lunes, 1 de agosto de 2011

The Host

Hace mucho que había postergado escribir de esta película, a pesar de ser una de mis favoritas he encontrado que a la gran mayoría de amigos que se las he puesto no les ha gustado, siempre la encuentran ridícula, falsa, con actuaciones pobres y un monstruo que no sorprende por que no destruye todo a su paso.

Pero voy a empezar por poner en claro donde radica la excelencia de este filme, empezando con que “El Huésped” es una película Sur-Coreana que rompe por completo los esquemas a los que estamos acostumbrados en las historias gringas de este tipo, estamos familiarizados que cuando se trata de una película de bestias enormes, siempre se utiliza la misma formula que envuelve el factor de que el ejercito es parte importante del filme, por lo general hay un científico o alguien muy inteligente dentro del medio que proporciona la información necesaria para primero explicar la existencia del monstruo y segundo para mostrarnos la manera en la que debe ser eliminado.

“El Huésped” nos pone enfrente a una familia ordinaria como las que hay en todo el mundo, sin habilidades especiales, ni coeficientes intelectuales superiores, u oficios que tengan que ver con la milicia o con un entorno científico, así que aquí no vemos a Will Smith o a Tom Cruise peleando para vencer a la bestia, nuestro héroe es una mofa, un individuo que carece de un intelecto superior al de un niño de primaria, y aquí es donde la esencia del film toma un aspecto más realista.

Es por la carencia de todos estos íconos y tal vez el hecho de que es una película Asiática que a muchos les ha parecido una película torpe y tediosa, pero la verdad es que yo ya estoy aburrido de ver la misma historia con diferentes “súper-actores” de Hollywood.

Destacando otro aspecto que me llamó mucho la atención es que, en la mayoría de las películas de este tipo, incluyendo el último éxito taquillero “Cloverfield”, el monstruo no se muestra en todo su esplendor si no hasta que llega el clímax de la película, pero en “El Huésped”, se arriesgan mostrándonos por completo a la bestia desde el principio del filme, dejándonos entender desde que empieza la película toda la trama, que es tan sencilla como es el secuestro de un ser querido y la desesperación de la familia por recuperarlo; creo que es un experimento que funciona; rompe por completo la formula gringa del suspenso creado con la única finalidad de ver el diseño del monstruo al final de la historia, pero sin un guión bien estructurada, usualmente solo deja mucho que desear y nada que recordar.

Y ahora abordare otro aspecto que he encontrado ha sido muy menos-preciado de “El Huésped”, los efectos digitales, más de uno me ha mencionado que el monstruo, el cual yo considero uno de los mejores que se han hecho en la historia de este subgénero del terror, les parece falso, pero claro si estamos atrapados por la mercadotecnia y las formulas que los norteamericanos utilizan para bombardearnos todos los días, claramente no vamos a comprar algo que tenga la etiqueta de: “Hecho en Corea”, pero he aquí la ironía del asunto, el monstruo y todos los efectos digitales que lo rodean están desarrollados nada más y nada menos que por WETA la misma empresa que hizo toda la saga mas ganadora de los premios Oscar en la historia, “El Señor de los Anillos” en colaboración con la empresa norteamericana encargada de los efectos digitales de películas como “Hellboy” y “Sincity”, películas que en nuestro país fueron muy taquilleras por venir con el sello de: “Hecho con orgullo en USA”, siendo que ni siquiera es el caso ya que “El Señor de los Anillos” es una película Neo Zelandesa al igual que la compañía que genero sus efectos por computadora WETA, pero a mí me da mucha risa pensar que la mayoría de la gente que me ha dicho que el monstruo se ve falso, es Fan From Hell de las 3 películas que avalan los efectos de las compañías que estuvieron encargadas de crear al monstruo.

Pero a pesar de que he defendido a capa y espada los aspectos que abrumadoramente hacen de esta historia un excelente film, tengo que también ser objetivo y comentar un aspecto, que más que acierto cae en el error y la razón por la cual creo que a pocas personas en nuestra tierra Mexica no les ha gustado la película.

El Humor que se maneja; “El Huésped” es una película de Terror, combinada con el Drama que vive la familia por recuperar a su ser querido, pero también, como nos explica su director Bong Joon-ho la Comedia es una parte importante de sus filmes, y en “El Huésped” no es la excepción ya que aquí se maneja un estilo muy caricaturesco que satiriza a la propia familia Sub-Coreana y la ridiculiza abiertamente, sin embargo, para nosotros que el humor es una parte esencial de la vida y que lo tenemos tan refinado y perfeccionado casi como un aspecto artesanal de nuestra cultura; cuando alguien ajeno a México quiere hacer un chiste y sobre todo si este es un tanto ridículo, a nosotros nos parece de lo más estúpido, ya que la comedia que nos caracteriza en casi todos los aspectos de nuestra sociedad, es creo yo la mejor del mundo.

Pero la verdad es que “El Huésped” inspirada en hechos reales con consecuencias devastadoras y amontonada en casi todos los botaderos de películas, es una de las mejores películas de terror que se han hecho y no solo porque yo considere una de mis favoritas, en todo el mundo ha sido aclamada y aceptada como una digna representante del sub-genero de monstruos gigantes, y lo único que se necesita para darse cuenta de esto es verla sin prejuicios ni predisposiciones, o ¿acaso lo único que queremos es seguir viendo películas con las mismas formulas tan choteadas por los estadounidenses?, por lo menos yo no.

Por CésaR
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Spiderman 3

“¿Por qué? No ¿por que? ” eso fue lo que grite del cine cuando salí de ver esta película, tengo que admitir que yo soy DC, creo que Batman es el mejor héroe del arte Pop jamás inventado, creo que Superman jamás ha tenido el merito y la grandeza que muestra en sus comics, creo que linterna verde es mas, mucho mas de lo Ryan Renolds le pueda otorgar al papel da la luz esmeralda y creo que la liga de la justicia le podría partir su mandarina en gajos a los Avengers y los X-Men juntos; tengo que aceptar que cuando salio la película de Spiderman en el 2002 me volví por completo fan from hell.

