domingo, 27 de marzo de 2011

Cannibal Holocaust


Esta película perdida, movida y comentada casi exclusivamente en un mundo underground, se ha ganado el merito a uno de los filmes mas controversiales de la historia, no quiero crear una morbosa tentación de verla cuando escribo estas palabras, pero la verdad es que todo lo que yo había escuchado a lo largo de muchos años, me impulso a buscarla y a verla.

Cuando una película de Terror se convierte en un suceso grabado de un acto violento real, se convierte en un tipo del filme denominado Snob; morboso y violento, el cine Snob lamentablemente tiene un gran número de seguidores, distribuidores y lo que es peor, productores, cada vez que vemos en You Tube a un montón de “Porros” golpear casi hasta matar a un “Emo”, eso es un ejemplo de este oscuro sub-genero del Terror.

Lamentablemente por más que se lucha para detener este tipo de producciones, el hecho de que sean clandestinas, hacen que sea prácticamente imposible evitar que se sigan filmando, pero lo peor del caso es que aun que existen videos mal grabados de celular de apenas 5 minutos, donde se muestran golpizas estudiantiles en Internet, estos no son ni la punta del Iceberg, ya que de hecho existen empresas productoras que realmente filman historias con desenlaces trágicos y violentos, donde sucesos como violaciones masivas, mutilaciones, secuestros, torturas y muertes, son ejercidos sobre personas que no están actuando, y la violencia física es real, generalmente el final es la muerte captada en video, en un filme que puede durar horas.

Cannibal Holocaust raya en la definición de cine Snob, durante el filme de hecho hay mutilaciones reales, violencia física real, desnudos con connotación agresiva (tanto femeninos como masculinos). Esto ha provocado que sea de las películas mas perturbadoras y prohibidas en la historia, el hiperrealismo que guarda el filme provoca la misma angustia y estrés que personas que han estado bajo una situación de vida o muerte reportan en terapias posteriores a sus experiencias, y no es para menos, ya que en el documental incluido muestran fotografías y videos de ejecuciones supuestamente reales.

La producción ciertamente transgrede los derechos humanos de “los actores” improvisados que se presentan en el filme, la violencia sexual es desarrollada con el mismo fin único de presentar escenas de violaciones reales (aún que son fingidas), y plasma la degradación del hombre al punto de convertirlo en un animal violento y destructivo, sin embargo, esto no es lo mas controversial del proyecto de Ruggero Deodato (director), la manera en la que nos presenta el desprecio de personas por otros seres humanos, es mas que racismo, ya que la ideología despectiva que maneja en la película crítica de manera dura la manera en la que la sociedad racista destruye y quebranta la dignidad de grupos minoritarios.

De acuerdo a su director ninguna persona fue seriamente lastimada durante la filmación de la película, sin embargo les puedo dejar una advertencia, si después de lo que les conté aquí tienen la necesidad mórbida de ver un simulacro del cine Snob, por nada del mundo la vean si ustedes son fervientes defensores de los derechos animales, por que al final de la hora y media que dura Cannibal Holocaust van a terminar muy enojados. Esta película es muy difícil de conseguir, su edición más común tiene varios minutos editados, aún así el concepto no se pierde, y vaya que logra su propósito: trastornar.

por CésaR
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viernes, 25 de marzo de 2011

BATMAN


Tara-rara-ra-raaaaa BATMAAAN

“Queremos expresar nuestra gratitud a los enemigos del crimen y a los cruzados contra el crimen a través del mundo por su inspiracional ejemplo. A ellos y a los amantes de la aventura, amantes del escapismo puro, amantes del inadulterado entretenimiento, amantes de lo ridículo y lo bizarro. A los graciosos amantes en todos lados a los que esta película esta respetuosamente dedicada. Y si por hemos dejado fuera a cualquier grupo de amantes, nos disculpamos por eso”
Los Productores.

“Santas Bati-estupideces, Batman”, ni si quiera sé, si algunas de las letras que pusieron juntas los creadores de la clásica y olvidada película de Batman de 1966 al inicio de la misma, en realidad son palabras que existan en el diccionario de la lengua británica, o en cualquier otro para ese caso.

Y para todas esas almas jóvenes que viven lo que sin duda es la mejor caracterización, del mejor súper héroe de todos los tiempos, encarnado en el galardonado actor Christian Bale bajo la batuta de uno de los mejores directores de la primer década del siglo XXI Christopher Nolan, que creen que la mas vieja película de Batman es la que dirigió Tim Burton con Jack Nicholson; y que creen que esta forma de escribir tan, pero tan rebuscada es un error de corrección de estilo, es que no conocen el clásico encapotado Batman de la década de los 60`s esterilizando no solo una muy exitosa y trascendental serie de televisión, si no también una hilarante película de casi dos horas de duración.

Sin embargo aun que pareciera que me voy a poner a despotricar en contra de este ridículo intento por llevar a la pantalla grande un largo show de Batman, la verdad es que el filme es de lo mas memorable, claro tomando en cuenta de que seas un asiduo fan de Batman durante todas sus épocas, el filme al igual que la serie cuenta con terribles actuaciones para niños idiotas, el Batman de esa época obedece a un estilo único clásico donde en realidad la figura del actual caballero oscuro, no era mas que un amable y correcto justiciero.

Para que se den una idea Batman originalmente, a pesar de que su razón de existir es la muerte de sus padres, la cual dejaron al joven Bruce Wayne marcado de por vida, en esta versión no esta trastornado, ni amargado por este hecho, en realidad la justicia es un modus vivendis y en ningún momento regresa a su pasado oscuro y sombrío, de hecho el tono en el que esta presentado es mas bien de un hermoso matiz rosado.

