era que Mundo cool fuera una historia de terror ambientada en un universo de caricatura. Una mezcla de animación y acción viva al estilo de Rogger Rabbit. Era la historia de un monero que le entra con su propia mona y ésta da a luz a un extraño ser mitad caricatura y mitad humano. Sin embargo, el productor de la película quiso llevar el proyecto por un camino distinto y se atrevió a ordenar una reescritura completa del guión sin tomarse la molestia de avisarle a Bakshi. El resultado fue la película que finalmente vimos, y que Bakshi accedió a dirigir, según sus propias palabras, porque necesitaba el dinero.

Un miembro más del escuadrón de películas de relleno que pasan en canal 7 en la tarde, mucha gente ha visto Mundo Cool pero casi nadie le ha agarrado la onda. No culpo a nadie, Mundo Cool es un caos de principio a fin. Es la misma trama del monero que viaja al mundo de las caricaturas y se involucra con una sensual mona bajo las sabanas de tinta china. Pero después la trama se vuelve más confusa, e involucra a Brad Pitt como un acartonado policía humano que vive atrapado en el mentado carimundo, un científico que descubre un portal que puede transportar a las caris al mundo real, una chava animada que quiere con el poli, y una bola de caricaturas orates que aparecen y desaparecen sin ton ni son durante toda la película.

Es demasiada información como para concentrarse en el drama del monero que trata de... bueno, ni siquiera estoy seguro de lo que pretende lograr el monero. ¿Quiere volver a su mundo? ¿Quiere quedarse con la mona? La mona es todavía más confusa. Primero lo único que quiere es tirarse al monero. Luego, como si fuera una versión cachonda de Pinocho, quiere volverse una mujer real, luego quiere ¿conquistar el mundo? Quien sabe a que hora pasa de ser el estereotipo de la rubia tonta a ser una super villana. Brad Pitt nos deleita con la peor actuación de toda su carrera. Hasta en 12 MONOS, (donde irónicamente, actúa como una caricatura) lo hace mil veces mejor que aquí. ¿Que es, entonces, lo que vale la pena de esta abominación? Pues lo que mejor hace Bakshi: la animación. El universo de Mundo cool es una carta de amor a la historia de la animación desde los tiempos de Mickey Mouse hasta la escena indie de los años noventa. Es una locura desbordante de diversión. Más que la trama de la película, lo que me atrapó fue ver a tantos monitos locos haciendo y deshaciendo por todos lados.

Hace rato mencioné que la animación es un gran medio para exponer temas maduros desde un ambiente único. Mundo Cool no pretende eso para nada. Es una película pasada por alcohol y hongos alucinógenos a las tres de la mañana. Es como viajar a otro planeta donde no hay más reglas que dejar que la mente brinque por la casa toda la noche. Solo por eso vale la pena verla. Esta película cumple con lo que promete en su título: no será muy buena, pero sí muy cool.

Por Abel.

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The Karate Kid

Entre un buen mensaje y una buena película

existe un excelente guión.

 

Retomando las historias con guiones de extraordinaria calidad esta vez les comento una película que aplica elementos básicos y sencillos en su trama, pero los maneja de tan buena forma que se convierte en icónica dentro de una generación así como, incluso, asumiendo un título de película de culto.

Kate Kid (1984), es como ya muchos de nosotros debemos saber, la historia de Daniel Larusso, un joven enclenque que sufre de bulling y se refugia en el Karate para aprender a defenderse y auto respetarse.

La narrativa es la adecuada para una película de este género, sin exageraciones y concisa, la fotografía es funcional sin llegar a extraordinaria trabajando de forma complementaria, la música, muy bien aplicada, si aparece para acentuar escenas emotivas y todo girando en torno a lo realmente admirable de esta historia, el guión.

Para empezar la trama es sencilla y se sabe sencilla, no aspira a exageraciones y se cuenta de forma muy natural, esto trae enormes ventajas, ya que la familiarización con los personajes es casi inmediata, se convierte en una historia cotidiana que puede suceder en cualquier parte de occidente o incluso del Mundo, lo anterior lo menciono porque obviamente la película se basa en traer un arte oriental a personajes occidentales.

Los personajes y sus diálogos son sencillos, de igual forma naturales, fluidos y progresivos, manejados de una forma tan secuencial que pocos detectan este acierto, sin embargo a raíz de este trabajo se convirtieron en estereotipos frecuentemente usados.

La historia se desarrolla bajo elementos muy característicos que ayudan a darle un toque especial a la producción, la forma en que Daniel es adentrado en el viejo arte por su maestro Miyagy, al mismo tiempo que le enseña que lejos de lo que el joven pensaba el Karate es mucho más que atacar, y como broche de oro el aprendizaje de una difícil técnica que le traerá el tan ansiado respeto.

Pero la lucha de Daniel no es contra los Cobra Kai a diferencia de lo que muchos de nosotros podríamos pensar, desde el inicio de la película y esto gracias al guión, se presenta la idea de que su verdadero enemigo es su propio miedo y en un último dialogo con su maestro al final del filme Daniel lo explica al comentarle que necesita saber que podía ganarle, saber que merecía respeto.