A lo mejor no recuerdan toda la cantidad de peripecias que esta super-producción tuvo que pasar para poder ser llevada a la pantalla, por si no lo recuerdan aquí les va un recuento de los daños, o por lo menos de algunos, este filme estuvo enlatado como proyecto por años; primero los derechos del arácnido para ser llevado al cine estuvieron en pleito por mucho tiempo, después cuando por fin lograron poner las cartas claras en la mesa un desfile de directores pasaron por el intento de poner en marcha la producción, incluyendo entre otros a James Cameron y Steven Spielberg, el papel del Peter Parker estuvo en disputa y en algún momento se llego a considerar que lo llevaran acabo Leonardo Di Caprio (quien contaba con una Titánica fama por esos días) e incluso Ben Affleck (quien posteriormente declararía que fue un error rechazar Spiderman tras ver su éxito posterior, razón por la cual acepto el lamentable papel de Dare Devil).

Pero por si todo esto no fuera poco después de lograr arrancar a manos de Sam Raimi y Tobey Maguire en el papel de Spidey, la producción estuvo envuelta en un basto números de accidentes, que inclusive provocaron que un Stund se rompiera los huesos en una de las increíble acrobacias que lleva acabo nuestro héroe trepa-paredes durante la filmación y como para rematar cuando la película estaba en su etapa final y los trailer ya circulaban en el cine corría el año de 2001 y en el trailer original se mostraba una escena que estaba incluida en la película donde se muestra como un grupo de asaltantes fuertemente armados entran a robar un banco en Manhatan y tratan de escapar en un helicóptero cuando súbitamente algo los detiene en el aire y al alejarse la toma hay una espectacular telaraña atrapando al helicóptero que a la distancia parece un pequeño insecto enredado entre las torres gemelas; pero todos recordamos que paso ese trágico día de septiembre y esa escena fue retirada de todas las copias que comenzaban a ser distribuidas sin mencionar del trailer que ya tenia varios meses siendo exhibido en las pantallas de cine en todo el mundo y eso sin contar la cantidad de carteles de la película donde salía el World Trade Center.

Y si después de todo eso cuando vemos por fin una película tan entretenida tan espectacular, con una excelente historia y manejando la comedia en los personajes con un toque de genialidad excepcional que aportan a la trama tan talentosos actores como Willem Deafoe, James Franco y Kirsten Dunst, que amarran el filme y después no suficiente con eso nos dejan ver en el 2004 la segunda parte con personajes tan bien definidos, un guión muy bien trabajado, escenas de acción nunca antes vistas, toques de comedia que someten al tímido fotógrafo en el clímax de lo ridículo y lo absurdo al mas puro estilo de las tragedias griegas, no podemos esperar nada mas que un ¡WOW! “¿pero que vendrá para la tercera parte?”

Con uno de los villanos más poderosos que el mundo del comic ha visto, es anunciado VENOM para la última parte de la trilogía, lo único que podía pensar era: “por fin algo de ese mundo de fantasía y héroes voladores que tanto me ha gustado desde niños que vale la pena ver en el cine, excluyendo las pedorrisimas películas de Batman de los noventas” (no leyeron mal esas películas apestan, pero dejaremos esas para futuros botaderos).

Pero: “¡oh no! ¿Qué demonios?, ¿Qué esta pasando?, ¿acaso me equivoque de sala?, estoy viendo algo parecido a Dawson’s Creek y Beverly Hills noventa doscientos… algo mezclados con súper poderes y un montón de tonteras mal actuadas y pésimamente dirigidas; pero: ¿Dónde chetos esta Venom?, ¿Por que no explotan mejor la trama de Sandman? Se nota que tiene mas profundidad y mejores bases para continuar lo que empezaron en esta hasta ahora magnifica trilogía”.

¡No!, que triste, o a lo mejor excelso; aún que todo el largo de la película me la pase sentado esperando con un ápice de esperanza que todo mejorara, que todo fuera un pútrido sueño y que Venom despertara para dejar de llorar y demoler la ciudad como solo él podría hacerlo esperando que Spiderman retomara las cuerdas y el control y se levantara de las cenizas que él mismo había creado. Pero no esto nunca paso.

No puedo evitar pensar que Sam Raimi es un director que se propone a conseguir lo mas difícil, ya lo había logrado al levantar un proyecto que tanto Spielberg como Cameron le habían dado la espalda por estar tan rodeado de problemas, así que supongo que en esta tercera parte solo quería lograr lo imposible en esta saga echarla a perder.

Esta sección de botadero se caracteriza por presentar películas tan malas pero tan malas que al momento de verlas nos levantamos de nuestro asiento para quejarnos sobre lo que estamos viendo y después contamos con el agrado de sentarnos para poder seguir disfrutando de una buena cantidad de tonteras, pero la razón por la que me volví a sentar cuando veía Spiderman 3 fue que ya había pagado mucho dinero por el boleto para verla.

Pero ahora que lo veo en retrospectiva, en una película de súper-héroes de acción que incluye una escena musical, donde los personajes no aportan nada a la trama, donde uno de los mas grandes villanos es interpretado por el flacucho de Erick Forman de That 70’s Show y que encima de todo no solo me quito las ganas de volver a ver Spiderman 3, si no también destrozo en mi memoria los agradables recuerdos de las dos primeras películas; creo que si debí salirme de la sala.

Por CésaR
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The Truman Show - Pleasantville


Bienvenidos a VE-HACHE-ESE, la sección de ECHALE CACARO donde recordamos esas películas añejas que por más que envejecen, nunca dejan de gustarnos.

Esta vez nos iremos a un pasado no muy lejano. Viajaremos al mágico año de 1998. Era una época sin igual: El nuevo milenio estaba a la vuelta de la esquina, la música pop seguía siendo 100% fresa, las torres gemelas se alzaban majestuosas en Nueva York y en México, el PRI seguía acumulando décadas ininterrumpidas en la silla presidencial. En aquel año del Señor, se estrenaron dos películas en particular que parecen definir el sentimiento de fin de siglo hacia la cultura popular gringa. (y por extensión, de todos los que hemos crecido consumiendo esa cultura)

EL SHOW DE TRUMAN y PLEASANTVILLE son dos películas que parecen haberse puesto de acuerdo. En la primera, Jim Carrey ha pasado toda su vida atrapado en un pueblo artificial que en realidad es un enorme set de televisión con actores que fingen ser amigos, familiares y vecinos. En la segunda, Reese Witherspoon y Tobey Maguire son magicamente transportados a una serie de televisión de los años cincuenta donde todos son gente bonita y feliz... y donde el mundo entero está en blanco y negro.