Pero ¿Por qué si en realidad tanto la serie como la película dan tanta risa, están tan mal actuadas y presentan a los mas entrañables villanos de Batman, como una chusma de pilluelos al mas puro estilo de las aventuras de Capulina, este Batman es tan memorable?, bueno la respuesta es simple, supo llegarle a un publico joven e impresionable, que vio nacer a sus personajes favoritos de las historietas de los paladines justicieros; es eso o simplemente no había nada mejor en la televisión, pero fuera cual fuese el caso en realidad este anticuado estilo de una época en la que se buscaba encarrilar a los niños y adolescentes por el camino de la rectitud, para que no buscaran seguir los pasos de los jóvenes sicodélicos en la aventuras de los viajes ácidos; Batman trato de convertir a toda una generación en personas productivas alejadas de cualquier forma de corrupción, del sexo y del rock and roll.

Y es así como surge la primera generación de nerds en la historia, en una era que marco al mundo por sus revoluciones ideológicas y sexuales, y si no me creen investiguen cuanto cuesta una figura original de colección de la serie de Batman de 1966, y no digamos alguna que este autografiada por Adam West (Batman).

Y es así como yo espero que con su colección de bati-repelentes oceánicos en aerosol, sus insulsas y bati-clásicas frases de acción, su infalible tecnología de foquitos, sus memorable y estereotipados villanos; Batman de 1966 viva y reviva en la memoria de tantos y tantos que somos fans del Caballero Oscuro.

por CésaR
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lunes, 21 de marzo de 2011

El Listón Blanco


Una película de Michael Haneke, reconocido director y guionista Austriaco que mantiene en cada una de sus cintas un toque muy peculiar, creando atmosferas taciturnas, oscuras e insólitas, que se enfatizan una vez más con El Listón Blanco.

Algo importante que sobresale en la película es la gran calidad fotográfica Blanco y Negro que la concede de una gran pincelada artística, convirtiéndola así en una gran obra de arte, los tonos oscuros y claros juegan con el contraste de la imagen que permite realzar las miradas, los gestos, las expresiones de los actores, de los personajes, paisajes, y objetos que sin duda alguna fortifican las emociones y sentimientos en el espectador; lo cual conlleva a que la cinta sea aun más interesante y emotiva.

El Listón Blanco está enfocado poco antes de la primera guerra mundial que tuvo lugar entre 1914-1918, el relato de la cinta nos permite adentrarnos en el pasado y visualizar con mayor determinación el posible origen del más grande odio y crueldad que marcó a la humanidad. La historia comienza en un pueblo Alemán dónde el personaje de un maestro rural aparece en voz en off a lo largo de toda la cinta, haciendo un recuento de todo lo que vivió durante esa época, aquello que presenció y cosas que tal vez nunca comprendió y deseó esclarecer en su memoria.

Se refleja la vida social de los habitantes mostrando todo un drama enigmático y sombrío con historias que se entrelazan súbitamente acabando con la tranquilidad que alguna vez existió. Se puede atisbar a un ministro con expresión dura e inflexible que somete a sus hijos al buen comportamiento, al silencio que se convierte en un grito interno de angustia y desesperación, a la disciplina y al castigo cada vez que su comportamiento es impuro, la falta de calidez en las palabras, del contacto físico, del afecto, del amor. Por otro lado a un padre honorable que vive de las apariencias pretendiendo ser el modelo a seguir, de la buena familia, las buenas costumbres, la dignidad, elegancia, majestuosidad y la buena educación religiosa, sin embargo detrás de la puerta se esconde el infierno, un padre que abusa de su hija menor, donde efectúa el maltrato psicológico, la violencia que avasalla a la familia, no obstante se muestra el romance, los sueños, la inocencia que se trunca y se aleja robando toda esperanza, ilusión, extinguiendo la luz por la oscuridad, dónde las miradas se vuelven frías, donde la traición endurece el alma. Un pueblo en dónde reaparecen sucesos inexplicables como asesinatos y accidentes que siembran la maldad, la angustia y la exasperación. Michael Haneke nos muestra la violencia, la desesperanza, el comportamiento humano, lo patológico de los personajes sojuzgados primordialmente mujeres, niños y jóvenes.

La película puede llegar a ser algo tediosa, compleja y pausada, sin embargo, te cautivan esos instantes en donde la cámara permanece estática por unos segundos, y domina la zozobra, escenas especificas dónde prevalece el silencio, la ausencia, la lejanía, por lo tanto te dejas llevar por la conmoción, tal vez tristeza, melancolía, enojo, empero un gran encanto por su trasfondo cultural filosófico.

El Listón Blanco se convierte en un símbolo; la inocencia, la pureza que pretende alejarte del mal, del pecado, atando una cinta al brazo como castigo a tus malos actos, una cinta que tal vez sería…el comienzo de una insignia…del nazismo, educando odio, sembrando rencor, en donde posiblemente aquellas víctimas se convertirían en factibles criminales, hijos de la guerra criados por el rencor. Una película de admirable escrutinio psicológico cargado de culpa, vergüenza, junto a una complejidad narrativa admirable.

por Lídize
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sábado, 19 de marzo de 2011

127 Horas


Atrapados en una gran historia.

Una obra importante de una historia sencilla, pero bien contada, sin necesidad de grandes foros o innumerables participaciones actorales, Danny Boyle (director) y James Franco (actor) han logrado construir una gran película en base a lo más importante en cualquier producción cinematográfica “el mensaje”.

La película es realmente sencilla contrastando con la inmensidad del lugar donde es ambientada, “El gran cañón” en Utah, sin embargo esto no desmerita para nada a la historia, que muy fácilmente pudo haber pasado como experimental o incluso de arte, sin embargo fue la buena realización de Danny Boyle y un poco el hecho de que fuera nominada a los Oscares la que la convirtieron en una exitosa película comercial.

La historia por si sola es fascinante y sin lugar a dudas digna de ser contada, sin embargo, no era fácil adaptarla, ya que la falta de movimiento he interacción del personaje principal podrían hacerla tediosa o incluso pesada, pero no es el caso, la narrativa de Danny es impresionante, muy inteligentemente contrastó la exclaustración de la historia con una edición ágil, de buen ritmo y en algunas partes incluso acelerada (sin que esto sea un defecto), nos mete de una forma periódica y creíble dentro de la mente de Aron Ralston (James Franco) haciendo que sus alucinaciones no se sientan falsas.