Es por este punto que la película es tan importante, y muy recomendable en estos tiempos en que parece que el bulling está de moda, el filme se basa en un tema que no dejará de existir, arraigado a la humanidad, el auto respeto aflige en todas las culturas y sociedades.

Sin embargo un tema trascendental por sí solo no garantiza que una película vaya a ser buena, una vez más el guión tiene mucho peso en esta producción donde se preocuparon por desarrollar a los personajes y sus emociones momento a momento, escena a escena, puntualizar los instantes importantes y establecer de forma muy marcada los papeles de cada uno de los personajes.

Las actuaciones, a pesar de ser personajes muy bien establecidos y sin desmeritarlas, son bastante buenas, funcionan al no descomponer la idea que se construye en base al guión y de la misma forma en base al mensaje, tengo la idea de que el acierto se basa más en el trabajo de casting al conseguir actores con experiencia vivencial de estas mismas emociones. 

Por Daniel

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Eterno Resplandor de una Mente Sin Recuerdos.

Michel Gondry, en Eterno Resplandor de una Mente sin Recuerdos, contó una historia de amor de una forma magistral y única, en donde, de manera muy concisa define los procesos de lo que es el amor y el des-amor; lo que es conocer a alguien, enamorarte, amar, hasta el momento donde lo más simple se vuelve lo más molesto, lo maravilloso es cotidiano y el amor poco a poco se va perdiendo.

Joel (Jim Carrey) está desecho al enterarse que Clementine (Kate Winslet), su exnovia, ha borrado mediante una proceso científico, todo recuerdo que tuvo de él. Decepcionado, Joel se somete al mismo tratamiento; sin embargo, a la mitad del tratamiento cuya duración es de una noche, el cerebro de Joel decide resistirse y conservar sus memorias afectivas, generando una batalla entre el proceso científico y la voluntad humana de recordar y… amar. ¿Suena confuso? Afortunadamente, una vez que el espectador se traga la extraña premisa, las cosas se desarrollan lógicamente, y si bien esta curiosa trama se presta muy bien para los trucos de percepción característicos de Gondry, nunca se pierde la noción de la trama, ni el hilo narrativo. Esta historia es acompañada de un extraordinario soundtrack, que hace que la película se vuelva aun más melancólica de lo que es, con tracks como el de Beck “Everybody`s Gotta Learn Sometimes”.

Existen amores que son pasajeros, que son compañeros de tiempo, de risas, de películas domingueras, existen amores para presentar, para salir de vacaciones, para ir a comer, para divertirte y para olvidar, sin embargo siempre existe aquel amor, aquella persona que tiene todo esto y más, que es único, que te quita el aliento, el sueño, el hambre; te dan ganas de vivir, de hacer todo posible, todo es maravilloso y todo lo vuelve perfecto. El problema es cuando tienes que olvidar a esta persona, ¿qué pasa en ese momento? todo aquello que era perfecto es doloroso, todo lo posible es imposible y cada que lo intentas olvidar, dejar atrás, cada parte de tu cuerpo duele tanto que a veces desearías nunca haber conocido a esa persona que causo tanto dolor, desearías borrarla de tu memoria, borrar esos recuerdos que parecían hermosos pero que cada que los tocas te destruyen. 

Si pudieras borrar aquella persona que causo tanta alegría y tanto dolor ¿lo harías? ¿Borrarías el recuerdo de esa persona en tu vida? 

Por Mariana

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Ponyo

“-Entonces Ponyo, ¿Cómo es tu mamá?

-Es grande y hermosa, pero puede ser muy temida”

 

Una obra de arte en movimiento. Una ves mas Hayao Miyazaki nos trae un cuento para niños a la pantalla, como solo él sabe hacerlo; Ponyo es su versión del famoso cuento de Hans Christian Andersen; La Sirenita, claro que como nos tiene acostumbrados, nos muestra una visión muy diferente a la plasmada por Disney en 1989.

Ponyo es una niña pez que no solo sueña, si no que alcanza el mundo real, se aventura y nunca se detiene, simplemente se decide a hacer las cosas. Pensándolo en retrospectiva, es un excelente mensaje el que nos da; la historia comienza sin explicarnos nada, todo es una ventana de los sucesos tal y como están pasando, las emociones son las que mueven tanto a los protagonistas, como a los espectadores.

Contemplando una vez más, esta mezcla de lenguaje cinematográfico nipón a ritmo del europeo y americano, Ponyo es el balance perfecto entre los íconos, símbolos y conceptos orientales, explicados con un idioma occidental, lo que hace de Ponyo uno de los filmes de Hayao mas fácil de digerir, literalmente se pasa como agua; y aún que había arrastrado esta tendencia desde El Viaje de Chihiro y El Castillo Vagabundo, con Ponyo ha alcanzando la cúspide de este experimento, creando una manera mas universal de contar historias.

Desde que empieza hasta que acaba, Ponyo invade con colores todo, absolutamente todo, la historia esta tan bien manejada que cada personaje tiene su momento en pantalla y así sean 30 segundos o 1 hora, nos identificamos plenamente con su esencia, no necesita explicar mas de lo que dicen con un par de diálogos.

