viernes, 15 de julio de 2011

Trailer de PIRATES! BAND OF MISFITS




Aardman, el estudio que nos trajo las aventuras de WALLACE Y GROMIT y POLLITOS EN FUGA, presenta el trailer de su nueva película: PIRATES! BAND OF MISFITS.


martes, 12 de julio de 2011

JUAN DE LOS MUERTOS: ¡ZOMBIES EN LA HABANA!




Desde Cuba nos presumen la primer película de zombies filmada en esa bella isla: JUAN DE LOS MUERTOS. Una coproducción cubano-española, dirigida por Alejandro Brugués.



Para más diversión zombífica, dense una vuelta por el SITIO OFICIAL.

Como verán, esta película pertenece a ese curioso sub-género que es el cine de comedia terrorífica, o de terror cómico, como prefieran llamarle. La referencia mas obvia es Shaun of the dead, aunque a mi también me recordó a aquel otro clásico del cine cubano: VAMPIROS EN LA HABANA.



Parece que los cubanos tienen algo de fascinación con las criaturas terroríficas.

lunes, 11 de julio de 2011

Trailer de DON GATO Y SU PANDILLA, la película.







Este es el trailer de la película de DON GATO Y SU PANDILLA, hecha por ÁNIMA ESTUDIOS e ILLUSION STUDIOS para los cines de Latinoamérica. A mi, en lo personal, lo que sale en este trailer me recuerda más a la serie animada del CHAVO DEL OCHO que al DON GATO original, Pero mejor esperemos a ver la película para dar una opinión completa. A ver que les parece el avance. DON GATO se estrena en Septiembre de este año en tierras mexicanas.








viernes, 8 de julio de 2011

Avance de LES CONTES DE LA NUIT de MICHEL OCELOT




En la edición de este año del Festival  de Cine Fantástico de SITGES se exhibirá la nueva película de MICHEL OCELOT, director de KIRIKOU Y LA HECHICERA. Esta lleva por nombre LES CONTES DE LA NUIT y estará exhibida en fabuloso 3D.  ¡Por fin una película en 3D que si me entusiasma ver! 


Les Contes de la Nuit en 3D (Michel Ocelot) -... por studiocanal

LES CONTES DE LA NUIT ya fue exhibida en el pasado Festival de cine de Berlín, donde los consagrados directores WERNER HERZOG y WIM WENDERS también presentaron sus más recientes producciones realizadas en 3D. Parece ser que esta nueva tecnología está empezando a ganar terreno fuera del circuito del cine comercial veraniego.

Por Abel.

miércoles, 6 de julio de 2011

DOS HORAS DE BALAZOS: Cine de arte mexicano

Masiosare se fue con un amigo a la Cineteca a ver una película mexicana de la nueva ola. ¿Estuvo buena? Véanlo ustedes mism@s.

Por Abel.

lunes, 4 de julio de 2011

Los Ojos de Julia


Oscuridad total y así empieza, imaginen que son ciegos, pero no nacieron así, se volvieron ciegos casi de un día para el otro, con un aterrador aviso de que iban perdiendo la vista poco a poco. Ahora imaginen que quieren hacer un película que transmita este sentimiento y que al mismo tiempo envuelva al espectador en una pesadilla de incertidumbre y desesperanza, por no poder ver la verdad detrás de la misteriosa muerte de un ser querido, y perder la credibilidad de todos los que te rodean y al mismo tiempo la fe todos a los que quieres.

Este es el más grande de una serie de aciertos detrás de “los Ojos de Julia”, pero no me quiero quedar con solo esa apertura de misterio y la amplia recomendación para que todos vean este reencuentro con un subgénero de terror muy al estilo del maestro Darío Argento.

Guillem Morales (director) nos presenta su segundo largometraje en lo que yo alabo como una sublime película, que juega con los más oscuros miedos psicológicos que cualquiera de nosotros posee y los plasma en casi dos horas de penumbra y desolación, la película es un ejemplo de un maquiavélico juego publicitario manejado desde un concepto diferente, que puede provocar en las personas que posteriormente son atraídas a ver el filme, pensando que van a ver cierto tema y cierta historia, pero que termina siendo una cosa totalmente diferente. Pero saben que, incluso desde ahí, Guillem estaba en lo correcto

El filme se desarrolla con un sombrío y muy conocido estilo de lenguaje cinematográfico de terror que en los últimos años se ha puesto mucho a la vanguardia, siendo un recurso que a veces funciona pero a veces nos decepciona tanto que queremos la devolución de nuestro dinero. Pero sin profundizar más en esa sorpresa creativa tengo que decir que es excelente, como al pasar los minutos y esperar ver algo familiar en la trama, la historia se desarrolla tan sutilmente por otro camino que cuando llegamos al clímax absolutamente nada nos decepciona.

Me voy a ir por un aspecto diferente, al que estamos acostumbrados al leer críticas u opiniones cinematográficas, la imagen: del fotógrafo Sergi Bartrolí (clara influencia italiana) y seguramente la directora de arte Rosa Ros nos cautivan al trasmitirnos con puras imágenes la sensación de la ceguera. La película con el guión y las actuaciones se sostiene por sí sola, pero si a esta mezcla ganadora le agregamos el manejo de la luz, de las texturas, del color y de ese filtro inspirado en el cine del expresionismo alemán, nos meten en una verdadera angustia.

Es increíble como todo ese juego de claro-oscuros, lámparas que no nos dejan ver nada y sombras que se mueven solas nos hacen cuestionarnos continuamente. ¿Que hay ahí cuando se va la luz y que hacemos si esta regresa y de todos modos no vemos nada? el sonido. Que increíble pero en otro aspecto narrativo se maneja este concepto tan primario para todos como un lenguaje divergente a lo que estamos viendo en pantalla, y es otro aspecto que te deja en esa misma sensación, ya que durante el desarrollo del misterio, increíblemente el sonido se utiliza como lo utilizamos en un día cotidiano, para ubicar las cosas, y ahora se estarán preguntando ¿Cómo funciona eso?

Pues si, otro gran acierto del filme es que primero con la presentación las imágenes, en planos un poco lentos y repetitivos, dejan que nuestra mente se familiarice con el entorno donde se mueven los personajes, y después cuando caemos con ellos en las tinieblas, es el sonido el que llega para rescatarnos y decirnos donde está el monstruo que ha venido a matarnos.