Es increíble la forma como Danny Boyle recarga la película sobre su actor (un tanto parecido a lo sucedido en “El cisne negro” con Natalie Portman y Darren Aronofsky) son hora y media de ver una increíble actuación de un hombre desesperado por continuar viviendo una vida plena, sin preocupaciones, ni frenos o ataduras ya sea física o emocionalmente, ¿y cómo haces para que no se involucre el tedio en dos horas de ver al mismo actor sin moverse?, con una excelente representación, una muy buena edición y una increíble puesta en escena, y yo considero que es precisamente esto lo que hace de 127 horas una película comercial, aún cuando estamos acostumbrados a ver planetas explotar, o meteoritos estrellarse contra las ciudades, es increíble lo que el director logra con su puesta en escena llevándonos de la tierra al agua y de regreso, mostrándonos con una toma lo enorme y lo insignificante que es el ser humano y la belleza de uno de los lugares más alegóricos de los Estados Unidos.

A pesar de ser un actor de pocas facetas James Franco se supera, por mucho, en esta producción representando a un joven perdido en la aventura que es frenado de golpe emocionalmente al sufrir un accidente, el papel requería de valor y compromiso con sentimientos muy humanos que James fue capaz de sacar a flote en los momentos precisos y aunque la edición lo ayudo bastante, no desmerita un excelente trabajo por parte del actor.

La música es otro de los aciertos en cuanto a la narrativa de esta historia, acompaña de manera precisa cada instante y permite al espectador sumergirse no solo en la ambientación sino también en las emociones del personaje.

Es cierto que la película cuenta una historia sencilla de una sola locación y un solo actor, pero sabiendo que tanto la ambientación como la actuación son inmejorables, la música precisa, la edición exacta y la fotografía espléndida, no se le encuentran muchos “peros” a esta gran producción muy al estilo de Danny Boyle.

Dentro de las diez películas nominadas al Óscar el pasado domingo 27 de febrero, considero que 127 horas es la mejor opción para ir a ver al cine, por lo menos durante la primera mitad de Marzo.

por Daniel
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jueves, 17 de marzo de 2011

Black Swan


La belleza de lo bien actuado

Otra joya cinematográfica a manos de Darren Aronofsky, Sin lugar a dudas, y por eso es lo primero que menciono, lo mejor de esta película es la actuación de Natalie Portman, y no porque lo demás sea de baja calidad, es increíble como su actuación nos transporta de una niña sumisa e introvertida a una mujer fuerte y ambiciosa, sin embargo un punto muy importante de la película y que la hace diferente, de manera extraordinaria, a muchas otros filmes de la misma temática, es que el cambio se realiza dentro de ella y todo el tiempo vemos lo que ella ve, el cambio no se produce por causas externas, todo gira en torno a decisiones que ella misma toma, es esto por lo que Darren ha conseguido crear tan exitoso filme, realmente aplaudo la forma como el realizador a decidido contarnos la historia, a dejado caer todo, absolutamente todo en los hombros del papel que Natalie interpreta, y el mayor acierto ha sido elegir a tan talentosa actriz para llevarlo acabo, no estoy exagerando, y cualquiera que piense lo contrario seguro no ha visto el Cisne Negro.

La magia de la narrativa complementando un poco lo mencionado anteriormente, radica en que el mundo del “Cisne Negro” fue construido alrededor de un personaje, las actuaciones, (buenas actuaciones) de sus coestelares giran en todo momento en torno a las reacciones de Nina Sayers (personaje de Natalie), Darren se arriesgó mucho al crear una película que estuviese basada tan abismalmente en un solo personaje, sin embargo a mi punto de vista, le funciono y muy bien.

Aunque la temática de cierto modo es la misma a la que nos presentó en su filme anterior “el Luchador” (2008), la película continúa de cierta forma el mensaje al presentarnos la fuerza de voluntad y los vicios que acaecen tanto en el deporte como en el arte pero desde el punto de vista de una mujer, y todo lo que esto implica, la película resalta en comparación con su antecesora por presentar mayor fuerza de espíritu así como un sentimiento más fuerte de competencia y tenacidad, cabe destacar que no depende del género del espectador el gusto por cualquiera de las dos y recalcar que ambas son altamente recomendables.

Un punto muy importante en la película del cual es posible percatarse casi de inmediato y que he venido mencionando a lo largo de varios artículos es que los efectos digitales (los creados con computadora) son casi imperceptibles y acompañan a la trama, no exageran ni intentan venderte algo que no es importante; ese es un acierto más por parte de Darren, ya que están situados de manera exacta, dándole al filme una imagen grotesca o incluso macabra.

Es muy interesante la puesta en cámara, ya que aunque al escuchar la sinopsis de inmediato pensamos en una historia de drama, la película esta contada de principio a fin con emplazamientos más característicos del cine de terror, lo que la hace más llamativa. El manejo de sombras en todo momento, escenarios oscuros y la cámara en movimiento crean una atmósfera pesada he inquietante que convierte a la película en un experimento muy preciso; ya que el director esta contando con terror los horrores que implica perder la cabeza, en este caso, por un sueño alcanzado y una mala dieta, esto lo menciono porque existe el riesgo de ser descubierto por otros directores que podrían tratar de repetirlo, pero si no aplica para la trama del mensaje, esto solo llevará a un rotundo fracaso.

Sin exageraciones “Cisne negro” es un claro ejemplo de lo que se puede lograr sin mucho presupuesto, solo una buena dirección actoral, un gran casting y muchas ganas de alcanzar tus sueños.

por Daniel

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lunes, 14 de marzo de 2011

Alex Otaola - El Hombre de la Cámara




El hombre de la cámara es un filme inauditivo de 1929, dirigido por Dziga Vertov, es uno de los primeros trabajos documentales experimentales en la historia del celuloide, Vertov se dedico a tomar su cámara de cine y salir a la calle a plasmar en película la vida cotidiana que en esa época de Inter-Guerras-Mundiales se vivía en la ex Unión Soviética.