La música, tal y como es característico en todas las producciones de Ghibli, es excepcional, pero en esta particular ocasión acompaña la película de manera tal que es como leer un cuento, sentados en el parque, rodeado de niños jugando, escuchando a una orquesta sinfónica en vivo, mientras vamos leyendo nuestra historia; casi podemos esperar que si nos detenemos un momento la orquesta hará una pausa sosteniendo una nota aguardando a que continuemos leyendo.

Pero lo que es mas relevante de todo, es que Hayao nos explica como todo en este mundo tiene vida, el mar es un personaje, tan grande, majestuoso y vivo, mas vivo de lo que el simple concepto del mar, nos trae a todos en nuestra memoria; Miyazaki nos deja ver con una increíble gama de colores, que representan todos los atributos que el océano tiene: las criaturas mágicas que viven en él, la fuerza que con la que mantiene sus continuo movimiento, la velocidad con la que desplaza: sentimientos, virtudes, emociones y encima de todo a Ponyo. Todo eso para decirnos que el mar es el equilibrio y el origen de la vida y aun que no lo crean todo eso, lo expresa solamente con colores.

Y sin embargo uno de los aspectos más excelsos de todos, es que en esta película, tanto el estudio Ghibli como el legendario director Hayao Miyazaki, logran romper completamente el estilo y concepto de animación que habían mantenido, hasta este entonces en todas sus producciones anteriores, haciendo de Ponyo un filme nuevo, único y muy original que mantiene el equilibrio perfecto entre la clásica historia, su muy especial mensaje, los indispensables símbolos orientales explicados para que todo el mundo los entienda, sus entrañables personajes, una sinfonía que nos acompaña y nos guía y los colores; que al igual que el mar, mantiene todo en perfecta armonía como la obra de arte que pinta la vida en este pequeño planeta azul.

por CésaR

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El Castillo en el Cielo

Un tesoro entre las nubes

Esta vez quiero empezar un poco diferente mi artículo, esta vez antes de adentrarme en hablarles de esta maravillosa película, me pondré mi playera de fan, he de confesarles que yo era de aquellas personas que solo conocían “El Viaje de Chihiro”, no tenía ni idea de quien era Miyazaki y nunca había escuchado hablar del estudio Ghibli; afortunadamente “El Increíble Castillo Vagabundo” llego a mis ojos y así comenzó mí curiosidad por buscar más películas, ahora puedo decirles que las creaciones de este estudio de animación generan adicción, y es que, como no hacerlo, si Miyazaki junto con su equipo nos crean mundos que no son reales pero que parecen nuestra realidad, son lugares que bien podríamos encontrar del otro lado del mundo, universos donde las mujeres somos heroínas, donde los hombres son pilotos con cara de cerdo, lugares donde las brujas buscan su independencia en plena adolescencia, mapaches con testículos mágicos y por supuesto un gran amigo imaginario de peluche gigante el cual todos quisiéramos tener o haber tenido en nuestra infancia.

Uno de los extraordinarios universos de Miyazaki es el que creo en “El Castillo en el Cielo”, esta es la primera película que de manera oficial se crea y se lanza por el estudio Ghibli (Agosto 1986); esta película como el mismo director la describe, es su versión de la isla del tesoro, en palabras del propio Miyazaki: “Para mí no existe el modelo antiguo de una isla inhabitada y perdida en el mar, ya todos usaron el mar y el espacio, así que me encontré con un castillo y busque un lugar donde nadie pudiera encontrarlo, poniéndolo así en una isla flotante en medio del cielo”.

Inspirado por el cuento de Los Viajes de Gulliver, Miyazaki realiza una historia de aventuras, marcada por la acción, la comedia y hasta un poco de romance.

La película tiene como protagonista a Pazu, un chico huérfano que de forma sorpresiva se encuentra con una niña, Sheeta, una huérfana que esconde un gran secreto y que es clave para encontrar Laputa, una isla que se oculta en el cielo, un lugar en el que se esconde un gran tesoro; Pazu y Sheeta deberán lidiar con un malvado lunático y con un puñado de piratas que son liderados por su anciana madre, enfrentarán un sin número de batallas y aventuras que los llevarán a lograr su independencia y crecimiento.

De acuerdo al director, creo para esta historia un héroe que no consiguiera algo exagerado, como la paz mundial,  él busco que el protagonista al termino de su aventura pueda vivir con ánimo haciendo así que la finalidad de la película sea inspirar a la gente a enfrentar sus problemas porque de ellos se aprende y crece.

“El Castillo en el Cielo”  es una película que combina de manera magistral la magia, imaginación, humor, acción y entrañables personajes; antes de esta película Miyazaki había realizado “Nausicaä” la cual le valió el respeto, reconocimiento y su paso a la historia del cine mundial, es admirable que después de la que es considerada su mejor cinta el director hiciera una historia más ágil, dinámica y simple, pero que cuadro a cuadro te da pistas para encontrarte con un verdadero tesoro de la animación y del cine.

