lunes, 3 de enero de 2011

Un legado de Tron




La primera vez que Tron fue llevado a las pantallas en 1982, Disney se proponía presentar algo nunca antes visto, llevar al espectador a un mundo digital sin precedentes y claro que para lograr esto no solo se enfocaron en escribir una historia que adentrara al fanáticos espectadores del genero de ciencia ficción, a nuevos horizontes abordando el tema de una dimensión diferente un mundo paralelo digital como un concepto totalmente nuevo. En la actualidad esto nos parece un tema ya bastante explotado, ya que parecería que todas las historias que se podían contar con respecto a universos digitales, o generados por máquinas y computadoras ya han sido abarcados, de hecho Tron en 1982 fue de las primeras películas en aterrizar la idea de personas interactuando en un mundo generado totalmente por computadora.

Pero claro que no solo en el aspecto del guión Disney fue pionera, ya que para poder representar de manera creíble la futurista historia de Tron, era necesario que visualmente se comportara a la altura, y también lo lograron; Tron no es la primera en generar gráficos por computadora para contar una historia de ciencia ficción pero si fue la primera en abarcar tanto tiempo en pantalla, con figuras geométricas muy básicas, cubos, esferas, pirámides, y con un villano formado por una animación 3D muy básica completaron el cuadro para darle forma a un mundo digital en la pantalla del celuloide.

Pero profundizando en la trama, Tron en realidad no tiene un guión complejo, podemos atribuírselo a la época, tal vez al hecho de que los avances tecnológicos en la materia aún no estaban al alcance de cualquier usuario como para estar tan familiarizado con los términos técnicos de la informática, o tal vez debieron explicar el contenido del mundo digital de una manera muy sencilla, para que el neófito espectador de la película no se hiciera bolas con el tema del mundo digital; sin embargo si volvemos hacia atrás Tron de 1982 vista a finales de la primer década del siglo XXI parece muy aburrida, claramente la animación digital, aún que es un clásico del genero, no sorprende a nadie, la trama es lenta, y muy simple, los personajes sencillos, con un propósito tangible y muy alcanzable, que se visualiza casi desde el principio del filme, sin embargo aún que Tron parece mas bien un paseo de algún juego de Disneylandia, realmente dio la pauta para lo que la década de los noventas nos iba a presentar en cuanto animación tridimensional, le abrió la mente al publico ochentero para nuevas historias fantásticas y universos paralelos que nosotros mismos hemos creado.

Y así llegamos a 2010 28 años después de Tron; Tron Legacy llega a las pantallas, con la promesa de renovar una historia que inicio todo, la expectativa es grande, promete efectos digitales sin precedentes, una historia innovadora, la aplicación de la nueva tecnología 3D a su máximo esplendor utilizada por primera vez como un recurso del lenguaje cinematográfico para contar la historia, y no como un mero show de partículas flotando con cara de medusas extraterrestres.

Maravillado el público expectante se encuentra de principio con un mensaje a la audiencia, indicándoles que la película tiene secuencias 3D y 2D intercaladas a lo largo de la película y no necesariamente deben quitarse los lentes para apreciarla con toda su magnificencia; y aún que el mensaje es prometedor se vuelve predecible, claramente el único recurso es que el mundo real plasmado en la película no tiene el efecto 3D y el mundo digital si. Primera decepción.

Tron Legacy cuenta una historia más de acuerdo con el cine de ciencia ficción al que estamos acostumbrados en esta época, una trama mas audaz, secuencias de pelea mas agresivas, pero todo se queda en la línea, al final con toda su producción y toda su tecnología el guión termina siendo una copia de todo lo que ya hemos visto, además de todo tratan al espectador, que ya no es neófito, como un niño pequeño al que le cuentan un capitulo de scooby doo, el intento de retomar una buena historia, no propone nada mas que lo que me temía cuando fui a verla, un renovado paseo por una vieja atracción de Disneylandia, una nueva excusa mercadotécnica para vender y que nosotros compremos, claro que todo eso era implícito desde que fue anunciada la segunda parte de Tron, pero por lo menos una expectativa se generó al esperar ver algo que renovara el cine de ciencia ficción como su predecesora.