A pesar de esto y del contexto de interguerras, comunismo, de la exunión sovietica; Vertov retrata desde muchos ángulos y muchos aspectos los diferentes matices de la sociedad, desde la cruda pobreza y marginación, hasta el paisaje urbano lleno de pomposidad y una especie de glamour característico de un mundo comunista industrial y modernizado, tan ajeno a nuestra realidad que la similitud es asombrosa. Con esto me refiero a que muy bien podríamos tomar el filme y reproducirlo como un trabajo experimental totalmente contemporáneo, Vertov estaba absolutamente adelantado a su época, ya que el concepto que manejó es el de plasmar en la pantalla lo que esta del otro lado de la misma: la audiencia, el propio espectador se convierte en protagonista de la película de la vida.

Es de acuerdo con este concepto sin sonido, donde Alejandro Otaola, plasma en un proyecto de sonorización el primer disco grabado en vivo desde la Cinética Nacional, dándonos como resultado la interpretación que Alex nos otorga del filme.

En entrevista con Alex nos cuenta la absoluta admiración que tiene por la película de Dziga Vertov siendo esté el primer motor que lo motivó, para producir este proyecto que tardo 82 años en completarse en conjunto con la visión de Vertov para llegar hasta el sonido de Alex dentro del ciclo creado por la Cineteca Nacional y el IMER “Bandas Sonoras”, el cual consistía en presentar películas clásicas del cine mudo musicalizados en vivo. Alex nos comenta: “cuando me invitaron, me dieron una lista de películas, la mayoría con un arco narrativo tradicional, con el protagonista, antagonista, el final feliz y pues musicalizar una película así me tendría que atener un poco al drama que se seguía en las imágenes y en cambio “El hombre de la cámara” no funciona de esa manera, es mi película muda favorita”.

La película en si, mantiene siempre una realidad interpretada a partir de las ocurrencias que mueven al camarógrafo para plasmar con imágenes de una manera totalmente espontánea la vida como la conocemos. Y es enteramente en este fortuito golpe del destino la manera en que Alex produjo este disco que acompaña la música de la película, ya que su realización no estaba planeada. “Es un disco que yo no proyecte hacerlo, se me atravesó por así decirlo y por otro lado el contenido, no es música con pretensiones comerciales, es otro tipo de música, es otro tipo de propuesta”.

En palabras de Alex: “En una época en la que el cine, ni siquiera tenia audio, Vertov hace una película que empieza en una sala de cine, donde se va a proyectar la misma que el único personaje es el camarógrafo que esta filmando la película que estamos viendo, el making off y la película es lo mismo, en un momento se detiene para que veas como la están editando y ensamblando; luego para terminar nos lleva a la misma sala de cine donde comenzó, pero como la película retrata a las telefonistas, a los obreros en una mina, a la gente que va a un bar o se mete a la playa, nos retrata a nosotros nos deja vernos a nosotros mismos; y que a alguien se le halla ocurrido conceptualmente hablar del cine y metacine, cuando el cine tenia pocos años de existir solo piensas, ¡este guey era un pinche loco!, yo por eso dije, yo quiero tocarle música en vivo, ¡a esto!”.

Cruda real y sin censura, el hombre de la cámara es un reflejo de lo que es nuestra sociedad, sin importar la época, el contexto cultural, social o político, es muy fácil sentirse identificado y cautivado por el filme que nos recuerda quienes somos y como vivimos de un punto de vista sensible y real, por si solo el filme atrapa; pero con esta nueva interpretación tenemos la oportunidad de ver el filme desde otro punto de vista, y dejarnos llevar por un concepto diferente que dibuja y renueva el momento plasmado en imágenes.

“El estado actual de la música es que la gente ya tiene maneras mas caseras de grabar un disco ó de hacer su música, los grupos ya no necesitan de las disqueras y en el caso del cine ya existen incluso celulares con cámaras que graban HD y ahora ya cualquiera puede hacer una película, entonces, antes en la música tenias la sensación de que para hacer un disco necesitabas una disquera ó necesitabas equipo ó necesitabas dinero, pero lo que necesitas son la ganas de decir hay va, y lo mismo es en el mundo del cine, si a estas alturas tenemos celulares con cámaras HD, pues ya no hay nada que nos detenga”.

Alex Otaola

por CésaR
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domingo, 13 de marzo de 2011

Porco Rosso


¡ Aviones, piratas, batallas y un cerdo volador!

Una excelente producción contada a través de los ojos de Hayao Miyazaki, es la historia de un piloto de guerra que vive bajo el yugo de una terrible maldición, que lo ha confinado a la vida en solitario y lo ha orillado a trabajar como caza recompensas en busca de piratas aéreos.

La animación, como en todas las películas de Hayao, es de muy buena calidad y sin perder el estilo al que nos tiene acostumbrados, aunque la película es de 1992 puede disfrutarse fresca en la actualidad ya que todos los elementos giran en torno a una historia de temática trascendental.

Directo al punto que considero más importante de la película, es el hecho de que a diferencia de otros filmes de Hayao, no es necesario quedarse con la duda respecto a elementos artísticos que suceden en el trasfondo de la historia principal, a diferencia de películas como “El viaje de Chihiro” (2001) ò "El increíble castillo vagabundo" (2004), donde nos sumergimos en un mundo de magia y fantasía creado completamente por el autor, en Porco Rosso nos encontramos con elementos más afines a nuestro mundo, que nos permite una rápida familiarización con los personajes, lo que consecuentemente nos lleva al que considero es el segundo punto más importante en la cinta, la cantidad de personajes e historias “B” (historias que suceden detrás de la principal) en el filme es impresionante, y he aquí el mayor acierto de Hayao, los diálogos son tan precisos, y los personajes tan definidos que basta con un par de líneas para imaginarnos todo el trasfondo y la relación entre ellos, lo que hace de la película una verdadera obra maestra, algo realmente difícil de conseguir, ya que aunque la idea por si sola es sumamente atractiva, es la forma en que esta contada la que realmente cautiva.