El cine de Miyazaki y en general el cine de Ghibli, es considerado difícil de digerir, yo sólo puedo decir a mi opinión que es un cine que requiere ser visto con atención, las mismas historias tienen esa genialidad de enredarte poco a poco en la trama, si tú no has visto nada de este estudio, si todavía no sabes quién es Miyazaki empieza con “El Castillo en el Cielo” es una película que lo tiene todo y te puedo asegurar que será tu primer paso para disfrutar de una Ghibli adicción.

por Dulce

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LA TUMBA DE LAS LUCIÉRNAGAS

Somos hermanos en la guerra  y en la paz.

 

No se muy bien por que razón el melodrama es un género tan popular en casi todo el mundo.  Es notorio que en Latinoamérica, donde la sociedad es aprehensiva y llorona por tradición, las telenovelas y las series de contenido dramático son las favoritas del grueso de la gente. Sospecho que ver las tragedias de un personaje en televisión es una manera de humanizarse a uno mismo y hacer leve la carga, proyectando los dramas propios en una historia que tarde o temprano tendrá una resolución, así sea trágica o feliz. 

En el terreno de la ficción, la forma más fácil de explotar el melodrama es concentrarse en el sufrimiento en sí. Es buscar que el público encuentre una catarsis a través de los ríos de lágrimas y quejidos del protagonista, generalmente rodeado de gente horrible que goza haciéndolo sufrir. Pero un buen melodrama es el que le da una dimensión humana a sus personajes, los “buenos” y los “malos” por igual, y nos lleva a aprender algo bueno de las calamidades que vemos a lo largo de su historia.

La Tumba de Las Luciérnagas, una película animada de 1988, dirigida por Isao Takahata, es una de las películas más tristes que he visto en mi vida. El hecho de ser una animación de estilo anime, con personajes de ojos enormes y caras tiernas, solo mitiga un poco la cruel historia que cuenta. 

Es la historia de Seita y Setsuko, dos hermanos que se quedan huérfanos y pierden su casa durante la fase final de la Segunda Guerra Mundial. Seita, al ser el mayor, se convierte en el protector de su pequeña hermanita, y lucha por mantenerse y  mantenerla con vida en un Japón destruido y desolado.

La Tumba de las Luciérnagas está basada en un libro de Akiyuki Nosaka. Es una historia real que a él le tocó vivir junto con su pequeña hermana, y que escribió como novela para sublimar los recuerdos de esa experiencia tan difícil.

En palabras de Isao Takahata, esta adaptación al cine no busca transmitir un mensaje en contra de la guerra, sino más bien en contra de la insensibilidad humana. Lo vemos claramente en los intentos infructuosos de Seita al buscar ayuda entre la gente del pueblo, quienes están muy preocupados por sus problemas personales como para tenderle una mano.

Pero estas personas no están retratadas como gente sin corazón, sino como otras de tantas víctimas de la guerra, y en su camino, Seita y Setsuko también encuentran gente que les ayuda dentro de lo poco que pueden hacer para mejorar su situación.

Es una muestra de cómo todos los aspectos de una sociedad se conjugan en medio de una tragedia de grandes proporciones, y de cómo la hermandad es esencial para la supervivencia, aún entre gente que no se conoce.

El propio Seita parece, en cierta medida, el culpable de sus desgracias. De pronto se muestra muy arrogante o ingenuo como para afrontar la situación de una mejor manera, pero a fin de cuentas es un muchacho en la pubertad, que tendrá que aprender de sus errores aunque estos tengan graves consecuencias. La pequeña hermanita es enternecedora a más no poder. Su función en la historia es tocar de manera maravillosa las fibras sensibles del público y representar a la parte más débil  de las víctimas de un conflicto con el que nunca tuvieron nada que ver.

La Tumba de las Luciérnagas ha tenido un impacto profundo en la cultura popular de Japón. Después de esta versión animada, se produjeron otras dos adaptaciones en acción viva. Una especial para la televisión en 2005 y una para los cines en 2008. Sin embargo, la fuerza que tiene la versión de Takahata proviene precisamente de la expresividad de los personajes animados. Hay momentos de calma y de risas entre ambos hermanos que le dan un buen balance a la historia, y en esos momentos la animación llega a un nivel de belleza admirable. 

La Tumba de las Luciérnagas puede ser difícil de ver para mucha gente, pero es una película imperdible, que te deja reflexionando un buen rato. Es una película que toca inquietudes profundamente humanas, y debe ser por eso que tanto los fans del anime como los eruditos del cine coinciden en que esta película es un verdadero clásico.

Por Abel

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Kiki

Llueve, truene o relampagueé… que escriba quien quiera ser leído.

 

Normalmente lo que se cuenta de las brujas es que estos personajes saben magia, tienen escobas como medio de transporte, gatos negros como cómplices, y sombreros puntiagudos que entre más viejos se vean, mejor; pero nunca nos han dicho que también pueden ser adorables niñas con moños rojos en el cabello, y mucho menos que como cualquier otra persona deben esforzarse y luchar por cumplir sus sueños, triunfando ante adversidades del mismo peso que nosotros los mortales carentes de poderes mágicos y es que cuántas veces no hemos deseado tener una varita mágica que nos regale helado cuando tenemos el antojito, ó una salida en la pared, cuando necesitamos correr lejos.