Su más grande aportación al género fue rejuvenecer digitalmente a Jeff Bridges, pero ¡uhm! ¿Que eso no lo habían hecho ya en Terminator Salvation?, ¡ah! Si con el Gobernator que no pudo salir en la última secuela de la saga de maquinas que se rebelan contra el hombre para… bla, bla, bla. A lo mejor ahora están pensando ¡hay pero en Terminator sale por 10 segundos nada mas para que le veas la cara y luego se la vuelan de un plomazo!, si, eso es cierto pero creo que la producción de Tron contó con un mayor presupuesto para lograr su cometido, ampliar un recurso digital que ya había sido usado, pero esta bien dejémosle ese crédito que oculta sus defectos detrás de un ambiente oscuro y unos lentes 3D que nublan todavía mas la pantalla, pero de igual forma es lo que podemos esperar para futuras secuelas que solo pretendan destruir grandes clásicos con actores rejuvenecidos, para vendernos mas y mas de lo mismo, sin proponer, ni aceptar tantas ideas innovadoras que tienen que seguirse filmando en el ámbito independiente para que no sean destruidas por los monstruos corporativos.

Pero bueno si quieren subirse a un paseo por una atracción del mundo mágico de Mickey Mouse, traído a México por la módica cantidad de 85 pesos (en el mejor de los casos), es lo que pueden esperar de Tron Legacy, y si por el contrario quieren ver renovadas las carreras de motos clásicas de Tron y revivir sus memorias infantiles, mejor quédense con sus bonitos y nostálgicos recuerdos de su infancia, por que las nuevas batallas dejan mucho que desear, y para todos los fans con muy a mi pesar todavía no hay una película digna de verse en 3D.

por CésaR




Proyección Corta 2010





Hablando de Festivales para cine independiente, es difícil esperar cierto nivel de audiencia y entusiasmo, aún que considerando que este tipo de espacios, son creo yo, de los mas importantes para el cine mexicano; no siempre podemos contar con que el festival tenga un cierto nivel de compromiso de parte de sus organizadores, por lo regular las ganas de promover el trabajo amateur de los cineastas underground termina en un intento un tanto fallido de la organización, ó la calidad de la proyección, ó del audio; pero me dio mucho gusto asistir a la tercera edición del festival de cine independiente Proyección Corta.

Tengo que decir que el festival contó con una muy buena organización, y una mejor presentación al escoger como sede de está tercera entrega, la Cineteca Nacional; la calidad de los aspectos técnicos fue indiscutiblemente muy buena, también así la dinámica para presentar los trabajos y los premios. El propósito de este joven festejo es el de un certamen mas dinámico que deja fuera el glamour y convertir la presentación de los proyectos en una fiesta entre amigos y esta vez lo logró.

La selección de los trabajos por parte del jurado fue muy buena, al variar de un lado para el otro con proyectos que iban del documental a la animación, de cortometrajes muy introspectivos, a el clásico estilo humorístico irónico mexicano; esto permitió que el publico muy agradable y animosamente se entregara de lleno a las propuestas que veíamos en pantalla, a pesar de la carencia en aspectos técnicos en los trabajos, la esencia de los mismo dejo muy satisfecha a la audiencia.

Pero eso es solo la crónica de lo que fue la premiación Proyección Corta en su tercera edición presento una selección de 15 cortometrajes de mas de 100 que entraron en la contienda.