La premisa es la misma. El mensaje también: El ideal de la vida perfecta que vemos en los medios es diametralmente opuesta a la vida real. Parece que el fin de siglo estaba llevando a la maquinota hollywoodense a cuestionar la esencia misma del entretenimiento mundano que ella ayudó a forjar.

Generaciones enteras crecieron frente a la caja idiota viendo como un logro el estar detrás de la pantalla, y tanto TRUMAN como PLEASANTVILLE desnudaban el mundo de la tele como una ilusión frívola en la que un ser humano real no podría estar a gusto.

TRUMAN es un melodrama. A pesar de que Carrey se desenvuelve con las payasadas que todos le conocemos, la película se adentra más en las implicaciones emocionales de descubrir que lo que uno conoce de la vida es en realidad una farsa. En cambio, en PLEASANTVILLE, la gente del pueblito en blanco y negro es la que cambia bajo la influencia que Reese y Tobey traen del mundo real. Todos están acostumbrados a hacer lo mismo una y otra vez, y cuando prueban algo nuevo, les sucede algo inesperado: literalmente se pintan de colores.

Estoy consciente de que el cine comercial norteamericano no está para cuestionamientos filosóficos ni para sacudir conciencias. Si el sistema hollywoodense intenta innovar con una película, será una innovación perfectamente controlada y que respete religiosamente las leyes del mercado, y llega un momento en la vida de los medios de comunicación en el que la autocrítica también vende.
Por eso los quejidos existenciales de la música grunge se volvieron el último grito de la moda a principios de los noventa, por eso la fotografía del Che Guevara llegó a aparecer en colecciones de ropa de marca, y creo que también por eso dos películas como TRUMAN y PLEASANTVILLE pudieron ser concebidas. Las dos son experiencias maravillosas para disfrutar y reflexionar, pero al final se quedan como los sencillos entretenimientos de fin de semana que son.
La idea de escapar de una realidad estática hacia un mundo más grande sería explotada a mayor escala y con más éxito comercial en 1999, cuando se estrenó la primera entrega de la saga de THE MATRIX. Una película que en su momento también pareció revolucionaria, y lo fue, en cuestión de efectos visuales y realización, pero sin romper el esquema de la película palomera.
Un esquema que nadie quiere que sea roto, a decir verdad. Más de diez años después, los espectadores nos hemos tomado la pastilla azul. Poco tiempo después de que EL SHOW DE TRUMAN partiera de la absurda premisa de una vida mundana vendida como show televisivo, BIG BROTHER y toda la cascada de subsecuentes Reality shows demostraron que hasta la vida del vecino puede convertirse en negocio.
Y mientras tanto, el cine escapista de coches veloces, seres mágicos y batallas asombrosas sigue siendo un éxito. Es como si Truman Burbank siguiera viviendo en su pequeño pueblo prefabricado y los habitantes de Pleasantville siguieran con su tranquila existencia en blanco y negro. Supongo que es hora de que la revolución se vuelva a poner de moda.
Por Abel
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Control

“La existencia, pues que importa, existo lo mejor que puedo,
El pasado ahora forma parte del futuro, el presente…
Está fuera de control”.

Así comienza la vida, el amor, los sueños, la poesía, la música, la decepción, la depresión, la ansiedad y sobre todo el miedo…

Emociones y sentimientos sumamente perplejos y profundos de la vida de Ian Curtis. Un film independiente a blanco y negro de Anton Corbijn, reconocido fotógrafo y director de videos musicales, que en 2006 dirigió la película de “Control”. Ganadora a mejor actor y mejor película Británica del festival de Edimburgo.

Se aborda sobre la banda inglesa que marcó historia a mediados de los setentas convirtiéndose en un ícono del post-punk. Ian un joven introvertido, solitario, retraído, taciturno, poético, y amante de la música vivió en Manchester, identificado por sus gustos musicales hacia David Bowie, Lou Reed, o Iggy Pop. Curtis empieza a formar sus propias letras, que se caracterizan por composiciones únicas y suicidas, estableciendo su propia esencia, empezando a tocar con un grupo llamado Warsaw, que poco después se haría llamar “Joy Division”.

Las letras de Ian Curtis son profundas e intensas, y es su personalidad tan extraña, efímera y atormentada que hace sus canciones tan especiales, lo sorprendente es que a pesar de su vida tan compleja llega a transmitirte sus emociones, sentimientos, y sus más grandes miedos a través de su música.

En éste film se ahonda sobre su vida, sus pasiones más grandes, así como una enfermedad tan difícil que trató de sobrellevar, como la epilepsia y agorafobia que lo sumergieron en un estado depresivo y sin control…su problema se fue agudizando, pues sufría ataques cada vez más constantes, que no libraba arriba del escenario y que lo llevarían al suicidio a sus 23 años y en su momento de más éxito.

Tal vez pienses que para ver ésta película tendrías que ser fan de Joy Division, y solo así entenderías más sobre su música, su vida, y los maravillosos matices del personaje, sin embargo puedo decirte que cinematográficamente destaca mucho y llenarían de agrado al público en cuanto a la fotografía, los encuadres, que reflejan sutileza, detalle, transparencia, combinando la quietud con la tensión, así como la buena dirección, ya que la personalidad de Ian Curtis bastante compleja, por lo que Sam Riley quién lo interpreta deja de ser él para convertirse en Ian, destacando sorprendentemente en sus gestos, miradas, movimientos al bailar, y voz grave tras cantar sin playback con un tono muy similar… que a su vez podría ser riesgoso, pero gratamente te envuelve y te sorprende, puesto que el detalle de la voz, los arreglos musicales son muy bien logrados y de gran calidad, las canciones bien escogidas para conocer más sobre los sentimientos del cantante.

Puedo decirte que no solo es aconsejable para los fans sino también para aquellas personas que elogian el cine blanco y negro, que gustan de los detalles, y que lo consideran un arte…Love Will Tear Us Apart…Cuando la rutina aprieta, y las ambiciones están por los suelos, y el resentimiento cabalga fuerte, ylas emociones no crecen… El amor, el amor nos separará otra vez…Debbie Curtis quien se casó con Ian, plasmó sus memorias, sobre todo aquello que conoció y vivió con el joven cantante, por lo que estos escritos son la base para la realización de la película de Anton Corbijn…”Control”.
Por Lídize
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Timy

Esta es la primera vez que dejo de lado mi opinión de cinéfilo y escribo desde el punto de vista de Director, un experimento muy interesante para dejarles el puesto de críticos expertos y me den cualquier clase de comentario que se les ocurra una vez que lean esto y, espero, vean el cortometraje.

