viernes, 30 de marzo de 2012

El Cielo en tu Mirada

Cuando muere un poeta, el Cielo se vuelve cursi.


Érase una vez un galante cantautor que se enamoró perdidamente de una chica guapa a quien conoció en el parque. Ambos se gustaron, pero ella estaba comprometida y se iba a casar esa misma noche. El galán falleció en un accidente pocos minutos después de conocerla y fue a parar al Más allá, donde un hombre misterioso le dio la oportunidad de volver a la Tierra, dos semanas antes de su muerte, para poder conquistar a la chica de sus sueños. Así, este galán, acompañado de su ángel de la guarda, se dispuso a buscar a la dama y a ganarse su corazón, antes de que el destino los volviera a separar para siempre.

De esto se trata El Cielo en tu Mirada, una película dirigida por Pitipol Ybarra, y protagonizada por Mane de la Parra, Aislinn Derbez, Jaime Camil y Danna García.

El Cielo en tu Mirada es una digna representante de la comedia romántica fresa, género muy socorrido en el cine mexicano actual. Toma la clásica premisa de "chico conoce a chica" y la adereza con elementos fantásticos y espirituales que la hacen lucir más interesante.

Tristemente, en cuanto arranca la trama, la película se va por el camino fácil de abusar de los recursos telenovelescos y de dejar que sus personajes pierdan todo realismo para convertirse en autómatas guiados por los arrebatos del romance.

Así, la estrategia de nuestro héroe para conquistar a esta chica consiste en decirle explícitamente que su destino es estar juntos, sin más evidencia que el resplandor en sus ojos y la música sentimental que lo acompaña. La mujer, al verse perseguida por este sujeto raro que le anda diciendo esas cosas, tiene una reacción completamente natural: se comienza a enamorar perdidamente de él.  ¡Es la magia del amor, amiguitas y amiguitos!

Para que El Cielo en tu Mirada no parezca una colección de clichés, hay que suspender un largo trecho de incredulidad y verla más bien como un cuento de hadas muy cursi, ambientado en ese mágico mundo donde toda la gente parece modelo de revista y es romántica a morir. El galán cumple todos los requisitos para ser un Príncipe Disney. Es la combinación ideal de Macho Alfa, metrosexual y de excelente posición económica, y al mismo tiempo bohemio y soñador.

La chica es una princesita valiente, femenina y frágil. Son el uno para el otro. Jaime Camil y Danna García, sorpresivamente, hacen excelentes papeles de relevos cómicos, y Natalia Lafourcade, para ser su debut como actriz, no lo hace nada mal. Claro, su papel no exige tanto, pero lo que exige lo cumple muy bien. Esta vez, los actores secundarios le ganaron en calidad de interpretación a los protagonistas. 

Todo apunta a que esto va a terminar en un festín de ñoñería, pero los realizadores han tenido el buen gusto de no querer meterle con calzador un final ilógico. La película concluye de una manera muy rosa, si, pero es una conclusión realista, que cierra satisfactoriamente la historia, y este cuento tan cursi termina dando una muy buena lección de vida. La dá de la manera más frívola que se puedan imaginar, pero la dá.

El Cielo en tu Mirada es una película azucarada y ligera para quienes gustan de los suspiros fáciles. Es una fantasía pop impregnada del glamour nacional contemporáneo, donde cantar baladas con orquesta al fondo es el epítome del romanticismo y donde no hay nada más sublime que descubrir al amor de tu vida cinco minutos después de haberlo conocido. Si todo esto les gusta, esta película es ideal para ustedes. Si no, mírenla profundamente a sus ojos iluminados y susúrrenle bajo las estrellas un quedo y lento "Yo paso".

Por Abel.


Hair

“¡Los blancos reclutan a los negros para matar a los amarillos y defender las tierras de los rojos!” que escriba quien quiera ser leído



Por sus amigos hay quienes rentan caballos, persiguen a una chica, se meten en problemas con sus padres ó con un par de policías… ¿Hasta dónde estarías dispuesto a llegar por un amigo, que conociste un par de días atrás?… ó tal vez la pregunta correcta es: ¿qué tan entregado y sincero eres en tu vida?...

La han llamado “Star Wars” de los musicales hechos película.

Basada en un musical de Broadway de 1968, nace una película que de nuevo toca temas acerca de la guerra de Vietnam, el reclutamiento de los cadetes, las drogas y el movimiento hippie anti-bélico, los milagros y la amistad; pero la verdadera amistad, no esa pasajera que no deja nada, sino el compañerismo, el trabajo en equipo… la hermandad y fraternidad. Que a mi punto de vista es lo único bueno que la guerra a dejado entre los hombres.

Flores, libertad, felicidad…

Esas agrupaciones de protesta hacía las acciones humillantes de ir a matar por que sí y hacer guerra a diestra y siniestra… justamente esta película se desarrolla dentro de un grupo de hippies neoyorquinos, que te llevan por todas sus locuras al conocer a un chico que será reclutado dentro de dos días. Sus nuevos amigos con larga cabellera que están en contra de la guerra, lo pasean por Nueva York y le enseñan a vivir en estos días antes de firmar sentencia. Durante este tiempo conocen a una chica de alto nivel social, que no se niega a conocerlos y a ayudarlos, a pesar de todo lo que su adinerada familia y novio piensan sobre ellos, y ahora sobre ella.

Sinceramente no entiendo cuál era el problema del gobierno de los Estados Unidos, creo que no era necesario reclutar a chicos tan pequeños y sin conocimiento alguno sobre la actividad bélica, más con esa presión que ejercían en ellos… que no dudo que lo sigan haciendo. En fin… el filme te acerca a esa época y el sentir de ambos bandos, los hippies y la milicia, siempre con tintes de comedia, dentro del drama que significa el tema.

Las actuaciones son buenas y es muy bello ver a los actores en sus inicios, tan jóvenes y empezando con tanta magia. El vestuario es increíble y completamente de época, aunque no ha de haber sido muy difícil ya que no habían pasado muchos años del acontecimiento histórico al filme de la película, y esto creo que lo hace aún más interesante por tanta frescura que tenía el hecho, y lo doloroso que fue para las familias de los chicos reclutados, no por nada hay tantas películas, libros, obras de teatro y arte que hablan sobre esto…

La interpretación vocal en cada una de las canciones es impresionante, escuchar voces masculinas llegando a tonos bastante altos (agudos) es memorable, además de que son canciones bastante conocidas y cantadas por nosotros, podría asegurar que muchos ignoran (como yo antes de enterarme de la existencia de éste filme) que han salido de un musical. Aún así me atrevo a creer que lo mejor de esta película es el final… completamente inesperado, sorpresivo e inimaginable, triste y un tanto cruel… un final que sabemos es verídico, uno de esos finales lleno de aplausos con suspiros.

incluso hay quienes les dejan de llamar amigos, para llamarlos hermanos… y son capaces hasta de cambiarse el uniforme.

Por Mony


Breakfast at Tiffany's


You know what's wrong with you, Miss Whoever-you-are? You're chicken, you've got no guts. You're afraid to stick out your chin and say, "Okay, life's a fact, people do fall in love, people do belong to each other, because that's the only chance anybody's got for real happiness." You call yourself a free spirit, a "wild thing," and you're terrified somebody's gonna stick you in a cage. Well baby, you're already in that cage. You built it yourself.