Cortos:

Buenos tiempos, malos tiempos por Monica Villegas

Mexican independence por Larissa Rojas

Ya ax Muli ix por Francisco Mendoza

Escafandra por Cristian Proa

Recto Recto gancho por Santiago Maza

1956 por Joe Mezan

Una vida soñada por Maira Bautista

Parasomnia por Daniel Silva

El ajedrecista por Antonio Cano

El hambre de Caribdis por Miguel Chehaibar y Norma Macias

Buenas noches por Moises Ponce

El viaje de la hija por Tavo Ruiz

Agua por Rodrigo Lezama

Lovesucks por Yair Rodríguez

Al grito de guerra por Pablo Alvarez



por CésaR

Ridley Scott





Estamos frente a uno de los mejores directores de las últimas décadas, oriundo de Northumberland Inglaterra, nacido el 30 de Noviembre de 1937, Ridley estudió en el Colegio Real de Arte Británico y consiguió, con su primera película, “Los Duelistas” (1977) el premio a mejor ópera prima en el festival de Cannes, así como una nominación a la Palma de oro el mismo año.

Ridley se caracteriza por conocer la forma precisa de comercializar sus películas sin afectar la trama, con un amplio ingenio en el manejo de las herramientas que podrían considerarse secundarias en una producción normal como el diseño de audio o la música aplicada, Ridley siempre ha sabido crear atmósferas apoyado en todos los instrumentos posibles sin reservas con lo que desea mostrar, Ridley fue el primero en lanzar de forma comercial el “director’s cut” o “versión del director” que básicamente es la misma obra presentada con una redición, algunas escenas arregladas o aumentadas a discreción del realizador.

A dirigido más de 2000 comerciales para marcas como Chanel o Pepsi Cola por lo que está más que demostrado que sabe como vender su trabajo, sin embargo, y he aquí lo importante de su labor como director, no esta peleado con el arte, a diferencia de muchos otros tantos directores que dedican su vida a la realización de “blockbusters” (películas con la única intención de vender). Ridley ha presentado verdaderas obras de arte como “Alien el octavo pasajero” (1979) y “Blade Runner” (1982) obras arraigadas en la cultura internacional y convertidas en películas de culto, así como más recientemente “Gángster Americano” (2007) entre otras.

Aunque, fuera de sus películas galardonadas, su trabajo como director podría pasar de forma desapercibida solo hace falta echar un vistazo rápido a su filmografía para percatarse de la magnitud de su creatividad presentada de forma constante a lo largo de su obra.

Tomando como ejemplo dos de sus películas más famosas “Gladiador” (2000) y “La caída del halcón negro” (2001) podemos demostrar la calidad en cuanto a la creación de atmósferas dentro de sus filmes, la magnifica reconstrucción de Roma y su coliseo nos permite vivir las batallas que ahí se libraban con un éxito tal por parte de la producción que incluso el subgénero fue retomado a raíz de esta obra para la realización de varias series de televisión así como otras tantas películas, en el caso de “La caída del halcón negro” es importante prestar especial atención a la narrativa de la puesta en cámara ya que el ritmo en pantalla es tan bueno que podría, a pesar de su impresionante desarrollo, pasar desatendida. Como un claro ejemplo la cámara al ras del suelo y la tierra sobre el lente permite introducir al espectador de una forma un tanto sutil y a la vez impactante a las acciones vividas por los protagonistas.

En otro claro ejemplo el aislamiento que viven los tripulantes del Nostromo en la ya mencionada “Alien el octavo pasajero (1979)” es visiblemente claustrofóbico y aterrador, a través de pasajes angostos rodeados por tubos y fierros que mimetizan a la criatura que recorre la nave con la única intención de aniquilar a sus tripulantes.

Al igual que muchos otros directores que encuentra la forma de hacer mancuerna con actores viables para la temática de sus historias Ridley a encontrado en Russell Crowe una forma de trascender sus personajes en la pantalla a través de la fuerza y el peso pero sin dejar de lado sentimientos profundos y arraigados que terminan por definir al protagonista, sentimientos desarrollados hasta el momento de una forma excepcional por parte del reconocido actor*.