Pero ser bruja y tener poderes va más allá y ese mundo, como nos lo presenta Kiki, que junto a Jiji (su gato negro) atraviesa por caminos desconocidos para llegar a algún destino, donde pueda desarrollarse y crecer sola, independizarse y vivir, parecido a irse “de mochilazo”, hacer un viaje a un lugar no conocido con la incertidumbre de ¿cómo será? ó ¿dónde llegaré?... suena tan conocido y actual, es sencillo identificarse.

Pienso que todos vamos a un lugar a un “no sé dónde” a vivir, a desarrollarnos justo como Kiki, con la misma magia que la guía e impulsa a ella, aunque la buscamos en varitas ó artefactos irreales, se nos olvida que la llevamos en el corazón, la magia que nos lleva volando atravesando el cielo son los sueños y deseos que queremos cumplir, y a pesar de todas las adversidades que podamos encontrar, debemos persistir. De todos modos siempre habrá una panadería abierta que nos tienda la mano, siempre encontraremos amigos con los mismos deseos de volar junto a nosotros, acompañándonos en el camino, aunque usen otros métodos para cruzar las nubes, siempre debemos elevar la mirada al cielo y buscar nuestro camino montados en una escoba con un gato en el hombro que nos recuerde quiénes somos y sin importar que llueve, truene o relampagueé aférrense y seguir el vuelo a… a “no sé dónde”.

Mucha suerte en el vuelo a los que ya decidieron emprender al aire, y los que no ¡háganlo!

Por Mony

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El viaje de Chihiro

“Quiero que sepas que mi verdadero nombre es Chihiro”

 

La princesa Mononoke(1997) fue la primera animación en ganar el reconocimiento a película del año en los premios de la academia Japonesa, y se convirtió en la película mas taquillera en el país, hasta el estreno, ese mismo año, de Titanic (1997), sin embargo Miyazaki junto con el estudio Ghibli regresaría mas tarde a la animación con la película Spirited Away (2001), que rebasaría el record dejado por Titanic en el país, ganaría nuevamente el premio de la academia japonesa a mejor película y seria la primera producción de Miyasaki en ganar un Oscar.

El cine de Hayao Miyazaki a sido establecido a lo largo de muchos años gracias al manejo de simbolismos similares en todas sus producciones, sin embargo no fue hasta Spirted Away que se nota la decisión de abrir el leguaje del filme a un público occidental, esto fue muy bien manejado por parte del director, ya que, teniendo ya establecidos los diseños de sus personajes principales habiéndolos presentado de manera similar en todas sus producciones anteriores, con Spirited Away se dio la libertad de representarlos de una manera más entrañable, y con un lenguaje universal, el  éxito de esta fórmula fue tan grande que la repetiría más tarde con El castillo vagabundo.

En Spirit Away podemos adentrarnos al mundo mágico y de fantasía que el director siempre ha planteado en sus producciones pero, en esta ocasión desde una puerta, un túnel muy marcado en el filme, lo que da entrada y permite una familiarización mas digerible para el publico de occidente, que entiende desde el inicio estar entrando en un mundo nuevo para nuestra cultura, varios de los elementos clásicos de un filme de Miyazaki se mantienen, como: la fuerte e independiente heroína, el compañero sentimental, la magia de un mundo nuevo sin explicaciones, y la carencia de un villano y en su lugar uno que otro personaje que representa una antitesis moral del protagonista.

En Spirit Away podemos encontrar la cúspide de un diseño de personajes que se venían trabajando desde años atrás envueltos en una trama un tanto diferente para lo que había presentado el director hasta entonces, ya que para empezar, las aventuras de Chihiro (protagonista) no suceden en un reino en guerra, sino muy por el contrario en un baño para dioses, donde encontrará todo tipo de personajes que le ayudaran a recuperar a sus padres.

Técnicamente hablando la animación es muy buena, deja en claro que el método de animación tradicional esta muy lejos de ser remplazado por el 3D y por el contrario, usa esta última como una sutil herramienta para el desarrollo de la trama, la música es muy buena, emociona al mismo tiempo que te adentra en este mundo de fantasía y acentúa momentos importantes que de otra forma podrían pasar desapercibidos, la fotografía como lo he mencionado a lo largo del artículo combina de forma acertada tanto la narrativa oriental como la occidental, esto claramente con toda la intención del director.

Y el diseño de personajes, que pareciera ser la especialidad de Hayao Miyazaki, es brillante.

Si no han visto nada del cine de Hayao Miyazaky les recomiendo muchísimo esta producción que no solo desglosa los elementos clásicos de una producción nipona sobre una estructura de dialogo occidental, sino que también abarca por si sola una trama universal con un mensaje para todas las edades, y que a pesar de ser contada con la inocencia de la visión de un infante, les aseguro que los dejará pensando sobre la calidad del filme que acaban de ver.

Por Daniel

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GHIBLI

“El producir buenas películas es la razón de ser del estudio, dirigir y crecer como negocio viene en segundo.” Toshio Suzuki.