No hay más que decir, que después de un gran final y no podíamos esperar nada mejor, todavía nos regalan un carismático cierre con broche de oro y me dejó pensando después de ver el filme: “¡Qué bueno que vi esta película sin saber absolutamente nada de ella!”; así es como se debe ver el cine.

por CésaR

Taxidermia


Se define del griego como: "arreglo o colocación de la piel en su sitio " como el arte de disecar animales para conservarlos con apariencia de vivos y facilitar así su exposición estudio y conservación.

-ADVERTENCIA: lo que van a leer a continuación es una gran sátira obscena sobre la película Taxidermia, escrita con el afán de desestresar mi organismo, sobre todo mi estomago, de las imágenes mentales plasmadas en mi cerebro, provocadas después de haber visto esta peculiar obra del cine Austriaco-Húngaro. También quiero mencionar que siempre he sido de la idea de no contar las películas cuando hablo de ellas, pero inevitablemente para desahogarme con ustedes y contagiarles un poco del asco que me origino el filme, esta vez si voy a comentarles mas sobre las peculiares características de los pintorescos personajes de esta fábula fílmica. Léase bajo su propio riesgo-

Para empezar antes de verla quería incluirla en nuestra sección de terror, pero después de verla de verdad no supe que hacer con ella, así que al final quedo en el Botadero; pero bueno, fuera de la magna exposición de imágenes bizarras que tuve que fletarme para poder llegar a los títulos del final, no sabia si comentarla como algo curioso en nuestro programa de radio, o mantenerla en algún oscuro rincón de mi mente, solo motivada a ser usada como recuerdo para causarme nauseas en el supuesto y lejano caso de que necesite provocarme el vomito por haber ingerido alimentos envenenados por algún espía rival en una de mis tantas aventuras en busca del Santo Grial.

Yo soy de la convicción de que el cine nos ayuda a reflejar quienes somos como individuos, sociedad, cultura, país; y pues cuando pienso que ciertas experiencias son las que motivan a un cineasta a realizar su proyecto fílmico, me pregunto, pero que diablos le pasó a Lajos Parti Nagy (escritor de las historias originales que inspiraron este filme).

Taxidermia es la historia de tres generaciones de una familia que aparentemente se pavonean con su peculiar característica que es: definirse como cerdos, todo a raíz de que el personaje principal de la primera narración, un morboso soldado que gusta de jugar con su miembro y fantasear con las bellas jóvenes desnudas que habitan en la granja que custodia, provocando el origen de un futuro familiar mórbido y asqueroso. Una característica peculiar de este personaje es que tiene la capacidad de expulsar fuego por el pene.

Pero así nos movemos a la siguiente línea generacional, donde el autor de esta peculiar pieza narrativa, nos muestra otro aspecto de nuestro querido hermano animal: el marrano. Un hombre gordo nacido de las grotescas fantasías de nuestro primer personaje, da lugar a la parte mas asquerosa del filme de principio a fin esta historia nos muestra, la repugnante familiaridad que tenemos con los puercos, ya que nuestro personaje principal, es una especie de pseudo atleta que lucha por obtener un lugar en el asqueroso deporte de tragar comida mas rápido que los demás (no se si esto tenga nombre pero creo que es un espectáculo muy popular en las clásicas ferias del campo) y así lograr con sus repugnantes victorias conquistar el amor de su musa inspiracional, otra señora muy gorda que es la campeona del mundo en la división femenil de tragar comida como un cerdo.

Tras esa fortuita relación entre dos pesos pesados, se genera al personaje menos obsceno de la película, al cual aun que no lo crean es cuya historia vale mucho la pena ver, hijo del engendro atleta de comida “rápida” y nieto de un morboso voyeurista, llegamos a la tercera y última historia, la de Balatony Lajoska un taxidermista, que vive en completa desolación al enclaustrar su vida por tener que cuidar a su deforme padre (el hombre gordo de la historia anterior) el cual vive enclaustrado en una silla, que no se como aguanta su peso, con un agujero en la parte donde va el trasero para que así pueda evacuar sus necesidades corpóreas.

Balatony no tiene mas remedio que cuidar de este porcino pseudo humano al que llama papá y sus horripilantes gatos, todo esto provoca que nuestro personaje viva trastornado y reprimido al pasar por la vida como una sombra que nadie quiere ver, pero que sin embargo cierra el final del filme con lo que tal vez a muchos que tengan la oportunidad y estomago para verlo, les parezca la historia con las escenas mas horripilantes, pero en realidad para mi, fueron las mas espectaculares y mas artísticas, aquí es donde todo vale la pena, ya que no puedo dejar de mencionar que el final es espectacular; tras todo el martirio que György Pálfi (director) te hace pasar en un principio, aquí es donde esta grotesca fábula contemporánea, cierra como el mas puro cuento de hadas, una obra de arte.


por CésaR

El Luchador


Estamos frente al regreso descomunal del hijo pródigo de Hollywood, Mickey Rourke, quien vuelve a la pantalla con una extraordinaria actuación, en este caso bajo la dirección de Darren Aronofsky, una vez más y previo a la aclamada cinta “El cisne negro”(2010) Darren deja el peso de toda la película sobre los hombros del actor principal y Rourke la concluye de muy buena forma presentándonos el lado sensible de un hombre por demás rudo.

La fotografía es muy al estilo del director, con emplazamientos largos, mucho movimiento de cámara, y cortes bruscos, pero funcionales, la música es una selección de rock de los ochentas muy bien aplicada haciendo alusión a la nostalgia de otros tiempos, el score corre a manos de Clint Mansell quien ya es un elemento indispensable en las películas de Darren; y con una edición por demás funcional.

La película se basa en las emociones de sus personajes y principalmente en las de Randy (protagonista), es un continuo vaivén de conflictos emocionales por parte de todos los relacionados que no permite descubrir el desenlace hasta que está sucediendo.

Aunque la trama es bastante sencilla: un luchador que se niega a abandonar el ring se encuentra en la encrucijada de su vida cuando un ataque cardiaco lo hace valorar las cosas realmente importantes. La puesta en cámara y la dirección actoral es sorprendente, por lo general este tipo de historias están manejadas para llegar profundo en el espectador y arraigarse en sus emociones, este caso no es la excepción y aunque no cuenta con los efectos digitales de “el cisne” (película que maneja el mismo tema pero desde el punto de vista de una mujer) no hacen mella en la historia ni en la narrativa ya que en el caso de “El luchador” la película fluye de forma natural y cada una de las acciones de los personajes va ligada a la anterior, sin embargo es la fuerza del protagonista y sus convicciones lo que terminan dándole al filme ese pequeño detalle que hace trascender.
En palabras del propio director “El luchador” y “El cisne negro” son la misma película o dos partes de una sola producción ya que cuentan la misma historia pero desde puntos diferentes.