También es importante mencionar la capacidad de Ridley para desarrollar escenas de batalla, y si creen que esto no implica un mayor reto den un ligero vistazo a “Alexander” (2004) de Oliver Stone, quien ni con todo el presupuesto del Mundo pudo desarrollar una película siquiera entretenida, a pesar de contar con buenas producciones entre su lista de creaciones.

Acostumbrado a una edición ágil y, (como mencioné al inicio del articulo), una buena aplicación musical Ridley es famoso por ser uno de los mejores directores de cámara en cuanto a escenas de combate se refiere.

De esta forma creo que podríamos definir el trabajo de Ridley como comercial sin dejar de lado la importancia de la historia, de los personajes y la narrativa, cine comercial de calidad o cine bien hecho.

*La pareja a trabajado junta en: “Gladiador” (2000), “Un buen año” (2006), “Gangster Americano” (2007), “Red de mentiras” (2008), “Robin Hood” (2010).

por Daniel




Coco Avant Chanel




Hoy nos parece lejano la época en que la mujer usaba corsé, vestidos pesados hasta el suelo, pelucas, sombreros que parecían merengues, maquillaje exagerado y zapatos de tacón, sin embargo no ha pasado mucho tiempo de esa moda. Coco antes de Chanel es una película que nos retrata la vida de Gabrielle Chanel mostrándonos a una mujer con carencias pero que nunca se quedo callada y logro anteponer su comodidad y sus ideas en su forma de vestir.
La historia es una biografía de Gabrielle Chanel, esta película abarca desde el tiempo en que ella y su hermana son abandonadas en un internado, hasta el momento en que ella logra mostrar su estilo en una tienda de sombreros.
Se que para la mayoría de la gente podrá ser difícil tener ganas de ver esta película, ya que en nuestra actualidad Chanel es un sinónimo de exclusividad y status, sin embargo resulta muy interesante ver como todo empezó gracias a una mujer que nunca se quedó callada que siempre expresó sus ideas y lo traslado a su forma de vestir, entre las creencias de Coco Chanel que podemos ver en la cinta y que vale la pena recalcar se encontraba que el usar tacón no es sinónimo de elegancia, que los corsé no dejaban especio para los postres y que para montar a caballo se requería de un pantalón.

La cinta francesa dirigida por Anne Fontaine y protagonizada por Audrey Tautou nos muestra de una forma cruda a la vez suave y tierna las crónicas de los primeros años de vida de la que tal vez es la mujer más sobresaliente en el mundo de la moda en el siglo 20, el resultado que se obtiene es una mezcla inusual de lo que estamos acostumbrados a ver en el cine biográfico ya que de una forma muy bien realizada conjugan la historia del pasado para abrirnos la puerta a lo que poco conocemos hoy por Coco Chanel.

La película esta realizada de tal forma que si no estas familiarizado con la figura de Gabrielle Chanel, te veras involucrado en una historia en la que sientes que te cuentan su vida de una forma autentica, se disfruta mucho como la protagonista logra desenvolverse al realizar este personaje mostrándonos el cinismo, la forma de ser y la forma de amar de una de las mujeres más sobresalientes de nuestros tiempos, la cinta al final nos da solo una pequeña pista de lo que esta mujer y su nombre después se convertirían.

Coco Avant Chanel es una película que refleja el estilo de Coco Chanel, estilo que hoy es nuestra cotidianeidad.

por Dulce




Nowhere Boy





Este mes en la sección películas de música nos topamos con una cinta que esta en la salas o acaba de ser removida por algún hit de la temporada, la cinta es un homenaje a la vida temprana de John Lennon el mítico líder de The Beatles, un hombre cuya música hizo del rock lo que hoy conocemos, es inevitable que cualquiera de nosotros tenga una canción favorita de Lennon, ya sea de él en solitario o con el cuarteto más famoso de la historia.