Timy v.s. el desperdicio del agua en el siglo XXI

Quiero empezar mi comentario haciéndoles saber que es la primera segunda parte que realizo, su antecesor “Timy v.s. el desastre ecológico del siglo XXI” de 2010 fue bastante bien recibido por el público en general y cuenta la historia de Timy, un niño pequeño de entre 6 y 8 años de edad que aprende en menos de 5 minutos una de las teorías más importantes para la aplicación de un reciclaje adecuado, la teoría de las 3 “Rs”, gracias a la voz de un narrador que guía a Timy a través de bromas y aprendizajes, es que el niño logra recapacitar muy cerca del final sobre la clara enseñanza que ha obtenido casi sin darse cuenta sobre esta importante y necesaria cultura de limpieza y ahorro en la sociedad.

“Timy v.s. el desperdicio de agua en el siglo XXI” trata sobre la importante tarea de cuidar el agua, explica de forma rápida y con un ritmo un tanto acelerado de qué forma podemos contribuir todos desde nuestras casas al cuidado de este líquido vital.

Para la segunda parte he decidido retomar muchos de los elementos de la primera, para mantener la esencia de lo que es la idea en general, así como su diseño de arte, y en segundo, sabiendo que la exhibición y promoción de cortometrajes en México no es lo que todos quisiéramos, para permitir que quien lo vea pueda familiarizarse de inmediato y lo intrigara el hecho de saber que existe un trabajo previo.

El corto está diseñado para niños con un diseño de arte ágil y llamativo, sin embargo la narrativa es acelerada y concisa, dejé de lado los temas reiterativos y las ejemplificaciones tediosas, esto porque soy consciente de que los niños de la actualidad son de mente ágil, son verdaderos expertos en los videojuegos y el internet, les gusta la información clara y sucinta y la captan de muy buena forma, incluso mejor que muchos adultos, y odian ser tratados como tontos o retrasados, punto en el que muchos animadores de series infantiles no parecen percatarse.

Retomando algunos de los puntos más criticados en la primera producción explico el ¿Por qué? de Timy.

¿Por qué un nombre gringo o que suena gringo?
Necesitábamos un nombre corto conciso y que se mantuviera en la memoria de las personas.

Timy es la abreviación (o por lo menos lo es en mi caso) de Timoteo, fue un nombre que vino a nosotros, no lo buscamos, salió mientras nos contábamos los chistes y bromas, que realizaría Timy, entre los creadores. De ninguna forma está pensado para localizar a Timy en una nación en específico, el cortometraje está diseñado para trascender fronteras y nacionalidades, en otras palabras Timy no es de ningún lado y es de todos.
¿Por qué la secuencia inicial plantea un corto de acción y después es uno de estilo didáctico?
Timy es un personaje sin amarre, es un niño libre en cuanto a su imaginación y como director di las libertades para que el personaje se desarrollara solo, lo que creó al niño simpático y bromista que no se inhibe ni se reprime, lo que dio como resultado general bromas para todos, bromas hacia Timy, bromas al narrador, y una que otra broma al espectador.

¿Por qué el tema del reciclaje y ahora el cuidado del agua?
Inicialmente el cortometraje fue diseñado para la participación en un concurso donde el tema era este, sin embargo a raíz del éxito hemos diseñado una serie de secuelas en las que Timy pueda contribuir al aprendizaje de los niños de cualquier teoría o ideología propositiva que haga de este Mundo algo mejor.

¿Por qué las parodias o las imágenes que hacen alusión a otros filmes?
En este primer proyecto de comedia queríamos agrupar diferentes tipos del antiguo arte, y no quisimos dejar de lado la parodia, aunque están establecidos más a manera de tributo, dejando pequeños destellos de nuestras producciones favoritas, como buenos cineastas quisimos mostrar respeto de estos filmes que marcaron a nuestra generación, (Timy debería de tener 25 años en realidad).

Si quieren realizar cualquier otra pregunta con gusto la contesto en la sección del foro de la revista.

Considero que el buen diseño de personajes y ambientes tanto gráfico como emocional, así como la original narrativa confabularon de buena manera para hacer del cortometraje un resultado emotivo, divertido y educativo en general, pero siéntanse libres de opinar y no se detengan a la hora de hacérmela llegar, cualquiera que sea su índole será bien recibida.
por DAniel
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Cars 2

Antes de empezar a comentar sobre esta película quiero hacerles saber una pequeña noticia que no trascendió demasiado en los medios, la enorme casa productora Disney a raíz del tremendo éxito obtenido tras las producciones de Pixar (y me imagino que con la idea de exprimir tan extraordinarias ideas) instó a la pequeña empresa a producir secuelas de todos sus largometrajes convirtiéndolas en exitosas franquicias, con la idea de hacerlo ellos mismos, con sus propios animadores si Pixar no las filmaba, con la presentación de un primer borrador para una secuela de Toy Story en la que Buzz Ligthyear se descompone y es enviado a Taiwan donde los demás juguetes debían recuperarlo, Pixar decidió producir ellos mismos las secuelas ante el evidente hecho de que serían destrozadas por la renombrada casa productora.

Es por esto que cada vez escuchamos más y más noticias sobre planes para llevar acabo secuelas como la de “Cars” y próximamente “Monsters inc.” Para el 2013.

Preocupado por un instante por que la calidad de las secuelas menguaran el buen estilo y calidad que Pixar había otorgado a sus extraordinarias producciones, me mantenía discreto ante la idea de segundas partes, pero el miedo desapareció al ver “Toy Story 3” que aunque el tráiler no llamo mucho mi atención y con la idea de que sería una recopilación de chistes olvidados o guardados de las dos primeras partes…. Me encontré con una muy agradable sorpresa (que debo admitir me conmovió hasta los huesos), pero la historia parecía repetirse esta vez con una secuela de “Cars”, ¡“Cars 2”!, aunque el tráiler presentaba mayoritariamente una idea muy alejada de lo que fue la película original me abstuve (habiendo aprendido de mi error en Toy Story) de generarme una idea falsa sobre la película.