“Los japoneses debemos crear lo que queremos enseñarle a los niños, es por eso que no pedimos ayuda a gente de otros mares” Miyazaki.

Durante la Segunda Guerra Mundial los pilotos Italianos utilizaban una palabra para describir el aire caliente que soplaba atreves del desierto del Sahara, esta palabra era GHIBLI, el genio de la animación japonesa Hayao Miyazaki es amante de la aviación y decidió emplear el término Ghibli como nombre de su estudio cinematográfico un espacio que él mismo describe como un soplo de aire sensacional dentro del mundo de la animación Japonesa.

Este estudio se fundó en Junio de 1985 después del éxito taquillero Nausicaa (1984), reuniendo los grandes talentos de Hayao Miyazaki, Isao Takahata y el productor Toshio Suzuki, pero la amistad de estos creativos comenzó tiempo atrás, Miyazaki y Takahata se conocieron en los 50’s época en que solo la animación se empleaba para la televisión y ellos se vieron involucrados en la realización de series animadas como Heidi (1974) pero vieron que los proyectos que ellos querían desarrollar no se podrían realizar bajo el esquema de la televisión donde se tiene una fecha límite y un presupuesto apretado; lo que ellos buscaban era hacer animación más real y de alta calidad que tratara temas profundos de la humanidad tales como las alegrías y tristezas de la vida, esta búsqueda se convirtió en su principal motivación para crear su propio estudio cinematográfico, su idea era tener un lugar donde Miyazaki y Takahata fueran los directores, creadores de ideas y bajo ellos un equipo de trabajo que enfocaría toda su energía en cada animación, donde la calidad y la historia fuera lo importante.

Como una apuesta fue como comenzó Ghibli, existía miedo al no poder lograr mantener un estudio de donde miles de familias dependieran razón por la cual para sus primeros proyectos rentaban un piso de un edificio y contrataban solo a 70 personas que trabajaban por película y así mantener el riesgo al mínimo el resultado fue Castillo en el Cielo la película que ellos mismos comentan les abrió el cielo al mundo de la animación permitiéndoles ese éxito producir las siguientes dos películas Mi Vecino Totoro (1988) y la Tumba de las Luciérnagas (1988), que por si fuera poco se estrenaron el mismo día y se realizaron al mismo tiempo, cosa que consagro al estudio Ghibli ya que sin duda ninguno de los dos proyectos resulto falto en calidad por el contrario Totoro se convirtió en el emblema oficial del estudio y el personaje más querido de Miyazaki y por el otro lado la Tumba de las Luciérnagas es la película más aclamada de Takahata.

Pero el rotundo éxito en taquilla del estudio seria Kiki (1989) este incremento monetario hizo posible que Ghibli contratara animadores de tiempo completo e implementara un sistema anual de becarios para introducirlos al mundo de la animación, mientras el estudio se establecía ya como un negocio, se empezó la producción de la película Recuerdos del Ayer (1990), ahora Ghibli tenía éxito, dinero y muchos trabajadores que dependían de este, razón por la que desde ese momento se realizaría la producción de cine en forma continua es decir una película detrás de otra, por eso aún sin terminar Recuerdos del Ayer, Miyazaki se aventuró a comenzar Porco Rosso (1992) proyecto  en el cual él era productor, director y su propio asistente ya que todo el personal estaba ocupado terminando la otra película.

El hecho de comenzar solo llevo a Miyazaki a reflexionar el rumbo que debía tomar el estudio razón por la cual pidió nuevas instalaciones deseo que se le cumplió después del estreno de Porco Rosso. El siguiente par de años para el estudio se enfocaron al crecimiento, comprando equipo, contratando personal y realizaron una serie de televisión bajo el sello Ghibli, Puedo Escuchar el Mar, sería hasta 1994 que llegaría La Guerra de los Mapaches largometraje de Takahata y sería la primera vez que utilizaría el estudio animación por computadora comenzando así a escribir un nuevo capítulo en la historia del estudio, en 1997 con la producción de La Princesa Mononoke, Ghibli se comenzó a especializar en animación por computadora, para después hacer su primer proyecto 100 por ciento elaborado con esta técnica fue Mis Vecinos los Yamada (1999) y la primera película dirigida por Miyazaki utilizando esta técnica fue El Viaje de Chihiro (2001).

Ghibli y Disney

En 1996 se firmó un acuerdo con Disney para que este se encargara de la distribución de los videos de algunas de las películas por los estudios Ghibli (Nausicaa, Castillo en el Cielo, Mi Vecino Totoro, Kiki, Porco Rosso, La Princesa Mononoke, El Viaje de Chihiro, El Castillo Vagabundo, Recuerdos del Ayer, Susurros del Corazón, Mis vecinos los Yamada), este contrato estipula que Disney no puede ni cortar ni editar ninguna de las cintas, este hecho llevó a los críticos de cine a pensar que Miyazaki se estaba vendiendo, sin embargo él aclaro que no tenía la fuerza monetaria para abarcar la distribución mundial de sus películas; con el paso del tiempo el contrato ha cambiado un poco dejando que inclusive Miyazaki trabajara con Disney en el desarrollo de una nueva cinta Ponyo (2008).