Tenemos mucha tela de donde cortar con esta cinta independiente que saliera en Inglaterra a finales del 2009 y que pensando que en nuestro país a nadie le gustan los Beatles es traída un año después; cuando en otros países ya se encuentra en DVD, pero en fin comencemos por criticar el bodrio de título que le pusieron aquí, que fue Mi nombre es John Lennon (Daaaaaa no me digan señores, distribuidores, ¿Por qué? siguen creyendo que el público mexicano es tonto y no puede deducir por medio de los trailers de que tratará una película), la cinta tiene el mejor nombre en su idioma original, ya que nos narra la primera parte de la vida de Lennon en la cual vemos como siempre fue un hombre que se sentía de ningún lugar, desde pequeño tuvo que vivir con su tía Mimi sin saber nada de su padre o su madre, siendo esta la historia central de la cinta.

Ya desde el argumento se pierde mucho, sobre todo por que estamos esperando ver una cinta de un ídolo de la música mundial y los guionistas deciden darle un peso muy grande a la tragedia de la vida del cantante dejando de lado lo que es importante de John que es la música, no queremos ver un drama disfrazado con un nombre famoso para llevar a la gente a las salas de cine, trampa que se ha hecho muchas veces; por ejemplo de los más recientes en Control (que ya veremos en otro número), parece ser que los guionistas creen que es imposible sustentar una historia en base a la música, siempre tienen que recurrir a temas que a uno como fan le tienen que venir importando poco, por que si a ti te gusta el rock, lo importante es la esencia que son las canciones, los productores caen recurrentemente en dramas tipo TV y Novelas para retratar la vida de un genio olvidando totalmente o dejando muy aparte la obra del músico, en el caso de Nowhere Boy, así sucede nos la pasamos viendo una hora y veinte minutos como la mamá de Lennon toma el protagonismo de la cinta por dos cosas la buena actuación de Anne-Marie Duff como Julia la cual se come por completo la de Aaron Johnston como John, y segundo el personaje de Julia esta escrito para convertirse en foco de atención y de intriga incluso pareciera que se la pasa seduciendo sexualmente a su hijo y el chico termina viéndose intimidado en todo momento por la actriz y su papel.

La película arranca muy bien cuando vemos las travesuras de John en la ciudad mientras asiste a la escuela, es suspendido conoce a Marie su primer novia y establecen la relación con su tía Mimi interpretada por Kristin Scott Thomas, hasta ese momento Nowhere Boy va interesante, pero se cae cuando se le da demasiadas vueltas a la tórrida relación madre e hijo, de repente se acuerdan que están haciendo una cinta sobre Lennon, entonces llega McCartney y hacen una banda de la cual no volvemos a saber hasta el final de la cinta.

No se si por problemas de presupuesto el director Sam Taylor no pudo obtener derechos de canciones de John por lo cual tuvo que dejar de lado cualquier composición del británico, lo cierto es que nunca vemos como era el proceso de composición de The Beatles, como consiguen irse a Alemania solo lo mencionan, lo único que marcan mucho es la influencia que tuvo Elvis en la vida del joven músico.

Las personas con las que fui al cine parecían disfrutar mucho la cinta pues al finalizar me preguntaron ¿Te gustó? Y les dije que no y casi me zapean, pero ya estoy cansado de ver películas en donde supuestamente se retrata la vida de un músico y lo único que se retrata son chismes de lavadero que son contados por terceros y que nunca se tomara en cuenta lo que es realmente importante insisto que es la música, sin esas rolas nunca habrían hecho una cinta ni serían recordados los cantantes por todo el mundo.

Me parece que ya es hora de que alguien negocie los derechos de la historia verdadera de The Beatles por que no se han cansado de hacer cintas que no hablan de nada que no sean los matrimonios, Yoko, La mamá de John, etc.

Nowhere Boy la podemos meter sin problemas junto con las cintas que pasan en el Golden de las biografías de Linda McCartney y del propio Lennon, de verdad ahora que hago retrospectiva para escribir esto me da coraje que la vida trágica de alguien que ya falleció se tome para hacer una cinta de mediano pelo, que ni siquiera debió de haber estado autorizada por la propia Yoko.