Sin embargo no estaba muy lejos de la realidad, aunque los personajes son los mismos, la animación igual y nuevamente de buena calidad, el estilo si cambió y no tanto en cuanto al diseño de arte o de personajes, sino al diseño de historia y de las realidades; fantasearon en un mundo más “animado” donde las leyes naturales se rompen con mayor facilidad lo que te presenta una película un tanto más “infantil” y sin embargo la trama es cruda, Pixar no se contuvo al presentarnos violencia al por mayor, armas, disparos, explosiones y muerte, cosas ajenas tanto para Pixar como para Disney, supongo que estas ideas eran de esperarse en una franquicia que paso de ser un drama deportivo a una película de acción, el filme no es malo, pero tampoco es una muy buena idea para niños pequeños, incluye más chistes especializados en automóviles, la comedia es continúa, así como la acción intrigante, pero al mismo tiempo, tiene un enorme defecto que también podría ser visto como su mayor virtud, la película cambia completamente de protagonista.

Difícilmente se me ocurre otra forma en la que hubieran podido hacer una secuela para el primer filme ya que el personaje de El rayo McQueen termina aprendiendo una lección muy importante y cambiando radicalmente, dejando atrás sus vicios de carácter, por ese lado (y me imagino que presionados por la industria Disney) veo un acierto el que no hayan querido destrozar al personaje sacándose de la manga un defecto que funcionara para este filme, así que decidieron voltear hacia
otro lado… el problema de esto es que nos quedamos con ganas de ver más de nuestro héroe y todo lo que esto conlleva.

Para no echársela a perder a quien no la haya visto no voy a comentar mucho sobre nuestra nueva estrella, pero si es necesario mencionar que el mundo cambia completamente para presentarnos el punto de vista de este nuevo personaje, sin embargo esto no llega a fundamentar (o en mi opinión no lo logra) los cambios visibles en el rompimiento de reglas en el mundo de cars que mencionaba unos párrafos arriba.

La narrativa del filme es bastante buena y atrayente, intrigante y dejando de lado este renovado mundo “infantil” la película funciona bastante bien en la primera parte, es el desenlace típico de una película de acción el que no me convence del todo, funcional en cuanto al cierre de historia, cierre de personajes y cierre de las emociones de los espectadores, sin embargo en cuanto al cierre del mensaje principal es un tanto confuso y no estoy del todo seguro de que el mensaje final sea un mensaje bueno…, de cualquier forma el ideal del mensaje por el que estuve a punto de pararme a aplaudir cuando el filme solo llevaba una hora (y con el cual, parecía por un momento, pensaban concluir) no termino de concretarse y quedo en un intento no del todo claro.

En fin Cars 2 no es la mejor película de Pixar, no está ni cerca de serlo, pareciera una más de una productora establecida, pero con tantos buenos títulos entre sus haberes, Cars 2 ocupara de inmediato un espacio detrás de todas estas.

por Daniel

Brad Bird

Brad Bird nace el 15 de septiembre de 1957 en Kalispell Montana, siendo el más pequeño entre cuatro hermanos, fue en una visita, apenas a los 11 años de edad, al parque de diversiones “Disney Land” que descubrió su pasión por la animación. Y no tardó mucho en demostrar su talento, ya que tan solo dos años después estrenaría su primer corto animado de quince minutos, causando asombro entre los animadores del estudio Disney.

Apenas a los catorce años de edad Brad sería apadrinado por Milton Erwin Kahl, uno de los más importantes animadores de Disney (animador de personajes memorables como Pinocho, Bambi, Alicia, Peter Pan, entre otros).

Fue así como Brad se hiso de un lugar en la famosa casa productora y consiguió participar en el filme “El zorro y el sabueso” de 1981, sin embargo después de este filme decidió salirse de la compañía.

Su siguiente trabajo como animador, director y escritor fue en la creación del episodio “the Family dog” para la serie de televisión de Steven Spielberg “Historias Asombrosas”, a raíz de este trabajo consiguió el de coescritor del guión para la película “Milagro en la calle 8” de 1987 producida por el mismo Spielberg.

De ahí Brad brinco a la caza productora Klasky Csupo donde colaboró con la transformación de la serie animada de “Los Simpsons” pasando de ser animaciones de un minuto a una serie autónoma y muy redituable.

Brad dirigió entonces un par de capítulos “Krusty Gets Busted” de la primera temporada, que se convertiría en el programa con mayor rating de la Fox en su semana de estreno, y “like father, like clown“ de la tercera temporada, colaborando también en un sin número de capítulos de la famosa serie.

Luego de participar en otras series animadas como “El crítico” y “Los reyes de la colina” fue contratado por la casa productora Warner Brothers para escribir y dirigir el film animado “ El gigante de hierro” 1999 una extraordinaria película que expone los nervios y el miedo a lo extranjero y desconocido al mismo tiempo que presenta una muy entrañable relación entre un niño y su mejor amigo, la película es exacta, con diálogos oportunos y precisos, y todo con un aporte significativo a una trama de mensaje impecable con un desenlace enternecedor.

Sin embargo a la película no le fue muy bien en taquilla (a pesar de ser bien aceptada por los críticos) posiblemente a causa de la poca difusión que tuvo por parte de Warner.

Pero la película no dejó de impresionar a un viejo amigo de Bird, el co-fundador y director de Pixar John Lasseter, quien no dudó ni un momento en llevar acabo la película de “Los increíbles” 2004,cuando fue presentada por Bird, la película que cuenta con una extraordinaria producción hizo merecedor de su primer Óscar al director quien a final de cuentas fue el encargado de dar la voz al personaje de Edna Mode dentro del filme, así como sirvió de inspiración (a manera de broma) para el diseño del personaje de Síndrome, para cuando Brad se dio cuenta de la broma por parte de los animadores era demasiado tarde dentro de la producción del filme como para poder realizar algún cambio.

Gracias al éxito de “Los Increíbles” Pixar le pidió a Bird que retomara el trabajo inconcluso de Jan Pinkava en su nueva producción “Ratatouille” 2007, un éxito más por parte de este talentoso director que lo hizo merecedor de su segunda estatuilla del Óscar a mejor película animada así como el globo de oro en la misma categoría.