Pero una película de Hayao Miyazaki no podría estar completa sin ese toque de magia que nos permite soñar, en este caso, aunque la fantasía sea apenas un roce, el hecho de como afecta al personaje principal (tanto en diseño como en juicio de carácter) nos mantiene a la expectativa en todo momento, hace de un personaje ermitaño y expectante uno aun más intrigante y solitario y aunque lo irá descubriendo poco a poco Hayao deja en claro desde el principio que es completamente diferente a los demás.

Hablando de términos técnicos generales, la película esta muy bien lograda, la música aunque sutil está bien empleada, tal vez hubiera ayudado un tema para identificar al personaje principal pero la verdad es que no hacia falta, la fotografía y emplazamientos son exactos y emotivos, las batallas impresionan y la edición ayuda bastante en este sentido, ya que a pesar de que la película fuese vista en un idioma tan ajeno a nosotros como el japonés, nunca pierde el ritmo y en ningún momento se vuelve tediosa.

Un punto muy importante es la comedia, aunque es un toque muy característico en los filmes de Hayao, creo que esta es una de sus obras con mas “puntadas” y con bromas más ocurrentes que hasta se antojan poner en práctica, incluso antes de que comenzara a desarrollar el clímax mi riza se había convertido en una tos aguardentosa que no podía detener.

Esta es una película altamente recomendable si gustas del trabajo de Hayao, o del anime, o de la animación en general, o de las buenas historias, o del cine en general, incluso, si tuviera que recomendar una película para alguien que nunca ha visto una, sin dudas esta estaría en la lista.

por Daniel

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viernes, 11 de marzo de 2011

Jeremy Bulloch, Boba Fett


Un día con Boba Fett

Muchos mexicanos tienden a hacerse menos, denigrados, pisoteados, o como dice mi mamá jarritos de Tlaquepaque, con tal de que la gente sienta una especie de lastima… pero cuando alguien nos insulta hacemos todo lo posible por demostrar nuestra dignidad, a como dé lugar… la noticia más famosa de semanas pasadas, fue una serie de comentarios en un programa británico trasmitido por televisión de paga (TOP GEAR), donde se dijeron chistes usando la nacionalidad mexicana, chistes que ofendieron fuertemente a la nación llegando a oídos de la embajada, quien pidió a los conductores se retractaran y disculparan abiertamente, a lo cual se negaron.

Me rehusaba a escribir mi experiencia con el actor Jeremy Bulloch pero después de ver más y más entrevistas deficientes no puedo mantenerme callada… que escriba quien quiere ser leído…
Jeremy Bulloch es el actor dentro de la armadura de Bobba Fett el caza recompensas más temido e implacable de toda la Galaxia, guerrero Mandaloriano, fiel a sí mismo, misterioso, incansable cazador de Jedis, Nació como un clon inalterado en Kamino (planeta de lluvia perpetua), donde se hallaba la instalación clonadora, siendo su "padre" y patrón genético Jango Fett. Boba quien se vuelve huérfano después de la lamentable muerte que el maestro Jedi Mace Windu, da a Jango, jura vengarse, convirtiéndose en el mejor caza recompensas de la Galaxia “posiblemente me hubiera convertido en un buen tipo, si un Jedi no le hubiera cortado la cabeza a mi padre delante de mi”… y así es como nace el personaje terciario de la historia del cine más aclamado y respetado alrededor del mundo.

El 14 de febrero del 2011 me encontraba paseando en un famoso mercado de chácharas y tonterías en el sur de la ciudad cuando vi a Jeremy Bulloch (Boba Fett) en un puesto donde se venden figuras coleccionables, al darme cuenta que daría conferencia y firmaría autógrafos no le perdí la pista, y después de 40 minutos de nada, los dueños del local decidieron llevarlo por fin al segundo piso de este mercado y en medio de la zona de comida rápida empezó la conferencia, o eso creíamos todos, sin embargo los puesteros de nuevo demoraron en comenzar cerca de 20 minutos, se podía ver la desesperación en la cara del actor y su esposa, quien lo acompañaba, los sentaron dando la espalda a una fabulosa pista de hielo, habitada por adolescentes irrespetuosos que en cuanto vieron extranjeros dijeron gringo, y se postraron detrás de él aventando hielo que quitaban de las cuchillas d los patines, las niñas vestidas con uniforme de sus colegios gritando al unísono frases celebres mexicanas como: “dame un hijo, güerito”, o “¡aunque traigas vieja!, ¡No soy celosa!”. Después de esta exquisita bienvenida, le dieron un micrófono al actor y por más que los organizadores lo intentaban no se oía a más de un metro, ya que el lugar obviamente no poseía acústica alguna para dicho evento.

En esta sesión los “fans”, que no éramos muchos, podíamos preguntarle cualquier cosa al actor… instantáneamente mi rata empezó a girar pensando en una pregunta que realmente valiera la pena, digo no es que me encuentre diario a un actor de la saga mas famosa de ciencia ficción Jeremy Bulloch, pensaba en un comentario que en el futuro pudiera presumirle a mis hermanos, amigos, o facebook, pensaba en un comentario que hiciera al actor olvidar todo lo que pasaba alrededor, pero mi vergüenza fue tal al escuchar las preguntas sesudas que le hicieron, y al distinguir la cara de decepción en el Inglés, que no pude ni seguir ahí sentada, y sólo escuchaba las respuestas que J. Bulloch daba respetuosamente a tanta estupidez y es que, ¿qué puedes responder a preguntas como… disculpa, ¿no besaste a la princesa Leia? o ¿qué sentiste de trabajar con Rocío Durcal?, y a la que le he otorgado el premio a la peor pregunta: ¿Jeremy qué piensas de que el chicharito este jugando en el Manchester? … a lo que contestó: “preferiría hablar de Star Wars ya que de eso se trata ésta reunión, pero de “el chicharito” es bueno y me gusta que siempre este sonriendo”…

Me levanté me dirigí hacia su esposa, y le pregunté si quería tomar algo, ella accedió, así que la plática entre ambas empezó, lo primero que le dije fue que me sentía en verdad apenada por las preguntas y el mal trato que se les había brindado, ella sólo sonrió diciendo “no es tu culpa”, hablamos de temas como la educación en ambos países, ella me explicaba que en Inglaterra los jóvenes no están interesados en terminar una carrera, que le sorprendía el tamaño de la UNAM y su capacidad, así como el interés por estudiar, en los jóvenes de nuestro país, dijo que la gente en México siempre está feliz y sonriendo, que en la calle al caminar vio a mas de una persona cantando sola, que había colores, y que todo picaba.