Las pocas cosas rescatables que le encuentro a Nowhere Boy son el parecido de Aaron Johnston con el cantante, que si te esfuerzas en encontrar a un parecido a el también deberías de aprovechar o al menos buscar parecidos a los demás compañeros de banda de Lennon, otra cosa y lo mejor es la ya mencionada actuación de Anne Marie Duff, por ahí hay chispazos como el cameo a los Strawberry Fields, la dirección de arte la cual fue muy adecuada pues se consiguieron muchos props. que nos hacen sentir que si vemos una historia de los años 50´s o 60´s la ropa, coches, etc.

En términos de cine, buenas tomas, algunas arriesgadas, con la iluminación se quitaron de problemas y la hicieron en exteriores casi toda la película, en fin si no se tratara de John Lennon y su vida sería una buena cinta a secas pero como es del genio más grande del rock es indignante ver una telenovela de televisa en pantalla.

por Tello




The Vally of Gwangi





¿Se pueden imaginar esto?, no se lo imaginen, veanlo, ¡ja! ¡ja! ¡ja!; asi es si ustedes creían que el próximo estreno taquillero de Steaven Spielberg "Cowboys & Aliens" es una payasada, pues déjenme decirles que no han visto nada.

El Valle de Gwangi, Vaqueros contra DINOSAURIOS, así es por mas ridículo que parezca, en 1969 se les ocurrió la maravillosa idea de enfrentar a estos dos tan diferentes iconos del cine en un western de fantasía que no solo junta a un montón de cuatreros en busca de la aventura de su vida, si no que además lo hacen en un época en la que el viejo oeste y el territorio mexicano eran lo mismo, es eso o no tenían dinero para pagarle a extras güeritos.

La trama es un fusil de King Kong, casi tal cual pero en diferentes escenarios ya que en lugar de ser, una isla desierta y primitiva, es un valle rocoso y olvidado, y en lugar de dirigirlo a Nueva York, se lo llevan en un circo a lo que me parece es nada mas y nada menos que la ciudad vaquera de Durango.

Pero a pesar de todo lo que puedan pensar de este fusil americano, la película tiene lo suyo, la animación stop motion es excelente, a manos de un clásico del cine de bestias monumentales de la época de oro Ray Harryhausen, los efectos especiales, a pesar del año en que la película fue hecha, se ven muy bien aplicados, con escenas de acción y batallas entre monstruos prehistóricos muy bien realizadas, y aunque la historia y las actuaciones dejan mucho que desear, tiene todo lo que podemos esperar de un espectacular western de acción (donde no salga Clint Eastwood).

A lo mejor a ustedes no les parece la gran cosa, pero la verdad es que yo me divertí mucho viéndola, y si quieren una buena oportunidad de reírse a carcajadas de un capitulo de noche de brujas de los Simpsons hecho película, esta es la oportunidad de hacerlo, después de todo para eso también es el cine, o ¿no?

por CésaR




Mary & Max





Hace algunos meses me tope con el trailer de la película Mary and Max en el Internet, inmediatamente después de verlo ansiaba ver toda la cinta, sin embargo a como es mal costumbre de la distribución de películas en nuestro país supuse que seria difícil verla, para mi fortuna me tope con una copia y puedo decirles que esta película solo la puedo describir haciendo una lista de las emociones que me hizo sentir: alegría, ansiedad, angustia, tristeza, pensativa, conmovida; en resumen tengan cerca un chocolate al verla.

Mary and Max es una sorpresa artesanal, es una pieza que debe apreciarse, una cinta que alegra, inspira y conmueve; escrita, dirigida y producida por el ganador al oscar Adam Elliot se nos presenta una historia de amistad a través de la vida de una niña solitaria Mary Daisy Dinkle y su amigo de cartas Max un señor con problemas de obesidad que vive del otro lado del mundo.