Destacable también es la actuación de Marisa Tomei en el papel de Cassidy (coprotagonista de Rourke) una stripper que forma lazos sentimentales con Randy, con gran peso en pantalla y a pesar de que su personaje funciona de forma complementaria al de Rourke, Marisa logra una muy buena interpretación a pesar de realizar un papel difícil para cualquier mujer, al tener que mostrarse desnuda tanto física como emocionalmente a lo largo de toda la película, y aún así mantener un personaje fuerte y centrado que no disminuye a lo largo del filme.

La película es muy recomendable, un ejemplo de cómo deberían de ser trabajadas las películas de drama, sin exageraciones actorales y enalteciendo emociones muy humanas.

Si viste “El cisne negro” y te gustó no te puedes perder “El luchador”.

por Daniel

12 hombres en pugna


No digo que sea inocente, solo me pregunto ¿por qué están tan decididos a condenarlo culpable?…

Esta película no es de arte, es una muy buena producción de la Metro Goldwyn Mayer, sin embargo como no tenemos espacio para esas películas de antaño que perduran por su buena historia, excelente mensaje y producción impecable, a manera de queja he decidido abogar por darle un espacio en la revista a “Doce hombres en pugna”(1957), y lo he conseguido.

La película es bastante sencilla, un jurado de doce hombres debe de decidir si condena a muerte a un joven de dieciocho años por asesinar a su padre clavándole una navaja en el pecho, el veredicto, como lo dicta la ley, debe de ser unánime.

Once están dispuestos a declararlo culpable, pero uno (Henry fonda) se toma un poco más de tiempo para pensar el asunto antes de terminar con la vida del joven y decide sostener la idea de que es inocente.

La película dura hora y media, es una sola locación, son solo doce actores y solo se plantea un problema a lo largo de todo el filme, la película no es buena, es buenísima, te mantiene expectante en todo el momento, la tensión va en aumento, y a pesar de querer mantener el decoro es imposible verla sin soltar un grito de exclamación triunfal en una que otra escena mientras el misterio va siendo desenvuelto.

La película es muy humana y así está desarrollada, al carecer por completo de muchos escenarios o una musicalización exuberante, se centra por completo en las interpretaciones actorales que a su vez se basan en emociones muy comunes que se mantienen a flor de piel a lo largo de todo el filme.

Cabe destacar el complicado pero muy bien desarrollado trabajo realizado por Henry Fonda, a pesar de que en su papel recaía el peso de que la trama se sintiera real y la complicación de ser el personaje con más facilidad a malinterpretarse, es obvio desde el principio que el trabajo del actor será guiado de manera magistral con rectitud sobre una muy delgada línea que divide lo ridículo de lo absurdo y poco creíble.

Pero sin lugar a dudas lo mejor de esta película y lo más trabajado es el guión, si estás cansado de ver películas que no llevan a ningún lado, o te confundes cada vez que dicen que el guión era basura sobre una película que tú enalteces, te recomiendo mucho ver “Doce hombres en pugna”.

Los personajes a pesar de carecer de historia (o incluso de nombre) están muy bien definidos, ninguno sobra y todos aportan un punto de vista distinto a la trama (unos con más peso que otros), los diálogos son atinados y certeros, ninguno se siente falso, ninguno es de índole explicativo (como sucede cada vez más en las producciones Hollywoodenses) e incluso hay varios comentarios que manejan un trasfondo un tanto difícil de descifrar.

Doce hombres en pugna es un claro ejemplo de cómo debe ser trabajado un guión y una extraordinaria película que a pesar de tener más de cincuenta años es recomendable a ver cualquier buen día de estos.

por Daniel

Hasta los huesos


En México existen muchas tradiciones mi favorita de todas es el día de muertos, poner veladoras, adornos con papel picado, el olor de la flor de cempazuchitl, y ofrendar a los muertos. Me gusta que en este país exista la educación de la muerte y que no la veamos como algo malo, que nos aterre robando el deseo de vivir; Al contrario me parece que hasta jugamos con ello, los mexicanos sabemos ponerle un sabor picante a todo y en el tema de la muerte creo que es el mejor sazón el que se le da en mi país… que escriba quien quiere ser leído

Es increíble como en 11 minutos, el director René Castillo logró moldear y colorear un tema como la muerte, expresando perfectamente el sentimiento, y la tradición sin dejar atrás la cultura ni el arte, “Hasta los Huesos” es el nombre del cortometraje de animación en stop motion, que presenta un diseño de personajes muy bueno e identificable para el espectador, la fotografía, el texto y la ambientación conducen por un tema en el que el director plasma perfectamente el sentimiento y respeto que le tenemos a la muerte, de entrada en la cultura mexicana la consideramos un personaje prácticamente vivo que te mata, no es malo, pero hay que respetarlo y en lo particular en éste corto canta precioso bajo la voz de Eugenia León.

México tiene colores, tiene mujeres, vestidos, música, llanto pero sobre todo fiesta y esa “cosa” a la que le llamo magia, que te envuelve y te nacionaliza, tiene ¡tanto sabor!, pero sobre todas las cosas que pueda enumerar tiene vida y la tiene más allá de la muerte, esto es justo de lo que se trata el corto, el deceso de un mexicano que es recibido en un nuevo escenario, por calacas sonrientes y felices, así como por un pequeño gusanito, no tarda en tener amigos y ser el nuevo galán de la cantina, el hombre debe ingerir al gusanito quien se encargará de dejarlo hasta los huesos, sin embargo él se siente perturbado al entender cómo es el mundo de los muertos, pero después de compartir un baile con la hermosa Catrina, queda convencido de que morir no es tan malo...

por Mónica

The Secrets of Kells


El libro de Kells es un antiguo manuscrito celta que contiene los cuatro evangelios del Nuevo Testamento. Por sus detalladas ilustraciones y caligrafía, es considerado uno de los máximos ejemplos del Arte Insular. Es un tesoro nacional para la nación de Irlanda y parte profunda de su folklore.

EL SECRETO DE KELLS es una película animada del año 2010, producida por el estudio CARTOON SALOON y cuenta una historia inspirada en la creación de este libro.