Paul Varjak / Fred 


Hace mucho que deseaba comentar en esta sección algo sobre la extraordinaria actriz Audrey Hepburn, pero no podía hablar de ella dejando aún lado su papel icónico en la película, Breakfast at Tiffanny’s; así que en esta ocasión hablaremos de estos dos clásicos de la historia del cine Hollywoodense, los cuales se han vuelto parámetros de nuestra actualidad.

Desayuno en Tifanny’s, es una comedia romántica de 1961, pero no es cualquier comedia romántica boba, tiene una trama basada vagamente en una famosa novela del mismo nombre escrita por Truman Capote; la historia nos muestra a una joven guapa, libre, suspicaz, de buen gusto y vestir, la cual tiene un trabajo muy especial, es una dama de compañía, su vida es problemática y vacía, buscando satisfacer sus necesidades económicas se ve envuelta en un sin número de problemas, sin embargo sus traumas y carencias se verán disminuidas cuando un nuevo vecino llega a su edificio, pero él también tiene un trabajo muy especial, es un hombre de compañía, por así decirlo; al compartir una misma profesión, ambiciones y carencias una gran amistad crece entre ellos y esto es solo el principio de la historia.

Antes de continuar con mi crítica, creo que la mayoría de ustedes, queridos lectores, se estarán preguntando bueno pero ¿Donde entra la tienda Tifanny en esta historia?; así que aclarare su duda, el personaje de Audrey Hepburn, Holly Golightly, tiene un carácter fuerte y libre, sin embargo como todo ser humano tiene sus días tristes, o como se diría en la Gringolandia “blue days”, pero para nuestra perspicaz protagonista existe algo aún más triste que son los “red days” o días rojos, son esos días que ella los describe como, esos donde tienes miedo pero no sabes a que le tienes miedo, y únicamente viendo las vitrinas, aparadores o entrando a la tienda Tifanny puede mejorar su día; con esto no se vayan a confundir, ella es pobre no tiene para comprarse costosos diamantes, los cuales considera de mal gusto para usarse en una mujer de menos de 40 años, pero el brillo, ambiente, color y texturas de la tienda hacen que ella calme sus sentimientos de tristeza y depresión. Esta tienda no solo es importante para la vida de nuestra protagonista, sino será un sitio importante para el desarrollo de la amistad entre nuestros protagonistas.

Una vez explicada la sinopsis y el pequeño detalle de la tienda Tiffany, hay que mencionar el trasfondo que esconde la película, retrata una etapa de los Estados Unidos en específico de la sociedad neoyorkina, donde se gustaba de disfrutar la vida, ir a fiestas, obtener dinero y buscar el sueño de la gran ciudad; los personajes principales, son el vivo retrato de ese tiempo, personas con problemas, traumas, carencias que buscando el sueño de la vida en una gran metrópoli y para mantener cierto estilo de vida hacen cualquier tipo de coqueteo y labor; siendo unas personas marcadas por su propio destino muestran que el dinero, ropa, lujos, amigos, alcohol, cigarros y joyas solo crean una jaula personal que nos enfrasca en un egoísmo y nos ciega al amor, el chiste es darse la oportunidad de abrir la puerta de esa jaula y al amor.

La película con los años se ha convertido en una de las cintas más importantes de Hollywood y se toma como parámetro en tendencias y moda, ya que Audrey Hepburn no solo era una gran actriz sino que también era una mujer con gran y único estilo.

Cuando la seleccionaron para el papel principal en Breakfast at Tifanny’s escogió que su vestuario fuera conformado por creaciones del diseñador Givenchy, sin embargo este al ver su figura menuda la desairó, pero logró demostrarle un estilo propio que cautivo al diseñador convirtiéndose en grandes amigos y en el diseñador favorito de la actriz; su estilo de vestir en esta cinta es copiado y adoptado por un sin número de celebridades y mujeres, sin embargo solo ella puede portar gafas de sol dentro de una biblioteca, un sombrero enorme para visitar la cárcel, usar una boquilla para cigarros de 50 centímetros y no verse ridícula.
Pero no todo brilla en este diamante, la película así como es elogiada fue criticada por muchos años por un mal estereotipo que reflejaba uno de los personajes secundarios, el cual fue interpretado por el famosísimo actor Mickey Rooney, que bajo el nombre de Mr. Yunioshi, interpreta a un japonés, que de forma burda y caricaturesca se parece a un cartel burlón de los japoneses que se distribuyó durante la segunda guerra mundial, la comunidad asiático americana por muchos años rechazó este personaje pues era una total burla a su cultura y una falta de respeto que un personaje japonés fuera interpretado por un americano que solo estiro sus gestos para aparentar los característicos ojos rasgados de los japoneses; con los años el estudio cinematográfico Paramount, emitió una disculpa para la sociedad asiático americana y en su último relanzamiento a video incluyeron un pequeño documental del sentir de este sector de la sociedad con respecto a la cinta.

Audrey Hepburn es una heroína de Hollywood, contaba con una simpleza que le daba clase, no necesitaba de curvas para hacerse notar, contaba más que con un sex appeal, con un coqueteo ante cámaras que robaba las miradas de los hombres y la envidia de todas las mujeres, pero más allá de su físico Hepburn marcó época en el cine, la moda y revolucionó el papel de las mujeres en el cine convirtiéndose en lo que a mi opinión considero la reina de las comedias románticas.

Breakfast at TIffanny’s es una película que al igual que su protagonista marcó un parte aguas en las producciones de su mismo género, nos mostró a Audrey Hepburn a color, llenó de cinismo la pantalla con una relación amorosa entre dos seres vacíos que se llenan el uno al otro, con locaciones en la hermosa Manhattan y con una extraordinaria canción que se hizo para la cinta, la cual marcó a toda una generación, Moon River, Desayuno en Tiffanny’s es una muestra más que el amor se esconde en cualquier lado desde una tienda de joyas hasta un callejón y que es libre de prejuicios.

Por Dulce



Hugo


Georges Méliés: If you've ever wondered where your dreams come from, you look around... this is where they're made


La película más reciente del afamado director  Martin Scorsese cuenta la historia de Hugo, un pequeño niño huérfano que vive escondido entre los relojes de una estación de trenes en Francia, Hugo se siente comprometido con terminar la tarea que realizaba su padre antes de morir, reparar un viejo autómata diseñado para el espectáculo, mientras Georges, un viejo vendedor de juguetes con una pequeña tienda en la estación, no deja de escudriñar al joven.

Las actuaciones, aunque no fueron nominadas, son sobresalientes, conjugan en general muy bien la ambigüedad entre las responsabilidades y el deber con las emociones humanas y la lucha eterna entre estos sentimientos que todos tenemos todo el tiempo, la disyuntiva entre ser humanos o ser funcionales, así como la necesidad de realizar bien un trabajo.

Técnicamente la película es perfecta, o se acerca bastante,  fue filmada en formato 3D lo que ayudó al director a ampliar los ejes de narrativa de 2 a 3, y simplemente se nota en la película cuando los emplazamientos destacan el mundo que se abre frente a los ojos de Hugo, con incursiones de personalidades como Salvador Dalí o James Joyce, así como extraordinarias escenografías de la época, todo mientras el joven permanece escondido en fondos tras metales y muros.