Actualmente Bird se encuentra en la postproducción de “Mission imposible- ghost protocol” producida por Tom Cruise y J.J. Abrams.

Así como en la preproducción de “1906” proyecto que había comenzado a trabajar antes de ser desviado con “Ratatouille”, una coproducción de Warner y Pixar que narra con acción viva la corrupción del gobierno en San francisco en el año de 1906 y los daños que esta causo luego del terrible terremoto que sacudió a la ciudad.

El cine de Brad Bird es, en general, de muy buena calidad, cuenta historias increíbles donde ni la animación, ni los efectos visuales, ni el diseño de personajes supera en ningún momento la excelente calidad de la trama y los mensajes, lo que resulta en producciones de increíble calidad que deja a más de uno con la boca abierta.

Hasta ahora todo el trabajo de Bird ha sido de producción impecable y aún ahora dando un pequeño vistazo a las primeras ocho temporadas de los Simpson es realmente difícil no identificar todos los capítulos en los que contribuyó el cineasta (tan fácil como todos los capítulos buenos).
Una característica más del cine de Bird es su diseño de personajes entrañables, que trascienden en la industria y sus propias películas (aunque no ha sido el caso) fácilmente podrían ser protagonistas de sus propias series televisivas.

Considero que Brad Bird es uno de los pocos directores actuales empeñado en hacer las cosas bien y mantener estrictamente la regla de que “todo en el filme debe de aportar algo a la trama”, así como el mismo lo ha mencionado, su deseo de que la animación deje de ser considerada un género y sea vista como una forma de expresión artística, ya que es capaz de contar historias de drama, comedia, terror o cualquier otro género para público infantil y/o adulto.
Tú eres quien tú decidas ser
por Daniel
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El fin de Harry Potter

Nos tomó 7 películas para llegar a este momento mágico que enmarco la primera década de este siglo, Harry Potter fue todo un acontecimiento el cual logró hacer que los niños y adolescentes LEYERAN, y es que la autora JK Rowling plasmó con sus letras un universo que combina perfectamente el mundo actual o mejor dicho el Londres actual con la fantasía que el mundo de los magos encierra.

Harry es el chico que durante 10 años metió a todos sus familiares, amigos, maestros y una que otra criatura mística en problemas, la finalidad de toda esta historia es salvar y mantener vivo a Harry Potter, a lo cual les pregunto si después de ver estas 8 películas amerita salvarlo. La forma en que yo definiría la saga de Harry Potter en el cine es de conformidad, Warner Bros tenía una garantía, los súper aficionados Potternianos, los cuales son millones, correrían a llenar las salas de cine para ver la transformación del texto a imagen sin importar el resultado, a lo que por momentos siento que se abusó del cariño y entraña miento que la gente ya tenía de la historia, sin embargo no demerito que en cuanto a dirección de arte, música, efectos especiales y destacadas actuaciones Harry Potter por instantes nos sorprendió pero no trascendió de la misma forma en la historia de cine que como fenómeno literato. Seguro que ya hay gente quejándose de mis palabras en este momento, pero reflexionen aparte de ser la película que rompe records de taquilla que otra cosa aporto a la historia del cine, Harry Potter era un fenómeno antes de las cintas y Harry Potter seguiría siendo un fenómeno sin ellas, el punto clave de esta historia que es el gran desenlace solo fue un momento palomero.

Harry Potter and the Deathly Hallows, Parte 2, es una cinta que en general esta buena y que romperá todos los records monetarios de la industria cinematográfica, pero el director David Yates no logró sorprender en este desenlace dejando un montón de cabos sueltos que no concluyó, otros momentos más que a su interpretación dejaron mucho que desear e hizo aún más predecible el final, esto no es del todo su culpa, con tantos directores que tuvo la saga nunca se pudo dar una consecución o un solo tono a la historia, aparte de las fallas que puede tener esta saga como producción otra falla muy grande la tuvo la Warner Bros que una vez más nos ve como consumidores y no como personas con cerebro y sobre todo sentimientos, el hecho de dividir el final en dos partes y ver el resultado en pantalla solo se puede pensar que buscaron llenar los bolsillos vender su producto sin pensar en lo que para un fanático de Harry Potter representa cada personaje y aventura de este mundo mágico.

La gran diferencia que hay entre los libros y las películas es que la autora JK Rowling puso su corazón en esta historia para ella Harry Potter es uno más de sus hijos mientras que la Warner solo un negocio. Harry Potter tiene un final de más de 4 horas (si juntamos las dos partes) y sin embargo lo hicieron sentir como una embarrada de la historia donde dejaron fuera momentos claves (si, ya sé que es una interpretación del texto, pero como lectora de la saga puedo decir no le dieron su merecido respeto varios de los personajes en el final de esta saga), Harry Potter es el gran campeón que no merece la corona pues la cinta no permitió a la audiencia adentrarse más en los personajes y crear un vínculo emocional en el que realmente extrañemos y añoremos otra película del chico mago.

Este final es exactamente igual a lo que estamos acostumbrados a ver en una cinta de esta saga, una historia de poca emoción, muchos efectos, grandes actores secundarios y muy buenas locaciones, mi gran queja es que no le hicieron el merecido honor a personajes que en las mismas cintas acapararon un lugar y nuestra atención (Hagrid, el gemelo Fred, Remus Lupin solo por mencionar algunos) haciendo que Harry Potter en el cine no logre mi añoranza por una película más como lo logra el Harry Potter de Papel.

Por Dulce
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El Lado oscuro de la Luna

De la saga de Transformers se pueden comentar muchas cosas, ha generado mucha polémica a su alrededor, ha creado toda una nueva generación de seguidores al mismo tiempo que ha decepcionado a muchos otros, pero antes de empezar a hablar sobre esta bomba cinematográfica del Verano, (a mi parecer una de las dos más grandes del año junto con Harry Potter) hablemos un poco de sus predecesoras.

Para comenzar a hablar de Transformers es necesario saber y darnos cuenta que la película está basada en una caricatura que vio la luz en los años 80’s, sin embargo este no es el inicio de los Transformers, quienes llegaron al Mundo como una línea de juguetes Japoneses en los 70s, que posteriormente sería comprada por Hasbro y le daría el ahora tan popular nombre.

Entonces lo que vemos en el cine es una película basada en un juguete, habiendo aclarado esto veamos que espectáculo alucinante nos ha preparado Michel Bay.