Hablamos de las reuniones de su esposo con George Lucas (creador de Star Wars) a quien describió como un hombre serio, callado, retraído, seguro; dijo: ”él siempre analiza a la gente cuando la ve, es como un scanner, y cuando menos lo esperas sabe lo que necesitas y como eres, él simplemente sabe.” Comentó que más de un par de veces, en estas reuniones, varios de los actores de la saga jugaban con espaditas entre ellos, mientras sus esposas y acompañantes los veían desde el otro lado de la habitación; dijo: “pareciera que es requisito para formar parte del elenco, pensar y jugar como un niño” le pregunte qué sentía al ver tanta fiebre por su esposo, al ser tan distinguido, recordándole que es uno de los personajes más famosos en el mundo, y dijo: “él es feliz y lo amo, estoy orgullosa de cómo es”; me comentó que ella le había insistido que hiciera más castings, más filmes, y él se negaba a tener otra identidad que no fuera Boba Fett, al terminar la plática entre las dos, regresamos a nuestros asientos, al actor le pidieron que firmara una lona que sería expuesta en el local de los organizadores, y noté que el apellido de Jeremy estaba mal escrito, los puesteros le ofrecieron algo de tomar, él pidió agua, y al regresar le dieron una coca cola, y así y así un montón de desatenciones, a causa de la mala organización y el interés de exhibir a un invitado como un premio de la tienda.

¿ Por qué nos sentimos “mal” cuando tres conductores británicos dicen chistes de nosotros?, siendo testigo de la falta de respeto que muchos mexicanos hacen con invitados extranjeros, no justificó a los conductores de la BBC, pero después de presenciar todo esto no podía admitir que estuvieran del todo mal, no hacemos nada por ayudarnos, al contrario pareciera que adoptáramos clichés que Hollywood crea de nosotros, y ¡claro! es un estereotipo racial pero nosotros si decimos, “pinches chinos”, “argentinos mamones” o “ingleses putos”.

A pesar de ver como esos estereotipos raciales rompen las fronteras es muy agradable saber que hay personas que de verdad se dan el tiempo de conocer y no sólo de juzgar, me quedo con los buenos comentarios de Jeremy Bulloch y la experiencia de estrechar la mano de Boba Fett, haber compartido con su esposa esa platica tan nutritiva, me quedo con la sonrisa en la cara de saber que Jeremy nos considera parte de él y de su vida.

“ El miércoles cumplo años, festejaré aquí en México y me gusta, mis fans son mis compatriotas”.

Jeremy Bulloch

por Mónica
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miércoles, 9 de marzo de 2011

The King's Speech


And the Oscar goes to…

El discurso del Rey es una película que lo tiene todo para ganar festivales, una buena actuación, una historia entrañable y verídica, un personaje de la realeza en un momento históricamente relevante y una muy buena narrativa.

La fotografía es del estilo “exacto”, que aunque no es muy propositiva muestra, de buena forma y precisa, los momentos más importantes y permitiendo así que sobresalga tanto la actuación como la dirección de los personajes.

La música es muy acertada, aunque de igual forma fluye de forma complementaria, esto no aparece como un error ya que desde las primeras tomas se puntualiza que el desarrollo de la historia recaerá sobre los personajes y técnicamente hablando sobre las interpretaciones de estos.

Un punto que si sobresale ampliamente en el filme es el desarrollo de ambientes, la dirección de arte y vestuario, la película está muy bien aterrizada en la época previa a la guerra, mostrándonos detalles nostálgicos en las esquinas de cada encuadre , así como descubriendo la autoestima inglesa en cada una de las escenas, este es un detalle muy interesante que me sobresalto la primera vez que vi la película, la forma como el pueblo Britanico comparte la actitud del rey a lo largo del filme a través de los detalles es un claro acierto por parte de Tom Hooper (director).

Sin embargo la fuerza del filme (al igual que la mayoría de las películas nominadas) radica en la actuación, Colin Firth destacó al representar a un personaje de peso mundial con un defecto muy humano y sumamente expuesto, que no solo lo aterriza en el mundo terrenal, sino que incluso lo subyuga ante la crítica de la sociedad inglesa en momentos de suma relevancia para la nación, resumiendo, es un hombre poderoso que luce débil y Colin Firth lo desarrollo de forma sumamente creíble pero… no estaba solo.

Geoffrey Rush apareció para darle un toque aún más humano a la película, el de la amistad, y hace una extraordinaria mancuerna con el protagonista haciendo entrañable tanto la historia principal como la relación entre los personajes, aun cuando no ganó el Óscar (y esto solo porque se cruzó en su camino Christian Bale con lo que es hasta ahora la actuación de su vida) Geoffrey seguro está (o debería estarlo) más que satisfecho con esta representación que nos permite soñar en la existencia de un confidente para cada uno de nosotros.