La aplicación de esta nueva narrativa es de considerar tomando en cuenta que hasta ahora el 3D solo se había visto aplicado como complemento o como un bonito adorno de las grandes producciones, sin embargo como lo menciono arriba Scorsese ha encontrado una nueva línea de narrativa en cuanto a la profundidad, herramienta que seguramente se irá puliendo con forme se diseñen las producciones, o eso esperemos.

Pero, aunque así pareciese, la Técnica no es el punto fuerte de esta producción, es la nostalgia y las claras intenciones por construir un homenaje a la industria en base al mismo medio de expresión lo que convierte al filme en una clásica instantánea.

Al igual que películas como Cinema Paradiso de 1988, que cuentan historias en base o con ambientación  de situaciones construidas con la historia recorrida por el celuloide, se les agrega un extra de emoción que por lo general no falla, en el que la gente se siente identificada de inmediato con el reconocimiento de otras épocas, sin embargo esta mágica carta que solo el cine sabe reproducir no es fácil de utilizar, porque hay que saber tanto como presentar los elementos, como cómo llevar al espectador a través de sus recuerdos, en ambas películas tanto la mencionada como en La invención de Hugo Cabret  esto esta manejado de muy buena forma.

La invención de Hugo Cabret es una de esas pocas producciones en las que se le invierte mucho dinero al diseño y a la narrativa, donde se busca hacer llamativa la imagen y a la vez se procura armar en base a buenas participaciones actorales una trama entretenida y a pesar de todo esto ningún elemento asoma por encima del mensaje lo que a mi parecer es el elemento más importante de una producción de calidad.

A final de cuentas  La invención de Hugo Cabret es una película diseñada para homenajear, revolucionar  y, principalmente, para permitir soñar al espectador, es un filme que desde su construcción se diseñó con la idea de presentar a la producción como un claro ejemplo de que la industria cinematográfica es la fabrica de sueños por excelencia.


Por Daniel

El Artista por Daniel


Geroge Valentin: (primeras líneas en una de sus películas) I won't talk! I won't say a word!


El artista es una película pasional que desarrolla a sus personajes en la singular época a finales de los años 20’s y principios de los 30’s donde George Valentin un reconocido actor de cine mudo se tiene que enfrentar de frente con la llegada del cine sonoro y todas sus consecuencias, mientras Peppy Miller una joven entusiasta parece subir desenfrenadamente peldaños en la industria a raíz del mismo evento.

Hay que mencionar que la película no está diseñada para ser un homenaje como en el caso de “La invención de Hugo Cabret” (2011) sino que es la recapitulación de una historia pasional entre un hombre y su oficio que gira en torno a  los eventos suscitados en esta época, si bien es cierto que Michel Hazanavicius (director) no perdió la oportunidad de hacer alusión a varias obras maestras de la época, también es cierto que su intención es claramente desarrollar una historia independiente a todos estos sucesos.

La película se basa principalmente en la comunicación, y  la frustración por perder  el foro al que se estaba acostumbrado es  el principal motor, la desesperación por no poder interactuar con alguien y el abismo que se va creando en base al no entendimiento son las principales armas de la trama.

Hay dos cosas muy interesantes que mencionar de esta extraordinaria producción, primero que fácilmente pudo ser diseñada para construir una película completamente  en base al tributo, donde nos mostraran los mejores elementos de esas épocas, y sin embargo no es el caso. Y en segundo, la narrativa tan arriesgada y a la ves tan efectiva  que utilizó el director para desarrollar su historia, ya que si no fuera por las extraordinarias actuaciones hay momentos en que la narrativa se queda a dos de convertirse en cine experimental.

Técnicamente hablando la película es muy buena, Hazanavicius se preocupó por crear un look similar al presentado en la época con el uso de las mismas herramientas y la misma narrativa sin caer en la imitación, sino más bien creando su propio estilo en base a lo construido.

Las actuaciones son muy sobresalientes, Jean Dujardin (George) maneja muy bien el semblante de protagonista y estrella de cine mudo al mismo tiempo que se va descomponiendo en el abandono sin perder nunca el carisma, y por otro lado Berenice Bejo (Peppy) construye un papel en base a un personaje fluido e inocente que termina por ser el elemento de la razón. Pero no solo ellos ya que al no contar con elementos sonoros las actuaciones alrededor deben de enfatizar las expresiones sin caer en lo ridículo o lo exagerado,  como lo entendieron de muy buena manera John Goodman o James Cromwell.

Y bueno, lo que todos querían comentar, la increíble participación de Uggie como Jack  el perro de George, bueno en realidad fueron tres perros los que trabajaron en el filme, Uggie, Dash y Dude, sin embargo fue Uggie el que interpretó la mayoría de las escenas, es un elemento muy característico y muy importante del filme, simplemente no hubiera sido el mismo sin su participación, y Hazanavicius lo sabe, no por nada el segundo en entrar al escenario al termino de la película en la primera escena es Jack. Y se entiende en razón de una época en la que las producciones, incluso las producciones de drama, cuentan con un ritmo cada vez más acelerado por lo que el filme tenía que contar con un elemento familiar con el que el espectador se identificara de inmediato para que le diera tiempo al director siquiera de comenzar a desarrollar la trama antes de dejar escapar el primer bostezo.

Considero que el artista es una película  con un mensaje y un problema muy actuales que utilizó una narrativa abandonada para recapitular una historia en base a una época en la que este mismo problema afectó a muchas personas en la industria.

 La película es muy recomendable no solo por su ingenio o por ser muy propositiva, va más allá de la nostalgia y el recuerdo de una bella época y termina por representar  un mensaje que todos deberíamos de escuchar. 

Por Daniel



Tan Cerca & Tan Fuerte

“Only humans can cry tears. Did you know that?”


Hay varios puntos a tomar en consideración para poder adentrarnos en la temática de esta película, la historia es acerca de Oskar Schell un niño con el síndrome de Asperger que pierde a su padre en los atentados del 11 de septiembre del 2001, la película se centra básicamente en el lazo que Oskar mantenía con su padre y el duro golpe que es para el joven la perdida repentina de quien no solo era su mentor sino también su mejor amigo.

El filme gira en torno a las emociones de los personajes involucrados haciendo alusión a las diferentes vidas que cambiaron el día de los atentados, convirtiéndose en una especie de almanaque de los diferentes tipos de vida en la gran manzana.

La película es muy buena, tiene muy buena narrativa, muy buen diseño de trama en base al argumento y muy buen diseño de personajes, sin embargo el mayor acierto del filme también es su mayor problema, esta hecha para las personas que viven en Nueva York y que de una u otra forma se ven vinculados con los sucesos del 2001, esto lo menciono porque toda la película esta manejada con el simbolismo de la desesperación y del shock y finalmente de la aceptación que debieron de vivir todas estas personas.

La película me gustó, la disfruté y me emocionó, sin embargo no creo que la haya entendido, reiterando que el mensaje esta estructurando para los neoyorkinos, esto lo menciono porque es importante entender que si bien la película gira en torno a un suceso muy importante en la historia de la humanidad, el diseño de la producción a mi parecer no es para todo público.

En pocas palabras por más que me guste la película no me va a llegar tanto como a alguien que desafortunadamente vivió el momento.