“Transformers” (2007) es una película atrayente por los efectos digitales y visuales, además de abarcar personajes muy arraigados en una generación con resiente poder adquisitivo y en plena edad de reproducción, o sea, el plan es hacer una película en la que los papás se emocionen de ver a los autos con los que jugaban cobrar vida y actuar las aventuras que ellos interpretaban y por otro lado, que le presentaran a sus hijos esta nueva visión tecnológica y sumamente llamativa con la idea de compartir héroes, sin embargo la película no pudo dejar de lado el hecho de haber iniciado como serie animada, he introdujo en el filme de forma absurda chistes sosos junto con escenas inútiles para el progreso de la trama, que si bien sacan una que otra riza se sienten más bien incómodas en general.

La relación entre Autobots y humanos era comprensible pero el representante de nuestra especie resulta ser un perdedor, que a final de cuentas encuentra el valor y la inspiración para hacer lo correcto, hasta ahí todo marcha…”bien”, ya viste a los cochecitos transformarse, ya recordaste tu infancia, ya te reíste y te emocionaste y sales con un sabor de boca nostálgico y alegre.

Pero ¿qué paso?… a la película no le fue nada mal… autos, robots y mucha acción ¿qué más podíamos pedir?

Michel Bay realiza “Transformers 2 la venganza de los caídos”(2009) y se mete en muchos problemas, consiguiendo incluso fuertes críticas por personajes estereotipados y “racistas”, la película es visualmente espectacular con robots gigantes de alta dificultad en diseño y animación, los efectos sonoros impactan desde la primera escena y… nada más, la trama es muy floja, el diseño de personajes mengua y los chistes aparte de ser inoportunos se vuelven ridículos, (de cualquier forma las risitas continúan saliendo) , pero el mayor problema es que la trama se siente completamente sacada de la manga, pareciere que la acción guía a la película en todo momento y marcara casi con compás en que instante debe morir el personaje heroico y en qué minuto revivir, entiendo que este tipo de tramas funcione en televisión donde en cualquier día te cortan el programa y debes de entregar emoción y suspenso en cada una de las temporadas, sin embargo
en el cine es bastante falso, en la pantalla grande si tienes oportunidad de hacer una trilogía ya es mucho, las historias deben de ser concisas y planeadas, deben de llevar a un lugar y dejar una enseñanza para que el espectador no se sienta defraudado, pero la fórmula de block buster de verano ahí está y a pesar de todo esto al parecer a la película le va bien.

Lo que nos lleva a “Transformes 3 el lado oscuro de la Luna” (2011).

Un acierto muy importante de la película y del que te puedes dar cuenta casi de inmediato es que el director nos permitió relacionarnos con los Autobots de forma más directa y humana, le dio más tiempo al desarrollo de los personajes nuevos, cambió todos los detalles por los que se le acusó de racista en la segunda parte y claramente le dio más participación a actores afroamericanos en el filme, la película parece mantener su mal sello personal de película familiar con chistes ridículos,(a final de cuentas no se pudo deshacer de ellos), los personajes en general están mejor aterrizados y, aunque hay diálogos que a pesar de llevar toda la intención de sonar heroicos, suenan absurdos, las interpretaciones se salvan a comparación de las antecesoras, otro problema de la saga es la continua aparición y desaparición de personajes a lo largo de la película, este problema continúa en esta tercera entrega, personajes que entran dicen su comentario gracioso y ya, desaparecen, no sé si Michel Bay tenía la idea de que no los recordaríamos, el verdadero problema es que esto pasa tanto con personajes humanos como con Decepticons, he incluso uno que otro Autobot.

La emoción está muy bien manejada en esta tercera entrega y Leonard Nimoy vino a darle un toque de solemnidad que le urgía a la franquicia, los efectos visuales, especiales y digitales son espectaculares, la música realmente emociona, el diseño sonoro una vez más se encuentra por encima de las expectativas, técnicamente hablando la película está muy bien realizada, y no era para menos con la cantidad de dinero invertido, el verdadero problema de la saga en general es que está manejada a manera de show, está hecha para que grites, te emociones y ya, que continúes tu vida una vez saliendo de la sala, las películas no trascienden ni se preocupan en enfatizar un mensaje que medio asoma con enseñanzas en los diálogos finales de Optimus Prime en las dos primeras entregas, en esta tercera parte la trama parece recaer en un solo problema que se viene planteando a lo largo de todo el filme, si bien el mensaje está ahí, y es legible, se nota que la película no es muy diferente a sus antecesoras en el final, el cual no voy a comentar por respeto a quien no la haya visto pero es sumamente tajante.

Un punto muy importante de mencionar del filme es que el 3D está muy bien logrado (retomando la parte técnica) y sí es muy recomendable verla de esta forma, sobre todo si eres aficionado al efecto.

En resumidas cuentas la película es buena, por mucho la mejor de la saga y sin embargo, con la idea de exigir a cada quien dentro de sus posibilidades, a la película le falto mucho para ser lo que yo imaginaba cuando jugaba con mis Transformers.

Por Daniel
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Los Verdaderos Héroes de Disney, Las Princesas Parte 2



Jazmín


En 1992, siguiendo con la buena racha del estudio Disney, se estrena Aladin una adaptación del libro The Arabian Nights. La historia era algo que bien se podía hacer con actores pero los animadores decidieron anteponerse diciendo que ellos lograrían hacer algo que ningún actor pudiera hacer y eso fue el genio. Se hizo un primer tratamiento de la historia el cual fue rechazado en su totalidad, en esta primera versión Aladin tenía mamá y la clave de la cinta era la relación madre e hijo, todo pero todo esto quedó en el olvido y decidieron hacer de Aladin un joven ladrón y eso se convertiría en el siguiente problema del proyecto como hacer que una rata callejera tuviera un noble corazón que después la gente quisiera que se quedará con la bella princesa.




Aladin fue una película que tuvo un desarrollo diferente ya que tenía la continuidad y el respaldo del éxito de sus dos antecesoras (La Sirenita y La Bella y la Bestia), pero su mérito radica en que es la primera cinta de Disney que satiriza personalidades u actividades del medio hollywoodense, la primera en que la princesa no es la protagonista de la historia y la primera que no es un cuento de hadas como tal es un cuento comedia.