Brendan es un monje de escasos 12 años que vive en el poblado de Kells. Su tío, el Abad Cellach, obsesionado con una posible invasión de los vikingos, manda construir una muralla alrededor del pueblo para evitar el ataque inminente. Todos los pobladores deben trabajar en la construcción y no les es permitido salir por ningún motivo mientras el peligro esté latente. Un día, Llega un misterioso monje a Kells.

Resulta ser Aidan, el último ilustrador del Libro de Iona, un legendario manuscrito que ya entonces tiene la fama de ser el más asombroso que se haya hecho. Sin embargo, el libro no está terminado, y el viejo monje refugiado en Kells pide ayuda a Brendan para terminarlo. Aunque para lograrlo, Brendan tiene que internarse en el bosque y buscar los materiales necesarios. Ante la posibilidad de ser el destinado a terminar el legendario libro, Brendan tendrá que hacer frente a la severidad de su tío, al acecho de los guerreros vikingos y a un ser oscuro que ronda el bosque en busca de almas para devorar. Sus aliados son una pequeña gata y un hada llamada Aisling, que pronto se hace su amiga y lo guía a través de los parajes más ocultos del bosque.

La primera impresión que da EL SECRETO DE KELLS es de ser una película visualmente hermosa, que lo mismo rinde homenaje al arte folklórico celta que al estilizado dibujo de las caricaturas contemporáneas. Es un verdadero festín visual que te deja boquiabierto. No es de sorprender que el director TOMM MOORE declare que se tardaron más de diez años en desarrollar el proyecto completo.

Pero más allá de eso, es una historia sobre el salto de la infancia a la madurez. Brendan se niega a heredar los miedos de sus ancestros para lograr un bien más alto. Es una historia de valentía, fe y hasta de tolerancia: Es cierto que el héroe es un monje católico, pero se atreve a llevar su fe más allá de los dogmas y a encontrar la amistad en las criaturas del bosque a las que su tío no baja de tonterías paganas.

Como suele suceder en las producciones animadas europeas, esta película sigue una línea narrativa muy diferente a las norteamericanas. Aquí no hay un “malo” como tal sino los peligros de la propia vida rodeando a los héroes, desde el peligro humano de la Guerra, hasta los peligros naturales del bosque. Además de sus propios peligros personales: El miedo de Brendan que siempre le han inculcado, La obsesión del Abad por controlar a todo el pueblo con tal de protegerlo del exterior, la impotencia del Viejo monje Aidan al saber que tal vez no vivirá para ver concluida su obra.

Lo más importante, esta historia podrá estar llena de elementos fantásticos, pero tiene un desarrollo cien por ciento real. Estos personajes no enfrentan a los villanos con canciones pegajosas y chistoretes anacrónicos. Lo mismo fallan, se enojan, aman, luchan contra el mal -el de afuera y el de dentro de sus corazones- y lo más asombroso, envejecen. Son unos personajes que a pesar de ser animados resultan sumamente reales. EL SECRETO DE KELLS es maravillosa. Es una carta de amor al pasado celta y a las tradiciones de la nación irlandesa, pero sobre todo, es una fábula sobre el amor que no solo sobrepasa al entendimiento, sino también al tiempo... y a las murallas que la humanidad construye al rededor de sí misma.

por Abel

Mike Judge


Hace mucho tiempo, en un barrio de Texas muy, muy lejano, existieron dos adolescentes, feos de pies a cabeza y tontos a más no poder, llamados Beavis y Butt Head. Detrás de su humor simplón se ocultaba una sátira feroz de la sociedad gringa, y el hombre detrás de este ácido show pionero responde al nombre de Mike Judge.

Mike nació en Ecuador, pero desde chico fue criado en el corazón de los Estados Unidos, en Nuevo México. Estudió la carrera de físico pero su pasión por las caricaturas lo llevó a explorar de manera autodidacta el mundo de la animación.

En su etapa de la prepa sufrió las bromas pesadas de sus compañeros de clase. Según cuenta, eran chavos ineptos, simplones y amantes del rock pesado, que se creían la gran cosa. Años después, tomaría venganza usándolos como inspiración para crear a Beavis y Butt-head.

El piloto del show, FROG BASEBALL, salió al aire en la barra de animación de MTV en 1992 y fue un éxito. Hoy en día, la trama de este piloto parecería demasiado cruel: Beavis y Butt Head se aburren tanto que salen al campo y se ponen a golpear ranas con un bat de beisbol. La sátira social de Beavis y Butt head es despiadada. Son los adolescentes irresponsables a los que ningún adulto puede controlar, por el simple hecho de que los adultos que los rodean son tan inmaduros como ellos.

La serie tuvo una fabulosa corrida de 1993 a 1997, concluyendo espectacularmente con un largometraje: BEAVIS AND BUTT HEAD DO AMERICA, y que además fue el debut en pantalla grande de Mike Judge. Es un raro caso en el que una película inspirada en una serie animada resulta superior al producto original. B&BDA es una comedia de equívocos donde el par de tontos salen a buscar al tipo que les robó la televisión y terminan involucrándose con criminales, siendo perseguidos por el FBI y poniendo la seguridad nacional de los Estados Unidos al borde del colapso, todo sin darse cuenta de absolutamente nada.

Ese mismo año, Judge dio por terminado el primer ciclo de Beavis y Butt head y comenzó un proyecto radicalmente distinto: una serie de humor costumbrista ambientado en Texas llamada King of the Hill, que en la televisión nacional fue traducida como Los reyes de la colina. Hank Hill (o Hector Reyes en español) es un conservador padre de familia que narra sus batallas diarias para mantener unidos a los suyos mientras le hace frente a la vida de asalariado.

En 1999, siguiendo con su tradición de satirizar el "american way of life", Judge dirige OFFICE SPACE. Esta película tiene una premisa muy cercana a mucha gente pero que por alguna extraña razón casi no se había explorado en el cine: es la historia de unos empleados de oficina que se aburren de su trabajo y de los abusos de su jefe. Su aventura empieza cuando planean como sacarle un dinero extra a la compañía y por error acaban cometiendo un fraude multimillonario.

El estilo de Judge, al contrario de lo que se podría pensar después de ver a Beavis y Butt head, es muy sutil y nada simple. La comedia sale de las situaciones absurdas en los que los personajes se ven envueltos. Son tipos comunes en situaciones sumamente ordinarias, esperando salir de la mediocridad que los rodea aunque sin atinarle nunca a como lograrlo.