Hay que recalcar un par de cosas que sobresalen en esta producción y que no abundan en este tipo de películas, primero el diseño de personajes me parece muy inteligente, porque por un lado te presentan al niño brillante que no entiende por qué ha perdido a su padre y busca desesperado una razón lógica para poder continuar con su vida, y por el otro lado un viejo con una relación muy estrecha, para con los sentimientos del infante, y que además, literalmente no habla desde hace años a causa de un impacto emocional que sufrió en un conflicto bélico, de entrada dos diseños de personajes muy interesantes que soportarán de muy buena manera la trama por si solos.

Y por otro lado la crudeza del filme, un hecho violento que marcó la historia de la humanidad, que fue televisado y que gracias a la tecnología llegaba en instantes a todo el mundo, dejando un poco de lado la desensibilización que hemos sufrido todos por parte de la mercadotecnia, es un evento bastante traumático y te lo narran desde la perspectiva de un niño, que tiene que enfrentar los momentos mas duros de su vida, en un día inesperado que no parecía ser diferente en nada al anterior o al próximo.

La crudeza con que la película es contada es dignamente comparable con la vivida ese día por muchas personas, y para ejemplificarlo y sin afán de contar ningún evento relevante del filme, en un momento de la historia Oskar decide imprimir y amplificar las fotografías de gente cayendo de los edificios con la esperanza de reconocer a su padre.

En general la película es muy buena, maneja muy buenos ritmos desglosa muy bien a los personajes y lleva muy bien la narrativa en base a las emociones de Oskar, no la consideraría una película mas sobre el atentado, sino la película del 11 de septiembre; sin embargo (reitero) hay que considerar que el mayor aporte de la trama esta dirigido para las personas que lo vivieron.

Recomendable si gustas de las emociones humanas, no es un filme partidario sino simplemente una expresión de la realidad vivida por los sobrevivientes involucrados.

Por Daniel.


George Lucas


"Thank you. Thank you all. This is a very, very important award for me. Star Wars, oddly enough, doesn't really get that many awards. I'm not a big favorite with the critics, but who listens to them? I'm not a big industry favorite either, but of course they are a bunch of studio executives. The most important people for any filmmaker, the reason that I make films, is for you! The audience rules! Thank you. Thank you very much!" 

– Mientras recibía el premio a mejor película por La Venganza del Sith en los Peoples Choice Awards.



George Lucas no es un gran Director de cine, aparte de “American Graffiti” (1973) y “La Guerra de las Galaxias, Una Nueva Esperanza” (1977) no cuenta con extraordinarias producciones en su haber, sin embargo, si es un gran productor que ha logrado construir en base a una franquicia un verdadero imperio, que lejos de pedirle permiso a alguien para desarrollar una película, recurren a su equipo en muchas ocasiones para el desarrollo de grandes producciones.

George creció en un rancho de Modesto California, de joven era fanático de las carreras de automóviles y su sueño era ser corredor de autos pero un desafortunado accidente que casi le cuesta la vida lo alejo de estos deseos. Decidió estudiar cine en la University of Southem California.

Como estudiante realizo varios cortometrajes incluyendo Thx-1138, que ganó el premio en el festival nacional de películas de estudiantes 1967-68, parte del premio incluía poder participar en el rodaje de “Rainbow de Finian” (1968) dirigida por Francis Ford Coppola, donde se hicieron grandes amigos, juntos crearon la compañía American Zoetrope, con la cual desarrollarían la versión en largometraje de THX 1138, En 1971 Coppola comenzó a dedicarse a la producción de “El Padrino” (1972) y Lucas creó su propia compañía Lucasfilm Ltd.

En 1973, con la recién creada Lucasfilm Ltd., George dirigió American Grafitti una película semibiográfica sobre jóvenes y autos a principios de los años 60, la película ganó el globo de oro y estuvo nominada al Óscar en cinco categorías.

Luego de esto George se puso a trabajar en el guión de la que sería su próxima película, La Guerra de las Galaxias (1977) originalmente George quería hacer una adaptación de Flash Gordon pero al no poder obtener los derechos decidió desarrollar una historia nueva basada en las aventuras de este personaje y otro tanto en la famosa saga de El Planeta de los Simios.

A pesar de que varias de las grandes casas productoras la habían rechazado, argumentando en la mayoría de los casos que la ciencia ficción era un género infantil, la película fue un éxito como nunca antes se había visto en taquilla, y de manera muy inteligente George renunció a su sueldo a cambio de un pequeño porcentaje de las ganancias y de todos los derechos de la mercadotecnia, lo que lo ayudó a conseguir el dinero para poder desarrollar las secuelas de esta legendaria saga.

En 1980 Geroge escribió y produjo En busca del arca perdida, dirigida por su amigo Steven Spilberg, la franquicia de Indiana Jones nacía, en esta ocasión los derechos de producción y distribución fueron a dar a Paramount debido a problemas que había tenido con los ejecutivos de Fox y sus constantes presiones a pesar de haber desarrollado la película más taquillera en la industria hasta entonces con esta empresa.

Lucas siempre se a preocupado por imprimir el mayor grado de calidad técnica a sus producciones, tanto así que cuando la empresa capaz de diseñar sus expectativas no existe, se dedica a su creación para luego poder explotarla, como es el caso de Light and Magic, así como la creación de la licencia que se mantiene como los mayores estándares de calidad de audio y video, el THX.

George Lucas es en muchas formas un visionario que ha sabido estar a la altura de sus historias.

Pero pasemos al punto más importante, el cine independiente.

El cine independiente es todo el cine que se desarrolla sin el capital de grandes casas productoras, sino que se busca de auspicios, fondos o incluso ahorros para llevarlos acabo, esto tiene sus ventajas y sus desventajas, primero, con una producción independiente el director es libre de desarrollar la idea bajo sus ideales de narrativa sin tener que estar escuchando a inversionistas que buscan manipular el trabajo en busca de asegurar ganancias, pero por otro lado, por lo general, no se cuenta con el dinero suficiente para desarrollar la historia como el director quisiera.

George Lucas alcanzó un punto máximo entre los cineastas independientes en el que no tiene que pedirle nada a nadie para poder desarrollar la película más tecnológica que él pudiera imaginar, y todo esto lo logró gracias al buen manejo y desarrollo de sus películas que logran establecerse en la cultura de la humanidad al grado de ser considerada en algunos países como una religión.

George no solo amasó una increíble fortuna y se retiro de la industria, sino que supo invertirla en el desarrollo de nuevas tecnologías, en la creación de una especie de rancho mágico donde se agrupan todas estas grandes empresas que pueden apreciar en los créditos finales de casi todas las superproducciones.

Luego de desarrollar la saga de Star Wars, Lucas se dedicó principalmente a la producción de filmes (en su mayoría dirigidas por Steven Spilberg), entre las cuales se encuentran la saga de Indiana Jones, En Busca del Valle Encantado, Willow, entre otras; actualmente busca distribución para su más reciente filme Red Tails, película sobre un grupo de pilotos afroamericanos que combaten en la Segunda Guerra Mundial.

George Lucas es un visionario que logró darle la vuelta a la industria y lejos de tener que recurrir a una productora para el desarrollo de uno de sus filmes, son estas las que tienen que acercarse al uso de sus tecnologías, y es precisamente por esta razón por la que nunca veremos a George levantar un reconocimiento de la industria, pero siendo sinceros… no lo necesita.