La película en general es muy buena y como mencioné en un artículo anterior era una de las favoritas para ganar el Oscar, no solo por el hecho de representar la vida de un rey en un momento importante en la historia Inglesa, sino también por su impecable desarrollo y su acercamiento a un mensaje que trasciende épocas y nacionalidades, llegado el momento de la noche de los galardones, había varias producciones contendientes para llevarse la codiciada estatuilla, sin embargo, aunque cualquiera hubiera sido una buena elección, y no hubiera existido mayor reclamo que “yo hubiera escogido tal…” ó, “yo quería que ganara esta…”, es justo reconocer que la película está bien hecha y más importante aún maneja un mensaje que como ya mencione exalta corazones en cualquier parte del mundo.

Desde el momento en el que Tom Hooper se levantaba de su asiento para recibir el premio a mejor director era predecible el desenlace de la noche, pero no es que su reconocimiento haya sido mera formalidad, un trabajo donde tus tres actores de primer plano se encuentran nominados (y con razón) no deja mucho espacio para la duda respecto al trabajo del director y aunque no es un punto en el que se detenga a pensar mucha gente, Tom demostró su capacidad y talento al llevar tan extraordinarias representaciones a lo largo de su creación.

por Daniel

lunes, 7 de marzo de 2011

The Other Woman


Love and Other Impossible Pursuits.

El amor es el tema más recurrente en el mundo, esté encierra y conlleva a un sinfín de posibilidades haciendo de la vida un verdadero laberinto. The Other Woman, cinta basada en la novela, Love and Other Impossible Pursuits de Ayelet Waldman, muestra el abanico de posibilidades al que uno puede enfrentarse a lo largo de su vida adulta como puede ser enamorarte de tu jefe, romper una familia, querer a tu hijastro, amar a tu bebé y perderlo.

Este drama, se desarrolla en la ciudad de Nueva York, lugar donde Emilia Greenleaf (Natalie Portman) comienza su vida laboral en una firma de abogados, desde su primer día ella conoce a Jack Woolf (Scott Cohen) y es amor a primera vista, sin embargo este amor pasa por una serie de dificultades ya que él está casado y tiene un primogénito que utiliza como pretexto para no divorciarse. Sin embargo Emilia queda embarazada, situación que llena de alegría a Jack, y es motivo por el cual se divorcia para comenzar una nueva vida. Emilia no solo debe enfrentarse ante una exesposa que la odia, también debe convivir con su hijastro el cual gracias a la espera de su nueva hermanita lo ha unido más a ella; pero que ocurrirá en la vida de todos estos personajes cuando de forma inesperada la bebé fallece a los 3 meses.

Esta película fue filmada y terminada en el año 2009, sin embargo al ser una película independiente no encontró distribuidor hasta este 2011 que Natalie Portman está en la mira cinematográfica debido a su interpretación en Black Swan, y aun así en Estados Unidos solo pudo ser vista en 10 salas en todo el país razón que me lleva a pensar que en México jamás la veremos en la pantalla grande. La actuación de Natalie Portman en esta cinta es extraordinaria nos transmite el dolor, desesperación, locura que conlleva el perder un hijo y la culpa que embarga a una madre por saber si hizo todo lo que estaba en sus manos para salvar a su hija; pero su actuación no es la única que merece reconocimiento en esta cinta, Liza Kudrow, a quien estamos acostumbrados a ver en papeles de comedia, en esta ocasión interpreta a una exesposa lunática y obsesiva que en verdad logras odiar y el joven actor Charlie Tahan interpreta maravillosamente a un hijastro que lidia con una nueva madrastra, una mamá que lo hace lavarse las manos mientras canta dos veces el happy birthday para eliminar bien los gérmenes y la pérdida de su hermanita. La fotografía y ambientación hacen un excelente trabajo son el vehículo perfecto por el cual esta gama de sentimientos se transforman y nos conmueven, el momento del fallecimiento de la pequeña bebé es mostrado de una forma devastadoramente conmovedora.

The Other Woman es una cinta que trata el amor, de como esté evoluciona, cambia tu vida y logra cambiar la de las personas de tu alrededor, es un drama que refleja el sufrimiento por el que una familia debe pasar al perder a un ser querido, que no importando si un ser humano tiene una semana o 100 años, esté logra impactar muchas vidas, la muerte de la bebé no es el desenlace de esta historia es solo el comienzo bajo el cual se nos muestra una serie de sentimientos y situaciones a los cuales nunca estamos listos ni preparados para afrontar.

Es una lástima que películas como esta, que muestran sentimientos y aspectos de las relaciones humanas más reales no lleguen a las salas de cine, es una contradicción que la gente se siga quejando de la piratería cuando a veces es la única forma de encontrar películas que valgan la pena ver, sé que mucha gente no estará de acuerdo conmigo y que dirá que hay que pagar un boleto para apoyar el cine, sin embargo el cine romántico y el drama, ha caído en una especie de prostitución y adueñamiento de las malas comedias románticas que no son más que un rato palomero que no retribuirán nada en la vida de las personas y pasarán a ese montón de películas que uno olvida o quiere olvidar haber gastado dinero en esa basura; el amor es el tema favorito de la mercadotecnia y creyéndonos seres fáciles nos siguen vendiendo la misma historia de cenicienta pero ahora con tacones y blackberry´s. No estoy incitando a que dejemos de asistir a las salas de cine pero si a buscar historias que realmente hablen de amor, nos conmuevan y nos aporten algo tal como lo hace la película The Other Woman.

por Dulce

domingo, 6 de marzo de 2011

Captain EO


Junio 25 del 2009 marco la vida de muchas personas que habían vivido la época dorada del Pop, ese día murió el rey Michael Jackson; tengo que aceptar que a mi en lo personal nunca me ha gustado mucho que digamos su música, incluso ese día fui muy indiferente a la reacción mundial sobre la muerte del interprete de “Thriller”, meses después el mundo se volcaba en homenajes para el artista estadounidense; los parques de Disney anunciaban el regreso a sus salas 3D la cinta Captain EO, película que solo puede ser apreciada por los visitantes a los parques temáticos de Disney World y Disneyland en California, a mi entender solamente se unían a la serie de homenajes y tributos que todos querían hacer para Michael.