La película elaborada en stop motion con cámaras digitales y personajes de plastilina puede describirse como una obra tangible, donde los personajes se sienten tan reales que por momentos la historia hace que te olvides de la extraordinaria calidad, ambientación y magnifica fotografía con la que esta cinta es realizada.
Esta película es tan buena que es difícil escribir sobre ella ya que no quiero contarles nada de la historia ni arruinarles un asombro visual, así que sintetizaré a Mary and Max como una película inteligente, excelentemente bien realizada, graciosa y conmovedora, con un diseño de arte deslumbrante, rica en detalles y con estilo propio que todo en conjunto logra una de esas joyas fílmicas que recordaras toda tu vida.

Con una gran maestría artística y una gran madurez el creador de esta película logra darnos una respuesta genuina a una pregunta que todos por la vida alguna vez nos realizamos: ¿Hay alguien ahí afuera que quiera ser mi amigo? Y a través de su lente y su visión queda claro que nacemos en una familia pero nosotros escogemos a nuestros amigos, se agradece encontrarse con historias como esta y con gente que aún se tome el tiempo para darnos personajes tan entrañables como Mary and Max.

Por Dulce




Freaks




Cuando a Tod Browning se le ocurrió aceptar en dirigir el guión de Freaks, estoy seguro que no pensó por un momento la cantidad de situaciones que envolverían a la película, extravagante, extraña, demente, terrorífica, Freaks presenta un elemento un tanto olvidado en el genero del terror: el morbo.

Tod es un director que incluso de no haber hecho su conocida obra de culto, habría sido a lo largo del paso del tiempo un clásico del cine. Entre su repertorio cuenta con películas como: "Drácula" de 1931 con Bela Lugosi o "The Unknown" también llamada "London Alter Midnigth" de 1927 con Lon Chaney; pero fue "Freaks"de 1932 sin duda la que marco su carrera.

Caracterizada por mostrarnos un mundo aberrante, surrealista, y deforme; la película cuenta con el mas grande número de mutilaciones en la historia del cine y no me refiero sangre y Gore, si no a la cantidad de minutos que le quitaron los altos ejecutivos de la MGM, que son alrededor de 30, o a la diversa cantidad de finales que le obligaron a hacer y rehacer a Tod, también a la forma en la que no solo fue prohibida en una increíble cantidad de salas a todo Estados Unidos, aún siendo una producción de la MGM, si no que también paso a ser prohibida en diversos países en todo el mundo, en Inglaterra es la película que duro mas tiempo vetada, con un record de 30 años; después de su proyección de prueba y tras ser editado el final original solo una vez mas fue presentada sin su edición censurada y solo un puñado de gente pudo ver el estreno con la media hora editada; presentándola en cartelera como una única oportunidad de ver la película en su edición completa.

Tristemente esta joya del cine, tenía que ser exhibida con un nombre falso, para que la gente asistiera verla, sin embargo el cartel seguía mostrando a los personajes que se presentarían en la pantalla, por lo que aún esta estrategia de ventas no le funciono a la promoción, la gente salía vomitando de las salas, un sin número de cartas fueron escritas para quejarse de la existencia de la película, al punto que la MGM la retiro permanentemente de sus bodegas y de las pocas salas donde se exhibía, sin embargo sus creadores seguían apoyando el proyecto, y la presentaban de vez en cuando en diversas muestras independientes o alguna que otra feria pueblerina donde les dieran oportunidad.

Después de todo esto y tras poder imaginarse que la razón por la que la película fue censurada es por mostrar a la gente discapacitada o deforme en un cierto tono discriminatorio; no es así de hecho es todo lo contrario, la realidad que esta detrás de esta censura, es que la gente era demasiado intolerante, y veían de mala manera el hecho de un montón de fenómenos, interactuaran libremente con gente "normal". A fin de cuentas fueron los prejuicios de la sociedad la que no tolero perder sus estándares de belleza en la pantalla y ver algo que en realidad es excepcional.