Por Daniel

El Submarino Amarillo

We all live in a yellow submarine.


Muchos consideran esta cinta algo incomprensible, un mal viaje y la mejor manera que encontré para explicárselas es con una canción de los mismos Beatles Picture yourself in a boat on a river with tangerine trees and marmalade skies, somebody calls you, you answer quite slowly, a girl with kaleidoscope eyes. Cellophane flowers of yellow and green towering over your head, Look for the girl with the sun in her eyes. Follow her down to a bridge by a fountain where rocking horse people eat marshmallow pies, everyone smiles as you drift past the flowers that grow so incredibly high” Lucy in the sky with Diamonds.

Los Beatles crearon un universo musical que se compuso de extraordinarias melodías en las que permitiéndose mezclar ritmos y estilos obtuvieron una autenticidad que acompañaron con letras que solo hacen sentido al combinar con su característico sonido. El cuartero gozo de gran éxito y reconocimiento en una época donde no había muchas formas de difusión de la música, donde no había internet y las multitudes clamaban tener más de ellos, por está razón hicieron su incursión en el cine.

Los Beatles llegaron al cine en 1964 con la película A Hard Day’s Night, una cinta en blanco y negro que se enfocó al suceso mundial de Beatlemania; en 1965 llego Help, la primera película a color del cuarteto, posteriormente llegó en 1967, Magical Mystery Tour y en 1968 hicieron su incursión al mundo de la animación con Yellow Submarine en 1968 y por último Let It Be. Enfocándonos en Yellow Submarine, fue una cinta que casi no se realiza debido al mal sabor de boca que tenían los Beatles después de haber realizado sus anteriores dos películas, sin embargo después de ver la innovadora propuesta en animación, aceptaron la idea, prestaron sus canciones, pero no tenían tiempo para el doblaje así que contrataron actores que tuvieran similitud a sus voces, y para suerte de todos pidieron realizar una aparición física con la que concluyera la película.

Si vemos las películas de los Beatles con ojo crítico cinematográfico, diríamos que son cintas enfocadas para los fans Beatlemaniacos, que se caracterizan por un pobre argumento y narrativa; sin embargo para la historia de la música estas cintas son importantísimas, ya que, dieron pie a que el rock fuera visto más allá de ser una expresión musical para llenar y satisfacer nuestros oídos, lograron que fuera considerado como un escape y atracción para las pantallas de cine.

Yellow Submarine, considero es la máxima expresión del estilo del cuarteto inglés y fue un completo riesgo la realización de esta cinta, basada en un guion lleno de bromas y citas a las canciones de los Beatles nos transportan a Pepperland, un lugar exótico donde la música es la reina de lugar, es el ambiente, la forma de vida y expresión de sus habitantes, hasta que llega alguien que odia la música, Blue Meanies, quienes atrapan a la Banda del Sargento Pimienta en un una burbuja de cristal y atormentan a todos los ciudadanos de Pepperland con manzanas, solo logra escaparse Old Fred quien emprende un viaje en el Submarino Amarillo para buscar ayuda.

Esta ayuda llegará nada más y nada menos que de la mano y voz de los Beatles, quienes con sus canciones y acompañados de Old Fred en el submarino amarillo visitarán 5 lugares para llegar a Pepperland y volver a traer la música y felicidad a este lugar.

La trama es sencilla sin embargo la majestuosidad y autenticidad radica en la animación, la cual nos evoca ese mundo mágico y misterioso, lleno de color que todos nos imaginamos con las canciones  de los Beatles, donde los peces vuelan, donde vive Nowhere Man, donde esta Lucy y su cielo de diamantes, un lugar donde puedes jugar con el tiempo y el espacio.

Es una atmosfera tan fumada pero tan entendible a la vez, por que la guía son las mágicas canciones que han tocado nuestra vida, esas donde no nos tienen que explicar que es un campo de fresas; lo malo es que si no te gustan los Beatles o si no sabes sus canciones no la vas a disfrutar igual ya que los diálogos se basan en las letras de las más famosas canciones.

Por Dulce


Il Postino



Es grato realizar este análisis que me permite evidenciar el uso que se puede dar a la poesía cuando no basta con expresar lo que sentimos utilizando únicamente el lenguaje cotidiano.

Il postino es un película basada en la vida de un cartero, sencillo, de pueblo, que adopta este oficio, porque no le quedaba otro remedio, que lo único que debía hacer era entregar la correspondencia a Pablo Neruda, y por añadidura conoce al amor de su vida.

Los personajes se muestran con una sencillez que cautiva desde el inicio de la película, la trama va entrelazando, en una relación entrañable al “Poeta” con el “Cartero”, de tal forma que este último que era iletrado pasa a ser un mensajero del amor utilizando la poesía de Neruda, y que además, por este motivo, sentía que estaba defraudando la confianza del escritor, por no ser honesto y confesarle que a través de sus letras pretendía conseguir el amor de una bella mujer. Los sentimientos que manejan son el amor, la amistad, la pureza y sencillez del ser humano y la entrega incondicional.

Todo con un uso artístico pleno de la expresión escrita y corporal. Considero que el objetivo de la película se consigue; convence al público, lo sensibiliza, manifiesta la importancia de la amistad verdadera e incondicional y demuestra la plenitud del amor cuando es auténtico.

Como anécdota he de manifestar que Massimo Troisi (escritor y protagonista) tenía una cirugía cardíaca programada, misma que pospuso para terminar de filmar, un día después del término de la filmación murió de un ataque cardíaco. 

Por Edith Páramo

Star Wars: Una Nueva Esperanza


“I want to learn the ways of the Force and become a Jedi like my father before me”.
Luke Skywalker


Hace 35 años, en 1977 George Lucas estrenó una película que revolucionaría por completo la forma en que se veía el cine, transformó la narrativa de las historias desde la técnica y la narrativa hasta la mercadotecnia que se desarrollaría en base a las producciones a partir de este año.

Star Wars es un filme que sufrió desde el principio, en varias ocasiones estuvo a punto de ser cancelada, incluso luego de ser estrenada, cuando la fama se había establecido para todos los involucrados, la película sufrió de acosos por parte de los inversionistas que no estaban del todo de acuerdo con la forma en que se habían manejado algunos tecnicismos, como por ejemplo el poner los créditos al final del filme, entre otras ridiculeces.

Star Wars fue la mezcla de muchas cosas, el momento preciso en el que fue desarrollada, los avances tecnológicos que presentó el filme, la magistral composición de música de orquesta para un filme de ciencia ficción, la ambiciosa idea de un director obstinado que no permitió que le manipularan su historia, la presentación de buenos actores y la presencia de un increíble mensaje. Lo gracioso es que nadie pareció entender todo esto hasta segundos antes de que iniciara el estreno.

Star Wars terminaría por convertir no solo al género, o al medio, sino a toda una generación y algunas cuantas más que le siguieron, porque siendo realistas, después de 35 años entran a cualquier tienda departamental o de supermercado y encuentra mercadotecnia de la saga, ¿qué otro filme conocen que haya logrado esto?