El Reino de Miyazaki 

En Octubre del 2001, se inauguró el museo Ghibli en el parque Mitaka Inokashira a las afueras de Tokyo, la razón de la creación de este inmueble es que Miyazaki quería un lugar donde la gente viva sus propias aventuras dentro de los mundos que él ha creado pero que al mismo tiempo la gente conozca la historia de la animación y todo el proceso que se requiere para desarrollar una cinta animada.

Entre las cosas que podemos encontrar en el museo:

-         Una réplica del robot de Laputa (de la película Castillo en el Cielo).

-         Un Totoro gigante dándote la bienvenida.

-         El gatobus de peluche donde los niños pueden jugar.

-         Varios cortos animados que están hechos únicamente para el museo siendo este el único lugar en el mundo donde pueden verse.

El estudio Ghibli fue concebido como una comunidad, un lugar donde el ambiente permita la creación de excelentes historias, donde diferentes talentos contribuyan en su propia forma a la creación de una maravillosa película, en Ghibli son muchas personas trabajando en conjunto para transformar la idea de un solo hombre (al contrario del cine occidental específicamente los estudios Disney donde ven imposible que solo una persona pueda concebir una idea así que juntos colaboran para formar una idea).

El estudio Ghibli ha enfrentado adversidades y a pesar de eso nunca ha puesto el dinero sobre sus intereses, valores y creencias, ellos mismos tienen una política donde nadie puede editar sus películas para hacerlas comerciales, Ghibli siempre se ha preocupado por la historia no por el resultado en taquilla, a diferencia de otros estudios el dinero que llega a Ghibli se emplea solo en películas e historias nuevas por que evitan departamentos que distraigan o alejen la razón de ser del estudio, lamentablemente en México no es tan fácil conseguir las últimas películas lanzadas por Ghibli y mucha gente ignora el trabajo que se ha hecho desde El Viaje de Chihiro, sin embargo el estudio año con año ha realizado nuevas historias; Haru en el reino de los gatos (2002), Cuentos de Terramar (2006), Arriety y el Mundo de los Diminutos (2010) y este año recién estrenaron Kokurikozaka Kara.

 

por Dulce

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Hayao Miyazaki

Con la posibilidad de soñar y soñar en grande.

 

Hayao nació el 5 de enero de 1941 en Tokio, artista de manga japonesa y un distinguido director de animación con una carrera de más de 50 años, junto con Isao Takahata co-fundó el estudio de animación Ghibli, el éxito de las películas de Miyazaki a transcendido fronteras al grado de ser reconocido como director de culto en occidente,

Miyazaki inició como animador  en 1963 en la casa productora Toei Animation en la producción de “Los viajes de Gulliver, más allá de la Luna” donde sus ideas propositivas se convertirían eventualmente en el final de la película.

Fue hasta 1979 que Hayao pudo presentar su primer largometraje con “El castillo de Cagliostro” y fue después del éxito de su segunda película Nausicaa con la cual fundó el estudio Ghibli.

Aunque el trabajo de Miyazaki era altamente reconocido en Japón era bastante desconocido para el resto del Mundo Hasta 1997 cuando Miramax distribuyó el filme de “La Princesa Mononoke”, la película más recaudadora en su país de origen hasta entonces.

El cine de este director es muy característico en cuanto a elementos y símbolos narrativos, en sus películas los personajes principales siempre son jóvenes, niños o personas con acercamiento cercano a infantes, siempre maneja entre los personajes principales a una pareja sentimental y por lo general uno de los dos tiene un misterioso pasado o vínculos con un mundo espiritual, el cual también es un elemento indispensable en las producciones de Miyazaki, siempre toca elementos naturales y frecuentemente se siente en los personajes  el constante peligro a una guerra a su alrededor, todos estos elementos funcionan para establecer las diferentes atmósferas que el director presenta en cada una de sus producciones.

Cuando Hayao era un niño, durante la segunda guerra mundial su padre Katsuji fue el encargado de la industria aviones Miyazaki heredado por su hermano, (el tío de Hayao), que se encargaba de producir timones para aviones de combate A6M Cero, esto marco  Hayao quien pasaba gran parte de su tiempo dibujando aviones y generando una fascinación con la aviación, esto se manifestaría mas tarde en sus películas donde se puede apreciar en algún momento de sus filmes al protagonista en una nave voladora.

Adentrándonos un poco mas en el estilo de Hayao podemos encontrar el desarrollo de personajes muy humanos que se enfrentan a difíciles pruebas emocionales que los ayudarán a crecer y finalmente a entablar una relación indispensable para la solución del planteamiento general de la trama. Una herramienta muy bien aprendida y utilizada por parte de Miyazaki, ya que de esta forma nos entrega producciones con personajes entrañables, con los que nos podemos identificar muy fácilmente y todo envuelto con diseños que a pesar de reflejar un muy preciado arte oriental funcionan mas allá de sus fronteras.