En 2006, Judge dirige IDIOCRACY, una fábula que cuenta como sería el mundo si la gente más tonta lo conquistara. Ésta película fue injustamente olvidada en las salas y padeció de una pésima campaña publicitaria, probablemente porque la FOX no supo bien a bien a que publico dirigirla. Sin embargo, hoy, al igual que OFFICE SPACE, es una cinta de culto.

Su último proyecto lleva por nombre EXTRACT, y cuenta las desventuras del jefe de una fábrica de miel al tratar de que su negocio no se venga a pique tras el accidente casi fatal que sufre uno de sus empleados.

A la par de sus creaciones de cine y televisión, Judge fundó en 2003 un festival de animación independiente: THE ANIMATION SHOW, que recorre la Unión Americana presentando lo mejor de la producción indie de todo el mundo.

Judge es capaz de encontrar la comicidad en las cosas más mundanas. Su tipo de humor no es tan agradable para cualquier tipo de público, pero tiene el valor de atreverse a explorar terrenos que muchas veces no se ven en el cine. Sus personajes no son James Bond ni Neo, ni siquiera son el novio iracundo de IRREVERSIBLE o el muchacho junkie de REQUIEM POR UN SUEÑO. Son la gente más común que uno se pueda encontrar en el amplio suelo norteamericano. Son los que se levantan con mal aliento los domingos en la mañana y les salen ronchas con el sol. Son los chamacos ineptos que se ríen de cualquier tontería y los trabajadores sin rostro que hacen mover la economía de su país sentadotes en sus cubiculos aporreando teclas todo el día. Me atrevería a decir que Mike Judge y su carnaval de gente corriente son ya un icono más de la cultura gringa, junto con el Tio Sam y los predicadores gritones de las mega iglesias Texanas.

por Abel

X - Men first School


Mutantes; el siguiente paso en la evolución del hombre, una raza la cual para la gente que nos gusta la ciencia ficción ha estado presente desde los años 60´s cuando el gran Stan Lee creó un grupo de súper héroes basados en cinco jóvenes con poderes especiales que habían surgido por la mutación que ha habido en el mundo por distintas cuestiones como la radiación u otras calamidades que el humano ha hecho, el equipo que vimos en aquel X-Men 1 eran Cíclope, Marvel Girl, Ice Man, Ángel y Bestia liderados por el Profesor X el mutante telépata más poderoso del planeta, ese fue el primer equipo en los comics fue la verdadera First Class.

Hoy estamos ante una nueva película de los personajes de Marvel Comics, es la cuarta de la franquicia que comenzó en el 2000 con X-Men dirigida por Brian Singer quien se encargo de dirigir la parte dos de la historia y que abandonó la saga en la tercera entrega, para X-Men Primera Generación Brian regresa y lo hace como productor, se nota mucho que es fan de los mutantes hace mucho por una saga que ha proyectado a los personajes haciéndolos llegar a un público que nunca ha comprado un comic, un público que se enamoro de Wolverine o Jean Grey gracias a su manera de adaptar historias, en la cuarta cinta repite la formula de tener un villano temible como lo es Magneto y un héroe inteligente, simpático y adaptado a su personaje de papel como lo es el Profesor Xavier.

Por supuesto la baraja de mutantes para ocupar en cada cinta va a ser infinita pues la Fox tiene los derechos sobre los mutantes, (los cuales Disney debe de estar planeando comprar en cualquier momento por una cantidad de billetes exorbitante), el productor puede escoger personajes creados en los 60´s hasta nuestros días, es el caso de los que aparecen en X-Men First Class por un lado tenemos a los buenos en donde aparece Banshee, Havok, Mystique y Bestia, en los villanos a un malvado Azazel que estaba muerto en las historietas desde los 70´s, Emma Frost quien actualmente es parte de los X-Men en el universo de la historieta y Sebastian Shaw uno de los villanos clásicos de los mutantes.

El argumento esta basado en la amistad tan grande que existe entre Magneto Y Charles Xavier, una amistad que nace por que ambos quieren poner a un grupo de mutantes para poder vencer las diferentes amenazas que aparecen en el mundo, por supuesto Magneto como buen villano tiene sus propios intereses y planea ocupar la plataforma que significaría estar en la CIA para poder derrotar a Sebastian quien en la época de la segunda guerra mundial mata a la madre del nacido en Polonia.

Acompañado de esto vemos la formación de los X-Men, el nacimiento del romance entre Xavier y Moira, Mystique haciéndose fanática de los ideales de Magnus para luego abandonar a los buenos y luchar en contra de los humanos que a final de cuentas siempre les van a temer por ser diferentes.

Ahora vamos por partes a analizar cada aspecto de la cinta, podemos comenzar por la dirección de arte; bien la verdad muchos detalles extremadamente cuidados, autos, casas, barcos, trajes, pero la parte más importante esta en la primera escena en donde vemos el campo de concentración de la guerra, es clave esta parte por que retoma la secuencia con la que inicia X-Men 1 y hace la conexión perfecta con la saga, pero particularmente esta es la parte que en cuanto a ambientación más me gusto.

Actuaciones, pues podemos hablar de actores relativamente conocidos, la trayectoria más destacada es la de Kevin Bacon se encarga de llevar a buen puerto a Shaw; James McAvoy cumple con un Xavier juvenil e inteligente, pero aunque tengamos a estos dos actores el que les come el mandado y la película es Michael Fassbender quien encarna al mejor Magneto, me atrevo a decir que incluso supera el encarnado por Sir Ian McKellen que ya era complicado, pero Michael es un actor preparado, habla el francés, alemán , español , de manera fluida, los momentos emotivos de la película son gracias a sus recuerdos, su sed de venganza en fin creo que los Oscares suelen ignorar a los súper héroes, pero para mi debe de estar nominado por mejor actor en la siguiente entrega de premios.

Continuidad, las cintas de Marvel suelen estar muy apegadas a los comics, pero X-Men nunca lo ha estado, como saga ha puesto los personajes que ha querido en la línea del tiempo y como se le ha antojado a los productores, la verdad es que a mi es lo que menos me convencía antes de ver la cinta, pero debo admitir que los personajes escogidos no me molestaron tanto como creí que lo harían por supuesto prefiero la primer generación del comic pero pasan la prueba y situaciones puestas para la película.

Efectos; este creo que es el granito en el arroz, la verdad hay partes y poderes que no me gustaron como se vieron en la pantalla por ejemplo la habilidad de Sebastian Shaw de hacer la energía fuego se ve muy falsa, el efecto de diamante de Emma Frost también les cuesta mucho a los encargados de los efectos, pero el que más falló fue la apariencia de Bestia, sobre todo que ya habíamos visto una cinta antes que podía hacerse maravillas con ese personaje y ahora queda como un peluchito inofensivo con cara de gatito.