Pero bueno adentrándonos en la película… es muy bella, con todo y sus errores ( que George Lucas continúa tratando de eliminar con cada restreno), con su ritmo lento al principio y el audio dañado, con peleas de espadas un tanto ridículas pero emblemáticas, con todo esto y más cosas que se le pueden ir señalando, la película logró trascender en base a una sola cosa, el mensaje, el misticismo creado alrededor de la idea de que hasta un pobre granjero podría terminar matando al dragón desde sus entrañas.

Si bien es cierto que mucho del encanto recae en la creación de un mundo muy muy lejano pero no tan ajeno, formado en base a personajes emblemáticos (todos y cada uno de ellos), naves espaciales, disparos de láseres, espadas de luz y una extraña y mística fuerza que fluye a través de todas las cosas, la película logró proponer una nueva forma de realizar cine, una nueva narrativa que va cambiando a lo largo de la historia (en gran medida gracias a la extraordinaria edición) que dejó de lado los planos largos y conservadores, para implementar un filme más ágil y con cortes más rápidos.

Pero la innovación de “Una nueva esperanza”, no se limita únicamente al nivel técnico, traspasó la pantalla y en la medida en la que crecía su popularidad aumentaban las opciones de George Lucas de transformar a la industria. Desde el principio George cedió su sueldo a cambio de las ganancias producidas por la mercadotecnia, inteligente maniobra si se considera la cantidad de figuras que existen en la actualidad, y por si fuera poco, repartió las ganancias entre todos los trabajadores del filme, (un punto más que causó la molestia de los inversionistas) Pero Lucas no se detuvo ahí, gracias al éxito de su película pudo terminar de constituir Light and Magic, industria encargada de la realización de la mayoría de los efectos visuales de las películas en la actualidad, además de ser el talón para el imperio que terminaría por construir con empresas como Skywalker Sound, Lucas Arts o el registro de calidad THX. Todo a raíz del éxito de una pequeña producción que en sus inicios fue considerada como una película infantil.

Todo inicia cuando las tropas imperiales capturan una nave consular con intenciones de espionaje que a logrado interceptar planos secretos de un estación espacial poderosa, La princesa Leia, líder de la nave consular, decide lanzar los planos en la memoria de un droide hacia un planeta en las orillas de la galaxia, donde serían encontrados a la larga por un joven granjero que sueña con abandonar la vida del campo para enlistarse en las filas de la rebelión, sin saberlo sus nuevas adquisiciones lo llevaran a un nuevo mundo mas basto y lleno de aventuras.

Más adelante el filme desenvolverá tanto el misticismo emblemático construido a lo largo de toda la saga como una historia emotiva que gira en torno a la construcción de amistades en base a un fin en común.

Una película donde el bien y el mal están perfectamente identificados, donde los simbolismos son muy claros y trabajan en función del mensaje principal y el desarrollo de la historia.

Se pueden decir muchas cosas de una película como Star Wars “Una nueva esperanza”, tanto de su realización como de todo el trasfondo y todo lo que creó a partir de su estreno, sin embargo el punto más importante sigue siendo el que se genera cada persona cuando la observa. Por lo que la recomiendo muchísimo, aún si no eres fan del género o si te has generado una idea de esta saga sin haber visto el filme, y por lo mismo no puedo evitar dejar de comentar un punto de vista muy personal:

Estoy seguro, sin haberlo vivido, que la película emociona igual hoy que el día que se estrenó, todavía escucho a mi padre gritar cuando la batalla alcanza su punto climático, todavía me emociona escuchar las primeras lecciones de Luke bajo voz de Obi Wan sobre el origen de la fuerza y con mucho orgullo temí que mi casa se fuera a caer por el increíble diseño sonoro de la primera vez que Vader ahorca a un pobre incrédulo usando la fuerza.

Una nueva esperanza es un filme que ha trascendido épocas y generaciones, que sentó las bases de un verdadero imperio cinematográfico y que revolucionó la forma en que vemos y hacemos cine, y por si esto no fuera motivo suficiente para verla, la película esta bien chida.

Por Daniel

Ghost Rider 2

Ó como la mamá del hijo del diablo es tan guapa.







2012 parece ser perfecto para todos los fans de las cintas de superhéroes, por un lado la DC nos pegará con lo único que le funciona en cine (Batman) y Marvel tendrá tres producciones a lo largo del año, la primera de ellas es la segunda parte de la historia de Ghost Rider, otra Spider Man y por ultimo en abril tendrán la única producción hecha por los estudios Marvel del año, que será The Avengers.

Por supuesto con cuatro cintas el año pinta muy bien, sin embargo al no tener los derechos de sus personajes Marvel Comics tiene que terminar por darse por vencido y dejar que Sony y Paramount hagan películas para no perder lo derechos sobre algunos nombres, este es el caso que veremos con Spidey y ahora en febrero lo vivimos con Johnny Blaze mejor conocido como Ghost Rider.

Cuando se anunció la segunda producción del personaje motorizado mucha gente protesto de inmediato pues para casi todo el mundo la primera cinta fue una porquería. Pero para quien escribe esta reseña le gusto bastante, sin llegar a ser mi favorita del género. De ahí que realmente me alegro saber que estaban preparando una secuela la cual lo único que guarda de la primer entrega es el estudio que la realizo y a Nicolas Cage, no esta Eva Méndez, no esta Peter Fonda que la hizo de Mefisto, ya no esta Black Heart, ya no esta Estados Unidos y en general ningún elemento que nos marque una continuidad más que Cage.

Ghost Rider Spirit of Vengance; esta distribuida por Paramount, pero se nota que es una película independiente hecha con muy pocos recursos solamente para no perder los derechos del antihéroe, se nota un presupuesto muy limitado, se nota un cambio muy fuerte de ideas y conceptos, por ejemplo en la primera Ghost Rider habla, en esta no habla más que tres cosas en toda la cinta, la moto es muy diferente incluso pierde la calaca que debe llevar la moto.

La cinta presenta un argumento que parecería muy valido después de la historia de la primer cinta, en esta el diablo que hizo el pacto con Johnny esta débil, la forma humana que lo tiene en este mundo ya esta vieja así que busca renacer en alguien joven, para esto se aprovecha de Nadya con quien hace un pacto al igual que con el personaje de Cage y le da lo que ella quiere a cambio de tener un hijo, obviamente el hijo del diablo.

Ghost Rider debe encontrarlo a petición de unos monjes religiosos que prometen quitarle la maldición del jinete si el niño es llevado a salvo para quitarle al chamuco de a adentro. Como pueden ver el argumento no es malo es una historia bastante lógica tomando en cuenta que Ghost Rider mató en la primer cinta al hijo de Mefisto, Blackheart.

Ghost Rider Spirite of Vangance; fue llevada a la pantalla por dos directores, Mark Neveldine y Brian Taylor, de quienes no conozco nada más que esta nueva entrega del Vengador Fantasma y tenemos que aplaudirles un par de cosas que son lo más valioso de la cinta por un lado introducen a los personajes haciendo un resumen estilo anime de la primera parte y por otro la edición; tienen una narrativa estilo comic que ya se esta haciendo costumbre en el género.

Fuera de esto a muchos la cinta les va a parecer espantosa como a mis dos acompañantes quienes a mi entender determinaron su posición por el final de la película el cual no fue bien aterrizado por los directores, Ghost Rider Spirit of Vengance es una película chistosa y entretenida pero tiene el pecado de tener un final mal hecho y eso hace que te olvides de todo lo que viste una hora y media antes.