Actualmente la película es una verdadera rareza, no solo en la manera en que esta hecha, si no también para poder conseguirla, los minutos editados están dados por perdidos y el final original nunca fue filmado, solo hay algunas versiones con finales alternativos y la mejor manera de verla es esperar a que sea exhibida en alguna muestra de cine clásico o de culto, o bajarla pirata de Internet, pero la manera en que ha sido rescatada y puesta en un pedestal después de tantos años de censura y de desacreditación es muy merecida, la historia es muy original incluso para nuestra era digital donde creemos ya haber visto todo y el clímax a pesar de que fue censurado es excelente, el final es muy alentador, y el mensaje tan sencillo que es manejado casi como si fuera un cuento para dormir niños.

A pesar de haberle costado la carrera a Tod Browning, quien después de eso solo hizo algunas esporádicas películas, Freaks es un verdadero clásico del cine, que es prácticamente obligada para cualquiera que estudie o simplemente se diga fanático de la materia. Al final solo me quedan con un par de preguntas en la mente, acaso en nuestra época globalizada, ¿seremos realmente tolerantes a algún tipo de propuesta diferente, como Freaks en su tiempo, que se nos presenté con una idea alternativa e innovadora o simplemente veremos y criticaremos sin fundamentos dicha propuesta por el simple morbo de seguirle la corriente a las masas inquisidoras? Y ¿De verdad hemos evolucionado nuestro pensamiento global desde 1932 o seguimos teniendo el estigma discriminatorio que tanto nos caracteriza como personas "normales"?

Para terminar les dejo aquì la introducción con la que inicia el filme, constando asi las intenciones de sus creadores al narrar esta historia.

"Antes de proceder con la demostración de tan inusual atracción, algunas palabras son necesarias acerca de este asombroso tema. Creanlo o no es tan extraño como parece. En épocas antiguas, cualquier cosa que fuera distinta de lo normal era considerado un presagio de mala suerte o la encarnación del mal.

Dioses de la desgracia y la adversidad fueron invariablemente representados con la forma de monstruosidades, así también, hechos de injusticia y atrocidad han sido atribuidos a muchos tiranos mutilados y deformes de Europa y de Asia. En la historia, la religión, el folklore y la literatura abundan cuentos de deformes que han alterado el curso del mundo. Goliat, Calaban, el monstruo de Frankenstein, Gloucester, Tom Pouce, y Kaiser Wilhelm, son apenas algunos de fama mundial.

El accidente de un nacimiento anormal era considerado una desgracia y los niños con malformaciones eran dejados a la intemperie hasta morir. Si por casualidad, una de esas rarezas de la naturaleza sobrevivía, era siempre mirada con desconfianza.

La sociedad les rehuyó por su deformidad y las abrumadas familias tuvieron siempre vergüenza de la maldición puesta sobre ellas. Ocasionalmente, algunos de estos desdichados eran llevados a la corte donde eran ridiculizados para diversión de los nobles.

Otros fueron dejados a su suerte, viviendo de limosnas, robando o muriendo de hambre. El amor por la belleza es un sentimiento profundo arraigado que remonta al principio de la civilización. La repulsión que nos causan los anormales y los mutilados es el resultado del largo condicionamiento de nuestros antepasados.

La mayoría de los monstruos, tienen pensamientos y emociones normales. Su vida es verdaderamente trágica. Ellos son forzados a vivir una vida anormal. Por tanto ellos han establecido un código de ética para protegerse de las críticas de la gente normal. Sus reglas son rígidas, estrictas y el daño a uno es el daño a todos; la alegría de uno es la alegría de todos.

La historia que será revelada está basada en los efectos de este código de sus vidas. Nunca mas una historia así será filmada ya que la ciencia moderna y la teratología están eliminando rápidamente del planeta tales errores de la naturaleza. Con humildad y por las muchas injusticias cometidas a esta gente presentamos a continuación la más espantosa historia sobre los anormales y los indeseables".

Introducción de Freaks.

por CésaR