En fin creo que a 4 días de ver la cinta sigo encantado con ella probablemente en el verano habrá otras películas taquilleras que superen en números X-Men First Class, pero debo admitir que es una muy bonita sorpresa para los que nos gustan los comics y una muy buena película si nunca han estado en contacto con una historieta y es su primer coqueteo con el universo mutante de Stan Lee.

por Tello

Una cuarta entretenida


Una película basada en un juego mecánico de un parque de diversiones dio pie, gracias a una muy buena realización, a una saga que menguó entre lo ridículo y lo emocionante, lo excéntrico y lo espectacular, pero al final de cuentas todo concluyó de buena forma dejando que los personajes se asentaran, y después de tantos mareos, ir y venir, y de desarrollar la trama de mil maneras diferentes, terminó de buena forma y dejando un buen sabor de boca en los espectadores.

Ahora, intentando explotar la misma saga y exprimir el jugo verde de las grandes producciones en Hollywood, nos presentan “Piratas del Caribe 4 navegando aguas misteriosas”, y antes de ir a verla, ¿qué podemos esperar de esta película?… ¿el inicio de una nueva saga?, ¿una especie de epílogo donde se dé final a la historia del capitán Jack Sparrow?, ¿Qué es piratas del caribe 4?

La producción, al igual que sus predecesoras, cuenta con excelente cuidado y manejo de ámbitos técnicos como la fotografía, el diseño de arte, la música, la edición, etcéteras…, una ventaja en el filme es que a la mitad de sus personajes ya los conocíamos y no hacía falta demorar demasiado en su presentación, la historia es buena y el ritmo en general es bastante atrayente.

Pero en una película que, de entrada se sentía de sobra, no podemos más que manejarla como palomera, sí es cierto que entretiene, si esta divertida, pero no afecta ni progresa en nada ni a la saga original (gracias a Dios) ni al capitán Jack Sparrow, lo que la convierte en un montón de cosas que pasan.

¿Cuál es el mayor problema de la película?, que los productores, interesados en hacer una quinta, sexta y séptima parte, dejaron la historia del capitán Sparrow abierta una vez más, y sin embargo destruyeron muchos de los elementos que hubieran podido funcionar para estructurar una nueva saga, sin embargo ¡Es piratas del caribe de quien estamos hablando! y nadie nunca está realmente muerto, así que un polvo mágico podría revivir a todo el mundo para que todo comenzara de nuevo en una increíble batalla de zombis en el mar.

La película cae de repente en ridiculeces que solo son aceptables en las producciones musicales, que si bien hacen sonreír a la gente ninguno se escapa de sentir que sobraban.

Retomando un poco las intenciones de los productores que convierten a la película en un excelente negocio, pero en un filme menguante, el hecho de no evolucionar al protagonista puede afectar seriamente a la saga, esto por sus claras intenciones de sobre explotar a un personaje muy bien diseñado y su miedo a que aprendiendo la lección se vuelva menos popular entre la audiencia, señores todo tiene que tener un final y mejor tener uno bueno, deslumbrante e inolvidable que uno desechable.

por Daniel

Los Verdaderos Héroes de Disney parte 1


Seguro leyeron princesas y ya les dio flojera leer el artículo, piensan que es solo para mujeres y que será un texto cursi color de rosa, pero en esta ocasión vamos analizar como los estudios Disney nos han traído heroínas a nuestros ojos y como la historia cinematográfica de este estudio se debe a una princesa.

Blanca Nieves.
El 21 de Diciembre de 1937 se llevó acabo la premier de la película Snow White and the Seven Dwarfs, que sería no solo el primer largometraje animado de Walt Disney sino también la primera película animada de larga duración a color de la unión americana. Cuando el Sr. Disney tuvo la idea de hacer Blanca Nieves todo el mundo lo tiro de loco, quien iba a querer ver una caricatura por más de una hora y como un dibujo iba a poderse semejar a una persona de carne y hueso, para poder cumplir este sueño primero Walt realizó un corto animado llamado The Goddes of Spring, sin embargo aún no tenía el estilo que Walt Disney quería lograr para los personajes animados; con una idea concreta y un estilo definido en su cabeza se dispuso a contratar a todos los artistas que quisieran participar en este proyecto tan ambicioso realizando un total de 3 millones de dibujos utilizando una ambientación europea, basándose en modelos y actores que pudieran realizar pantomimas exageradas que permitieran a los diseñadores hacer trazos más reales y más parecidos a una persona, por tal razón es que el príncipe sale tan poco en la película, a Walt Disney no le gustó el resultado de este dibujo animado razón por la cual redujeron su presencia a lo mínimo. Cuando Walt Disney tuvo el dinero necesario para finalizar su película, la cual le tomo 4 años y medio para su realización, entrego una historia de hora y media que cautivo a la audiencia hasta las lágrimas haciendo que por medio de personajes entrañables, los enanos, una villana basada en la película Nosferatu y una chica vulnerable, sencilla, con una voz única y huérfana, Blanca Nieves, la audiencia y los estudios cinematográficos le abrieran las puertas a la animación y el estudio Disney abrió su propia puerta a su mundo mágico.

Lo que esconde la manzana: se dice que Blanca Nieves se creó a la semejanza de la mujer de los años 30’s, es bella, hacendosa y ordenada, teniendo como mayor sueño casarse con alguien que la mantenga para poderse dedicar a su familia; pero al mismo tiempo comienza a ser líder y consigue sutilmente lo que quiere, incluso Walt Disney menciono que su Blanca Nieves no necesitaba de un príncipe que ella podía valerse por si misma.

¿Y el príncipe?, Blanca Nieves jamás cruzó palabra con el príncipe, solo le canto una serenata y se casó con él, vaya valiente príncipe.

Cenicienta
Después de Blanca Nieves Walt Disney se embarcó en nuevas historias que no le trajeron el mismo éxito que su primera heroína, se encontraban en una situación difícil únicamente tenían dinero para hacer una producción más era prácticamente un volado, así que el propuso para salir de esta situación buscar una historia que tuviera una protagonista mujer en graves problemas pero con la suficiente fortaleza para sobreponerse a todas sus dificultades es así como surge la idea de adaptar Cenicienta.