Por supuesto también tiene cosas buenas por un lado ya no vemos a Eva Mendez pero nos traen a una chica muy guapa que hace el papel de la heroína ella es Violante Placido en el papel de Nadya, quien se lleva por mucho los reflectores de la producción, el ritmo de la historia no te permite en ningún momento separar tus ojos de la pantalla ya que por la velocidad de la narrativa es imposible perderse algo sea bueno o malo, presentan personajes que no están creados en el comic y por lo tanto Paramount no recupera derechos de villanos que posteriormente podrán ser usados por Disney y finalmente lo mejor de Ghost Rider 2 es… Violante Placido.

Sin duda una película que de la que tenía muy pocas expectativas, había escuchado a la critica hacerla pedazos, pero creo que pasa mejor que otras atrocidades que he visto, en IMBD esta en 5.5, para mi saca un 6.9 de calificación es compra segura en Bluray cuando este en $99 pesos, creo que solamente la gente odia a Nicolas Cage y todo lo que haga, sin darse la oportunidad de conocer sus últimos trabajos y asumen que serán malos. Ghost Rider Spirit of Vengance nos pone al día en el mundo del comic al final dándole al personaje su flama azul, así como se ha visto en algunas ediciones de la historieta.

Vean Ghost Rider 2 en sus sistema de cable cuando salga en HBO, véanla por que vale la pena prácticamente toda menos el final de la cinta y por que hay que ver a Violante Placido la mamá del hijo de Satanás.

Por Tello

Terror en Amityville, Basadas en Hechos Reales




Basadas en Hechos Reales
Es peor cuando sabes que si pasó

Todos sabemos que existen películas que adaptan acontecimientos históricos, algunos trágicos como las películas inspiradas en guerras que la humanidad ha librado, otros despiadados que narran los acontecimientos de asesinos seriales, que realmente atormentaron a la comunidad donde vivían. Sin embargo existen filmes de terror que se inspiraron en sucesos sin explicación científica, sucesos paranormales con una historia que al estar detrás de lo que vemos en la pantalla provoca una sensación de escalofrío.

The Amityville Horror (Terror en Amityville) 1979, 2005

Una casa ubicada en el pequeño pueblo del estado de Nueva York hizo famosa a la comunidad donde se encuentra, a partir de los trágicos acontecimientos que tuvieron lugar el 13 de noviembre de 1974 a las 3:15 de la madrugada.

A las 6:30 de la tarde Ronald DeFeo Jr. de 23 años entró corriendo a un bar gritando con desesperación por ayuda, declarando que alguien había disparado a sus padres, el joven DeFeo y un grupo de hombres se apresuraron a llegar a la casa que se localizaba cerca del bar, cuando entraron al lugar encontraron a los padres del muchacho asesinados en sus camas, al recorrer los demás cuartos, encontraron que también los cuatro hermanos de Ronald habían sido asesinados mientras dormían.

Tras realizar investigaciones la policía descubrió que fue el mismo Ronald, quien había asesinando con un rifle a toda su familia, tiempo después Ronald confesó los homicidios argumentando que fue impulsado a cometerlos por una fuerza demoníaca que habitaba en el sótano de la casa, lugar donde Ronald tenía su habitación, el Joven DeFeo fue encontrado culpable y sentenciado a 6 cadenas perpetuas consecutivas.

La casa de Amityville es considerada, la casa embrujada más famosa en todo el mundo pero esto se debe a los acontecimientos que vinieron después, pasado el tiempo de los homicidios la familia Lutz se mudo a la propiedad.

Tras habitar la casa por tan solo 28 días, y ser atormentados durante todo ese tiempo por lo que ellos aseguran son espíritus demoníacos que residen en la propiedad, los Lutz salieron corriendo de la casa, dejando atrás todas sus pertenencias y jamás regresaron por ellas.

A lo largo de los años diversas investigaciones han planteado que todo el asunto fue un engaño diseñado por los Lutz para ganar fama y así poder salir de los problemas económicos que los aquejaban en ese entonces.

A pesar de todas las contradicciones que existen entre las pruebas presentadas por investigadores empeñados en desacreditar la historia de los Lutz, hay un hecho que a la fecha no ha podido ser desacreditado. Cuando el joven Ronald DeFeo asesino a su familia, recorrió cuarto por cuarto en la oscuridad de la noche disparando uno a la vez a sus hermanos y finalmente a sus padres, el asunto es, ¿Por qué si utilizo un escandaloso rifle calibre 35 para dispararles, ningún miembro de la familia se despertó tras oír el primer disparo ni los que vinieron después?

Este argumento inspiró un libro que se convirtió inmediatamente en un best seller. El cual narra  todos los tormentos demoníacos que la familia Lutz tuvo que soportar durante 28 días, antes de huir despavoridos del inmueble y a su vez inspiró un par de películas que han sido llevadas a la pantalla grande con el propósito de vender, siendo la mas fiel al asunto el filme de 1979.

Por CésaR

Chucky el Muñeco Diabólico, Basadas en Hechos Reales





Child's Play (Chucky) 1988

Este es un filme que todo mundo conoce, choteado hasta el cansancio como uno de los disfraces de halloween más populares. La historia de Chucky el muñeco diabólico comienza cuando un asesino, Charles Lee Ray es herido de muerte por la policía y en su intento de escapar transfiere su alma a un muñeco que se encuentra en una juguetería donde se resguarda del tiroteo propiciado por los agentes de la ley.

Días después este mismo muñeco cae en la manos de Andy, que es un pequeño niño que soñaba con poseer al popular juguete (como dato curioso el otro famoso niño, cuyos juguetes cobran vida en Toy Story también se llama Andy), sin embargo el terror se desencadena cuando Andy se da cuenta que el muñeco esta vivo y que su intención es vengarse de todos los que provocaron su muerte, para culminar poseyendo al niño y transferir su alma al cuerpo de Andy.

Pero lo curioso del caso que rodea a la película es que fue inspirada en sucesos reales que atormentaron a un niño a principios del siglo XX en Florida, Robert Eugene Otto quien creció para ser un excéntrico y trastornado artista envuelto en una diabólica historia, recibió cuando era niño, un muñeco hecho a mano, el niño inmediatamente se enamoró del juguete y lo llamó igual que él, Robert el muñeco, al pasar el tiempo, los padres de Eugene notaron que el niño se pasaba el tiempo platicando únicamente con Robert, se hicieron amigos inseparables, pero fue entonces cuando extraños acontecimientos tuvieron lugar en la casa, objetos que salían volando y se rompían al estrellarse contra las paredes, a lo que Eugene argumentaba “fue Robert mamá”.

Al Pasar de los años Eugene ahora como adulto se convirtió en un pintor destacado de la comunidad, pero siempre argumento que su talento se lo debía a Robert el muñeco, todas sus obras las hizo a puerta cerrada contando solo con la compañía del juguete, cuando Eugene contrajo nupcias con su novia Anne, inmediatamente le presentó a la fuente de su inspiración, el muñeco Robert.