Miyasaky luego de terminar sus estudios de economía, como muchos otros jóvenes de la época, quería ser dibujante de manga, dedicaba su tiempo al diseño de aviones y naves de combate, sin embargo fue gracias a la influencia de la película The Tale of the White Serpent, considerada la primera película de animación a color Japonesa; fue que Hayao se enamoró de la animación y decidió dedicarse al cine, sin embargo antes debía aprender a dibujar la figura humana, ya que hasta entonces solo contaba con diseños armamentísticos.

Esto lo llevó a un punto muy importante en cuanto a su narrativa, a pesar de diseñar mundos mágicos  surreáles Miyazaki siempre utiliza a un personaje humano como protagonista, a excepción de Porco Rosso que gira en torno a un piloto italiano convertido a través de un hechizo en un cerdo, si bien el personaje no es completamente humano todos a su alrededor si lo son y esta película en especial carece del fondo animado y ambientes de fantasía a los que el director nos tenía acostumbrados, sin embargo esto no afecta en lo mas mínimo la calidad de la película la cual es muy recomendable.

Hayao ha insinuado en varias ocasiones su deseo por dejar de lado la dirección de películas y dedicarse de lleno al Manga y la producción de las mismas, sin embargo hasta ahora a sido continuamente motivado por sus amigos y familiares, así como la incalculable cantidad de fanáticos a sus producciones para que continúe entregándonos nuevas historias.

Actualmente Hayao se encuentra trabajando en la segunda parte de Porco Rosso con intenciones de estrenarla el próximo 2012.

La calidad de las películas de Hayao y el nivel de simbolismos manejados confabulan para entregarnos mundos mágicos donde soñar no es una opción, sino una obligación ya que la mayoría de las leyes en sus mundos son inexistentes y de manera correcta no se detiene a explicarlas, simplemente cuenta historias entrañables que bien hubieran podido suceder en este mismo planeta.

Por Daniel

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EL PLANETA DE LOS SIMIOS: (R)EVOLUCIÓN

La evolución se vuelve revolución.

 

César es un mono especial. Su estructura cerebral fue mejorada gracias a una medicina experimental, desarrollada para curar el Alzheimer. Tiene una inteligencia superior a la de cualquier mono. Se podría decir que es el mono más inteligente del mundo. Se podría decir que es casi como un humano.

El Planeta de los Simios: (R)Evolución es una película dirigida por Rupert Wyatt y protagonizada por Andy Serkis, James Franco, Freida Pinto y John Lithgow.  Es una puesta al día de la franquicia nacida en 1968, con el estreno de la película original. Al principio pensé lo mismo que mucha gente. ¿otra película del Planeta de los simios? ¿para que? Ya ni quien se acuerde de esa franquicia. Tim Burton hizo todo lo humanamente posible para dejarla dos metros bajo tierra con su horrible remake del 2001. Supongo que esa fue la razón principal por la que le dieron luz verde a esta nueva versión, totalmente diferente a la que vimos hace diez años, y que guarda más similitudes con La Conquista del Planeta de los Simios de 1972 que con las demás películas de la serie, pero sin ser directamente un remake.

Sorpresivamente, esta película tiene muchos aciertos que la hacen mejor de lo que esperaba. Para empezar, El verdadero protagonista es César el mono. Él es el que lleva adelante toda la historia. Los humanos solo tienen un papel secundario.  Andy Serkis, famoso por interpretar a Gollum en la saga de El Señor de los Anillos, le da vida a César junto con el equipo de efectos especiales de Weta Digital, a través de la técnica de Performance Capture. Ellos hicieron un gran trabajo con César, al darle una personalidad bien definida que logra proyectarlo más allá de su aspecto de chimpancé y lo muestra como un héroe trágico. Pero César no es el único. Todos los monos que aparecen a lo largo de la película son una maravilla tecnica. No usaron ningun mono real. Todos son digitales y se ven muy reales, cada uno con una personalidad propia.

Hablando de los humanos, destaca la actuación de John Lithgow, el otrora famoso Dick Solomon de La Tercera Roca del Sol. Él hace el papel de un anciano con Alzheimer que se vuelve el mejor amigo humano de Cesar. Es un gran personaje y le da una dimensión muy dramática a la película. Como toda la buena ciencia ficción, El Planeta de los Simios: (R)Evolución usa una puesta en escena fantástica para hablar sobre temas profundos de la condición humana. Es una historia dramática para César y terrorifica para los humanos. Es una fábula de como la falta de comunicación lleva a la destrucción, y en contraste, tambien muestra como la unión hace la fuerza. Otro buen movimiento fue el de ignorar completamente la versión de Tim Burton y hacer referencias a lo que pasa en la película original de 1968. Se complementa muy bien con la historia original. Fuera del drama, las secuencias de acción están increíbles. La culminación de la película es espeluznante y sorprendente, y te deja esperando ver más. El viejo truco de prepararte para la segunda parte funciona de maravilla aquí.

El Planeta de los Simios: (R)Evolución es una muy buena película palomera con acción, suspenso, drama y un buen mensaje que le puede gustar tanto a los fans de la franquicia como a los cinéfilos que solo quieren divertirse.

Por Abel.

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