Un año después de su muerte tuve la oportunidad de asistir con mi familia a Disney World en la Florida, impulsado más por mi novia y mi hermana, entré al teatro de tercera dimensión para ver la producción (en si no sabía nada de ella), mi sorpresa al entrar es que en las pantallas pasaban un documental en donde aparecían George Lucas y Francis Ford Coppola trabajando de la mano con Michael Jackson, ahí despertó mi interés pues soy fan de Star Wars y ver que el creador de la mejor saga de SCI-Fi estaba involucrado me parecía una garantía.

Para empezar tengo que contarles que el cortometraje de Captain EO, lo tienen en una sala especial del parque en la cual comenzó la cuestión del 4D ya que hay momentos en donde te avientan agua o hay viento en tus piernas como si pasara una serpiente entre la gente, todo esto acompaña muy bien la historia que uno ve en pantalla.

La trama de Captain EO es sobre un temerario capitán espacial que sirve para el bien de toda la galaxia, EO y sus ayudantes llegan a un planeta que esta siendo envenenado por la maldad de su reina que poco a poco contagia a los habitantes convirtiéndoles en demonios.

Para ayudarlos el Captain EO llega con su música como mayor arma y comienza a cantar una rola que fue compuesta por Michael Jackson para la cinta la canción se llama “We are here to change the World”, prácticamente diez minutos de los 18 que dura el corto son los que pasa cantando y bailando a su estilo, durante este tiempo vemos una feria de efectos especiales en donde criaturas de la mente de Lucas bailan con Jackson y finalmente convencen a la reina a través del rock a que regrese al camino de la bondad, la historia suena muy fácil y desgastada, pero no precisamente queríamos una trama complicada para algo de 18 minutos ¿no?.

Con todo y lo sencillo de la trama George Lucas y Coppola tenían varios retos que lograron triunfalmente; primero que nada había que hacer que el público olvidara que estaba actuando el rey del pop, segundo es una cinta en el espacio para eso estaba George quien aplico muchas de las ideas que tuvo durante El Regreso del Jedi, que acababa de ser filmada por la época y por ultimo la trama tenía que ser convincente y ahí entro Coppola otro maestro de la ciencia ficción quien ayudo a que los actores aterrizaran la idea a la perfección.

Hablando del diseño de arte podríamos decir que te vuela la cabeza, el diseño de vestuario es muy ochentero pero parece de juguetes espaciales de la época; los personajes también están diseñados a la perfección; hay una criatura que se llama Hooter la cual nos recuerda a los aliens que están en el Palacio de Jabba de Star Wars, luego hay un par de androides que también nos recuerdan a R2 D2, las naves espaciales también son una herencia de la saga clásica.

Por parte de la música, definitivamente fue un buen acercamiento a lo que hacía Jackson ya que es una excelente banda sonora para la historia, nunca cae en la clásica formula del Pop actual de verso coro verso, al contrario es una pieza que el escribió para Disney; la música y la letra tiene un mensaje claro y que va de la mano con la potencia y la realidad creada por los dos directores de para Captain EO.

La cinta fue creada para Walt Disney, es una mini película de mucha calidad y que hoy podemos disfrutar gracias al Youtube, les recomiendo mucho que la vean, yo no me volví fan de Jackson ni mucho menos, pero valoro que un artista que siempre dio todo por el Pop inteligentemente planeo un legado que le dejo al mundo y que hoy tenemos que ver que en 1987 el Capitan EO nos enseñaba que llegaba para cambiar el mundo como lo hicieron George Lucas y Francis Ford Coppola mucho antes de trabajar con Michael Jakson.

por Tello

http://www.qbilart.com/echalecacaro.html


jueves, 3 de marzo de 2011

Presunto Culpable



Un día, la vida de Toño cambió para siempre. Lo inculparon de un asesinato y lo llevaron preso sin tener nada que ver con el crimen. Roberto Hernandez y Layda Negrete, dos abogados dispuestos a probar su inocencia, se lanzan a reabrir su caso para liberarlo, con la peculiaridad de que documentan frente a una cámara todo el proceso.

Contado así, suena como un típico drama de juicios de los que vemos en las series y películas norteamericanas. Pero esta vez se trata de un drama de la vida real, y que sucedió en nuestro país. Es un caso de tantos que debe haber en las prisiones mexicanas y que ahora sale a la luz gracias a este documental.

PRESUNTO CULPABLE es una película sorprendente por varias razones. Primero, por lo inusual que resulta ver un proceso jurídico real ante las cámaras. Conforme se desarrolla el trabajo, se va desenmascarando una red de corrupción, desidia, verdades a medias y negligencia burocrática que aqueja a nuestro sistema judicial.

Toño, el acusado, es un muchacho de la clase obrera que espera pacientemente a que se le haga justicia y encuentra en el hip hop una fuente para exponer su pesar. El documental hace un buen balance al mostrar aspectos de su vida personal, con su familia y sus pensamientos íntimos. Es apasionante, por otra parte, ver a estos abogados haciendo su trabajo e investigando como verdaderos detectives cada detalle del caso.

Para no ser cineastas, los abogados han sabido darle un gran peso dramático a la historia. Es tan buena la forma en que se desarrolla la historia que hasta parece de ficción… incluso los funcionarios hacen un excelente papel por aparecer como los malos de la película (involuntariamente, quiero creer) al tratar el caso de Toño como un trámite cualquiera nada más para salir del paso. Uno se mantiene en la orilla del asiento, como si de un episodio de LA LEY Y EL ORDEN se tratara. El caso de Toño sirve para denunciar el nivel de descomposición de la justicia en México. Se deja en claro que este es solo uno de muchísimos casos, y que probablemente Toño está recibiendo justicia en buena medida por el hecho de que funcionarios y policías están siendo expuestos ante una cámara.

Pero así están las cosas en nuestro país. Lo que está oculto debe salir a la luz. Esta película es un excelente ejemplo de cine de denuncia que a la vez entretiene y crea conciencia. Sin duda que hacen falta más películas así en este momento.

por Abel