Sin embargo a su esposa desde el principio le causó cierto sentimiento de escalofrío, obligando a Eugene a encerrar al muñeco en el ático de la casa; pasó el tiempo y Eugene cambiaba paulatinamente su carácter, argumentando que a Robert no le gustaba estar en el ático y que se enojaba cada vez más de estar ahí, así que a pesar de la molestia de sus esposa Eugene mudo a Robert al cuarto de visitas, donde los vecinos que podían ver el interior del cuarto, en mas de una ocasión notaron al muñeco moverse de ventana en ventana siguiendo con la vista a sus hijos que iban a la escuela.

Tras varios acontecimientos por el estilo hay dos que fueron atestiguados por otras personas, en una ocasión un plomero fue a arreglar las tuberías, trabajando en el cuarto donde se encontraba el muñeco, este se levanto de donde estaba y se acerco al plomero burlándose de él con una risa propia de un niño pequeño, el trabajador salio despavorido de la casa.

Años después que Eugene murió la casa fue comprada por una familia con una niña pequeña, la niña encontró al muñeco que estaba arrumbado en el ático, la niña pasó todo ese día platicando con Robert, pero al llegar la noche el muñeco que estaba acostado junto a ella se levando de la cama, lo que provoco que la pequeña niña gritara de pánico, los padres corrieron a su auxilio, topándose con la puerta del cuarto cerrada y trabada, después del acontecimiento la niña explicó que fue el muñeco Robert quien trabó la puerta y que se reincorporó en la cama para intentar matarla.

Actualmente Robert el muñeco se encuentra en un museo en Florida, aún hoy en día los trabajadores del museo aseguran que el muñeco esta poseído y que en varias ocasiones lo han visto moverse, y si cualquiera de los visitantes al museo desean tomarse una foto con Robert primero deben pedirle permiso y esperar a que este les de su autorización moviendo la cabeza, ya que de lo contrario cosas malas pasaran en su casa.

Sea o no real estos acontecimientos la verdad es que le dan un sabor extra a las películas que tanto nos fascinan a todos y de cierta forma me dejan pensando, ¿Por qué en lugar de hacer películas medianamente palomeras no se dedicaron a contar la historia tal cual pasó, tal y como lo hizo William Friedkin en El Exorcista?

Por CésaR

The Hunger Games


“I just keep wishing I could think of a way to show them that they don't own me. If I'm gonna die, I wanna still be me.”
Peeta.



Los humanos somos los seres más extraordinarios, únicos, inteligentes y complicados que existen en este planeta, sin embargo el egoísmo corre entre nosotros como la sangre que nos da vida, somos los únicos responsables de nuestra destrucción y la destrucción de nuestro planeta; conjuntando estos conceptos, la autora Suzanne Collins, tuvo una brillante idea.

Las noticias de la guerra, el reality show survivor y contar con un padre en la Fuerza Aérea, hicieron que en la cabeza de está autora se gestará una de las historias y sagas literarias más importantes de los últimos años, HUNGER GAMES.

Los Juegos del Hambre, cuentan una historia inimaginable pero muy creíble, de acuerdo a la narración, dentro de unos años la tierra cambiará como consecuencia de nuestros propios actos, Estados Unidos desaparecerá como lo conocemos, esa región será conocida como Panem, la cual estará compuesta por 12 distritos que en conjunto trabajarán para mantener “la paz”, unión y vida entre las personas. Pero como todo existirán intereses y gobernantes que busquen proteger sus intereses, esto llevará a que los distritos se rebelen.

El primero de los libros de está saga literaria nos plantea ese futuro, pero la trama no termina ahí, derivado de una rebelión fallida los distritos se verán “castigados” y como consecuencia de estos actos y como recordatorio para todos los habitantes, se crea un programa televisivo llamado Hunger Games, donde participa un chavo y una chava de entre 12 y 18 años por cada uno de los distritos, de esos 24 participantes solo 1 saldrá con vida.

Katniss Everdeen es una de las participantes de estos juegos y es la gran protagonista de este mundo futurista, es una heroína, una mujer que la misma vida la ha transformado en una guerrera que combate con arco, flechas y palabras su vida, creencias pero sobre todo a sus seres queridos, en ella radica la esperanza al cambio y el gran mensaje de esta historia.

Debo admitir que soy fan del libro y es que como no serlo, a mi muy particular punto de vista, su éxito radica, a diferencia de otras sagas literarias adolescentes con las que se compara (Harry Potter y Crepúsculo), en que la historia es algo que bien podría suceder en nuestra realidad, tenemos una protagonista que vive en un mundo como el nuestro, que su mayor arma es ella misma y no requiere de un guapo galán que venga a cambiarle la vida, ella puede sola, una historia en la que por  fin no hay dama en apuros.

Estas sagas literarias exitosas en letras son adquiridas por los estudios esperando tener las mismas ventas en pantalla,  por lo general no importa el resultado de la cinta, es un éxito seguro pues los fans se mueren de ganas por ver ese mundo más tangible; para mi estas adaptaciones no han sido más que decepciones, en verdad sufría en pensar el resultado de Hunger Games, una historia que me atrapo y envolvió, pero he de confesar que me encanto la película (utilizó esta palabra por que la merece).

El tema que trata es embriagador, si pensamos en la cantidad de basura que la gente crea en estos días para que veamos la televisión, podemos pensar que no está lejos el día en que algún loco productor se le ocurra recurrir a este tipo de morbo solo por vender y convertir a las personas en una vil carne para sacar billetes verdes.

La visión que tuvo la autora, Suzanne Collins, fue trasladada de una forma magistral por el director Gary Ross, quien tal parece corrigió todo lo que ha llevado al fracaso a las adaptaciones de sagas literarias adolescentes; para empezar supo buscar a una gran actriz, Jennifer Lawrence, que si bien cuenta con una pequeña carrera en el cine, ha demostrado ser una gran interprete y estrella haciendo que cada uno de sus trabajos sea memorable para la historia del cine.

Los personajes secundarios fueron elegidos a la perfección haciendo un balance estratégico entre grandes actores consolidados, como Stanley Tucci, Woody Harrelson, Donald Sutherland y actores jóvenes que buscan consolidarse como Liam Hemsworth y Josh Hutcherson.

La película es una adaptación que le hace justicia al libro y honra a los ojos de los fanáticos, por que además de agradar, supera todas las expectativas que se puedan tener, tiene su propio ritmo, se adueña del texto y lo convierte a un lenguaje visual que no deja fuera ningún detalle y que si bien tiene algunos cambios son tan bien llevados que los adoptas a ese mundo de los juegos del hambre.

Haciendo a un lado el extraordinario reparto elegido para está cinta, grandes elogios se lleva el departamento de arte, creando vestuarios, maquillajes, escenarios, colores y artículos que adaptan una realidad a un mundo futuro; otro gran acierto es la música, te envuelve y transporta logrando ponerte los nervios de punta y al siguiente instante relajarte.

La adaptación fílmica de los Juegos del Hambre cumple con creces la difícil tarea que es complacer a los fanáticos  de una saga literaria, pero no se queda ahí, va más allá, es capas de inyectar en los espectadores la curiosidad de acercarse a los libros y conocer más acerca de esta posible ventana a un futuro loco pero que bien podríamos ser parte de él. No dejen de ver Hunger Games por que les puedo asegurar que querrán más de esta adictiva saga, además que gozarán de una película muy bien realizada y con un buen mensaje.  

Por Dulce