Para ese entonces ya existían numerosas adaptaciones a este cuento clásico y el mismo Walt Disney ya había hecho un corto animado de Cenicienta en 1922 y posteriormente hizo uno más en 1933 pero fue hasta 1950 cuando Disney tomo la historia básica del cuento y creo escenas maravillosas que hicieron la historia más real y más cinematográfica. Debido a los problemas monetarios del estudio no se podía hacer la realización de millones de ilustraciones, por tal motivos se buscó ahorrar gastos mediante primero la grabación con actores reales y después dibujar trazos sobre la cinta para así no tener que cometer tantos errores en los diseños; Walt Disney quiso hacer algo totalmente diferente a Blanca Nieves quería incluir más magia razón por la cual hizo una historia secundaria basada en ratones que hablaran y un gato malévolamente simpático. Walt Disney se propuso hacer con esta cinta el renacimiento de su estudio y por tal motivo le dio un peso sumamente importante a la música dentro de la película buscó realizar canciones pegajosas y al lograrlas se le ocurrió la idea de grabarlas por separado para su venta convirtiéndose así Cenicienta en el primer soundtrack a la venta de los Estudios Disney y el primer disco del sello discográfico Walt Disney Music Company. La película fue un éxito y el soundtrack vendió más de 750 mil copias, así que una vez más una princesa rescató a los Estudios Disney y los puso nuevamente como líderes en la innovación en el campo de la animación.

Lo que esconde la zapatilla de cristal: Cenicienta es la mujer de la posguerra que es regresada al hogar o trabaja con muy mala paga y a consecuencia comienza a cuestionar su vida para descubrir su fuerza

¿Y el príncipe?, Cenicienta canto y bailó con su enamorado, pero el duque le propuso matrimonio en nombre del príncipe, una vez más que valiente héroe.

La Bella Durmiente

La madurez de Walt Disney se pudo observar en esta cinta que de principio a fin es una obra de arte, en 1951 comienzan a trabajar en esta historia el Sr. Disney quería un relato visual que nunca antes se hubiera visto y por supuesto algo muy diferente a Blanca Nieves y Cenicienta, para los ambientes se inspiraron en tapetes, pinturas medievales y góticas, logrando obtener algo muy detallado y donde cada cuadro de la cinta podría bien ser exhibido en una galería; lo complicado vino después donde los fondos tan detallados y pesados hacían difícil que los personajes sobresalieran. Sleeping Beauty es una película dinámica llena de secuencias donde no se requirió que los personajes cantaran utilizando más la música de fondo (de hecho solo vemos cantando a la princesa Aurora en una canción Once Upon a Dream), la batalla entre Maléfica y el príncipe Felipe es considerada la segunda mejor escena de una película animada de todos los tiempos, se gastó muchísimo dinero en hacer esta película de forma tan artesanal que aunque la cinta rompió record de taquilla no logró recaudar todo el dinero que el estudio gastó en su elaboración. Con la Bella Durmiente se cierra un ciclo en los estudios Disney (1959), se convirtió en la primera película animada en widescreen en 7mm y logró que la gente viera al cine animado como un arte.

Lo que esconde la aguja: Aurora está basada en la mujer clásica americana de los 50´s, tiene mucha imaginación, es más pausada y tiene una mayor feminidad.

¿Y el príncipe? Por primera vez el príncipe tiene nombre, Felipe, es un poco más hábil que sus antecesores y más interesado por lo menos le pregunta a la princesa su nombre, es un príncipe más activo y platicador.

La Sirenita

Una vez más los estudios Disney se estaban hundiendo, en la búsqueda de nueva inspiración se encontraron con la historia de la Sirenita de Hans Christian Andersen y buscando en los mismos archivos del estudio vieron que en 1940 Walt Disney desarrolló un corto animado de la sirenita que nunca vio la luz, tomándolo como fuente de inspiración los animadores de Disney pensaron en una niña adolescente que distara mucho de ser una heroína o princesa de cuento antiguo, buscaban que tuviera preocupaciones, ambiciones y retos como cualquier adolescente.

El proceso de creación de esta película fue muy diferente a lo que se acostumbraba hacer en esa época, comenzaron por componer la música y las canciones para que estas fueran diálogos dentro de la historia y poco a poco bajo estas letras ir creando a los personajes, donde Ariel pasó de ser una sirena de cabello rubio a una pelirroja que denotara rebeldía y energía y donde la malvada Úrsula pasó de ser un pez a un pulpo.

La Sirenita fue el renacimiento de Disney y la apertura a lo que ellos mismos llaman la época de oro de sus estudios siguiéndole películas como el Rey León y la Bella y la Bestia.

Lo que esconde el mar: La Sirenita es considerada la primera película erótica de Disney, es la primera princesa en aparecer en silueta desnuda, representa a la mujer de los 80’s y su rebelión sexual.

¿Y el príncipe? Eric es el primer príncipe de Walt Disney que necesita ser rescatado por la heroína.

La Bella y la Bestia
Este cuento es uno de los más adaptados en la historia de la humanidad, sin embargo el deseo de hacer esta historia un clásico de la animación Disney comenzó con el propio Walt, el cual hizo una primera adaptación que no le gustó desechando así el proyecto y sería hasta los 90’s, la segunda época de oro de la animación Disney, que el estudio retomaría el proyecto. Walt Disney desarrollo una fórmula para sus cintas: una buena historia más personajes memorables más música más el uso de la tecnología; con Beauty and the Beast decidieron utilizar una vez más estos parámetros pero alterar el orden comenzando por componer la música que inspirara a realizar la animación, es por eso que está elaborada como un musical.

El problema para realizar esta historia por parte de Disney siempre fue la realización de los personajes en especial la bestia, ya que tenían que ser una criatura que jamás se hubiera visto pero que se sintiera como algo terrenal que pudiera habitar entre nosotros razón por la cual se basaron en animales como búfalos y osos para su realización, por otra parte los escenarios están hechos de tal forma que se reconoce que estamos en un pueblo francés pero su realización caricaturesca nos hace ubicarnos en una época que no sabemos qué tan antigua es.

Cuando se tenía toda la película a lápiz el estudio vio que tenía un gran proyecto en las manos, motivo por el cual aun sin haber terminado la cinta hicieron una proyección en el festival de cine de New York donde todos los animadores se mostraban nerviosos por mostrar el proyecto en esas condiciones, sin embargo la película recibió ovación tras ovación y fue la gran espera en el cine mundial para ese año, convirtiéndose así en la primer película animada en ganar un globo de oro como mejor película, la primera en recibir una nominación a los premios Oscares como mejor película y la primera cinta de Disney en llegar a los escenarios de Broadway. La razón por la que la Bella y la Bestia logró tanto impacto entre la crítica, realizadores y audiencia a nivel mundial fue por que recordó que la animación es un arte hecha mano.

Lo que esconde la rosa: es la segunda de nuestras heroínas que no nace siendo princesa, la primera es Cenicienta, es la primera historia q nos muestra a la protagonista enamorándose de alguien por como es y no por su físico.

¿Y el príncipe? Para empezar es una bestia, no se acuerda ni de como leer, nos muestra los dos lados de esta criatura el enojón y el sensible, logrando así por primera vez que se refleje que en un cuento de hadas al estilo Disney el amor se nos explique como algo que nace del respeto, cariño, comprensión y trato entre la pareja nunca importando el que dirán.

Para muchos las historias de cuentos de hadas que nos ha traído los estudios Disney son las versiones originales nuestros cuentos de niños, espera la segunda parte de este artículo en el próximo número de Échale Cacaro.

por Dulce

La Bamba


Tres de febrero de 1959 es conocido en la historia del Rock como el día que la música murió; fue un momento en el que tres leyendas que estaban fundando el rock fallecieron en un accidente fatídico de avión, lo impactante es que los chicos que perdieron la vida tenían menos de 25 años, comenzaban a probar las mieles de la fama y acababan de tocar en un festival que estaba de gira por toda Norteamérica, con éxito demoledor para la época, debido a problemas de logística los músicos tenían que llegar a tiempo al siguiente concierto lo que los obligo a tomar un avión en una noche llena de nieve estos tres jóvenes eran Buddy Holly, The Big Bopper y Ritchie Valens de quien hoy hablaremos y les contaremos la historia que se retrato en el cine con la película La Bamba.

Fue en 1987 cuando el director de cine Luís Valdez (de origen latino); retrato la vida de Ricardo Valencia mejor conocido como Ritchie Valens, la cinta contaba con la participación de Lou Diamond Phillips como Ritchie, Esai Morales como Bob hermano del mencionado anterior, Rosanna DeSoto como la madre de ambos, Elizabeth Peña y Joe Pantoliano. La cinta narra de manera puntual la vida de este músico de origen latino, el cual tenía que sobrevivir cortando fruta en el campo. Por la cercanía que tenía con la frontera con Tijuana el escuchaba mucha música mexicana, tenía una guitarrita modesta con la cual cantaba rolas para los niños de la comunidad, a esto le sumamos que su hermano Bob que siempre lo sonsacaba y lo llevaba a las borracheras a la ciudad del estado de Baja California, de ahí venía todo el “sabor” que Valens tenía en las venas.

Como esta cinta es muy común que la pasan en el canal 7 me voy a dar la oportunidad de meter el spoiler; digo tratándose de una película tan vieja es necesario que sepan de que trata y además se animen a verla si nunca se han dado la oportunidad, sobre todo si son amantes del rock.

Básicamente la trama debería de hablar exclusivamente de cómo Valens asciende a la fama y claro es el tema central, pero que peli de Hollywood que hable de un músico se desvía de la música y entra en terrenos amorosos, de familia, alcohol, etc.; incluso uno de los momentos más emotivos es cuando aprende a tocar la Bamba, cuando se ven más llenos los teatros gracias al éxito en la radio y la primer aparición en tele; hasta ese momento todo va bien, probablemente a la hora de estar grabando la película el realizador pensó que el personaje de Ritchie de por si solo no llenaba la hora y media de cinta, así que decidió darle más peso al hermano, se nota mucho de la mitad de la película para adelante que quería sacar algo de morbo, ejemplos a partir de un momento el empieza a salir en las grabaciones de los discos, pero después empezamos a ver como se meten con el problema de alcoholismo y de celos hacía el triunfo de Valens, de la hija que tiene y que nunca cuida más o menos por ahí va la trama de la segunda mitad de la cinta, hasta que vemos que el es quien recibe la noticia por el radio de que los rockeros habían muerto aquella noche de febrero.

Hablemos ahora de aspectos que acompañan la historia; la música es muy importante para esta cinta, se podría decir que es lo mejor, es que La Bamba tuvo la suerte que Carlos Santana y los Lobos se encargaran de hacer todo el soundtrack, la combinación le da un toque de lujo, podría decirse que fue de las primeras bandas sonoras de rock latino en la historia, pues estas dos leyendas del género hacen versiones propias de los clásicos de todos los involucrados en la historia de La Bamba (mención honorífica para “Crying waiting hopping” original de Buddy Holly) .

Otra cosa positiva, Lou Diamon Phillips, el actor aprendió a cantar y a tocar la guitarra para que no se vieran falsos los movimientos de actuar como rockero, lo vemos en todo momento de la cinta, llena la imagen de Ricardo Valencia, una de las escenas que más enchina la piel es cuando le dedica por teléfono a su amada la canción de “Donna” (la rola más romántica de Valens).

Por supuesto el arte de la cinta es muy buena, las casas, la escuela, los estudios de grabación, los coches, etc. todo esta muy acorde a la época de finales de los años 50´s, es más las fiestas que enseñan están muy bien reflejadas en la pantalla.

Un punto clave es la historia de amor prohibido entre Ritchie y Donna, relato que nos transporta al odio que sienten los norteamericanos riquillos, para los latinos que tienen pinta humilde, el padre de la chica le prohíbe ver a Valens pues piensa que es un delincuente y que al tocar rock no le va a enseñar nada bueno a la hija de papi, por supuesto el amor nunca triunfa pues aunque Donna y Ritchie si luchan por su cariño, jamás se logro consumar pues la pronta muerte de él separo para siempre a los jóvenes enamorados.

Grandes actuaciones, buena historia, buen soundtrack, buena dirección de arte y por último es una película de culto, pues todo mundo que ama la música la tiene como referente, ninguno de los actores pudo quitarse de encima al personaje, por ejemplo Lou Diamond siempre que lo vemos decimos es el de la Bamba.

El aporte más grande a la música mundial es crear historia sobre el día que la música murió, pero más importante aún es la versión de La Bamba que presentaron Los Lobos, en cualquier boda, festejo, clase de guitarra se ha ocupado para mostrar la grandeza que tuvo Ritchie Valens en los años 50´s, un hijo de americano y de mexicana, que logró conjuntar la música regional de México con el Rock and Roll.

por Tello