Jazmín la princesa en esta historia fue creada por el mismo animador que hizo Ariel y Bella, él se inspiró en su hermana para hacer este personaje que sin llevar la batuta de la historia bien fue un reflejo para la mujer a la que no le importa la posición social y además es la primera princesa que no quiere ser princesa quiere ser libre e independiente.

Lo que esconde la lámpara: Jazmín es una representante de la posrevolución femenina de los 80’s es una heroína que cuestiona las leyes y presiones sociales sobre la libertad de elección.

¿Y el príncipe? De mendigo a príncipe millonario, así es la historia de Aladin un joven que al buscar su libertad encuentra este mismo objetivo por parte de la bella princesa, ambos comparten intereses sin que la condición social importe.


Pocahontas

Tal parecía que Disney había encontrado la fórmula del éxito nuevamente, sin embargo busca arriesgarse y en 1995 estrena una producción animada por primera vez basada en una persona real. Pocahontas es una de las más grandes heroínas de la cultura americana y también protagonista de un sin número de fábulas y leyendas, es de este folklore y del momento en que Pocahontas conoce a John Smith del que los animadores se basan para traer una historia más dramática y romántica.

El reto principal para los creadores y animadores era que Pocahontas es que es una mujer y no una adolescente como lo habíamos visto en Ariel o Bella, esta nueva heroína tiene más honestidad, confianza en sí misma, es abierta, atlética, con una belleza única, una buena amiga, defiende sus creencias y valores y aprecia su libertad; es un personaje más real, sin embargo aunque es alguien más apagado a lo terrenal y no al cuento, tiene una magia que se la da sus pensamientos profundos, su espiritualidad y su conexión a cada momento con la naturaleza.

Pocahontas fue la prueba de fuego para Disney lograron darle su magia a un acontecimiento verídico histórico y es la primera vez que vemos a nuestra protagonista totalmente en contra de la violencia.

Lo que esconde el viento: Pocahontas es la primera princesa que no tiene un objetivo en concreto como ella lo dice en sus canciones va viviendo el presente, pero demuestra que el río, como la vida, es para lanzarse a ver qué pasa, no para controlar.

¿Y el príncipe? En esta película no existe un príncipe como tal, John Smith es el galán, Pocahontas es la primera película donde nuestra heroína no se queda con su enamorado.

Mulán

Para la creación de Pocahontas y Mulán los estudios Disney disfrutaban de su cosecha, es decir el éxito taquillero de La Sirenita hasta Aladdin les permitía desarrollar cualquier proyecto, sin embargo buscaron desafiarse buscando adaptar una historia ambientada y desarrollada de una cultura fuera de la americana, viajando así hasta China, para la adecuada realización de esta cinta el equipo de animadores se trasladó 3 semanas a China para estudiar y empaparse de los ambientes y costumbres de la región.




Mulán es la leyenda original acerca de una hija que salva la vida de su padre, Disney trato de mostrar este acto heroico por medio de una joven común y corriente que hace trampa, que gusta y vive en el desorden, duda de ella y no le gusta su reflejo en el espejo, Mulán es una adolescente muy humana, es una joven que vive el presente haciendo elecciones de acuerdo a como la situación se le presente, ella tiene que hacer uso de su destreza mental para poder usar su fuerza física, los realizadores quisieron demostrar que el rol de la mujer ha cambiado completamente, a finales de los 90’s las mujeres logran el éxito por quienes son y no por como se ven.

Lo que no se ve en el espejo: Mulán es la heroína más sola de todas, no tiene ayuda de nadie, ella sola tiene que tomar sus decisiones y las repercusiones de estas; Mulán a diferencia de Ariel no busca revelarse ante su padre o huir de casa al contrario ella busca honrar a su familia.

¿Y el príncipe? Para Mulán se acabaron los príncipes los hombres del campamento son asquerosos y cochinos, el capitán es un galán ególatra solo los logros de Mulán hacen que cambie su opinión respecto a ella.

Tiana

Esta princesa marca el inició de la etapa de Disney Animation bajo el mando de John Lasseter, el desea hacer un cuento de hadas honesto que refleje la realidad y poco a poco se rodeé en fantasía, así es como se desenvuelve el cuento de la Princesa y el Sapo, una historia original de Walt Disney y la primera princesa del estudio Disney en situarse en los Estados Unidos (New Orleans).

Crear a Tiana fue todo un reto porque a lo largo de la cinta veríamos a la protagonista como una niña, una joven y convertida en sapo, como dato curioso es la única princesa zurda de Disney; en esta historia el objetivo primordial de la princesa es tener un restaurante para lo cual debe trabajar muy duro y con esto se convierte en la primera princesa que necesita trabajar para alcanzar sus metas. Para esta cinta John Lasseter trajo de nuevo al equipo que creo la Sirenita y Aladdin ellos se encargaron de reflejar en los ambientes como se siente vivir en New Orleans y tener como protagonista a la primera afroamericana princesa de Walt Disney, Anika Noni Rose encargada de la voz de Tiana menciona: En este mundo hay príncipes y princesas que vienen en diferentes formas, tamaños y colores, Tiana viene a mostrarle al mundo que los afroamericanos también soñamos y tenemos historias de realeza.

Lo que esconde el sapo: Tiana es la primera princesa que podemos ver en la pantalla siendo niña.

¿Y el príncipe? Tiana le enseña al príncipe Naveen que a cierta edad ya hay que tomar ciertas responsabilidades sin llegar a los extremos “workaholic” el equilibrio se lo dará su amor.

Rapunzel

Enredados es la película número 50 del área animada del estudio Disney para este entonces ya han hecho alrededor de 7,200,000 de dibujos a lo largo de memorables largometrajes. La historia de Rapunzel empezó hacer realizada en 1940’s por Walt Disney, sin embargo nunca le gusto el resultado, él estaba convencido que para llevar acabo esta cinta el desafío era hacerle otra dimensión a un cuento clásico, esto lo lograron los animadores hasta el 2010; Enredados es una actualización del cuento pero conservando sus cosas icónicas tales como el cabello de Rapunzel, la torre donde vive y el príncipe trepando por el cabello de la princesa.

En esta cinta la estrella es el cabello de la heroína para hacerle sus 20 metros de cabellos se tuvo que hacer un software especial el cual permite mover el cabello, darle brillo y darle una apariencia más real.

En un principio los animadores querían que este cuento de hadas iniciara con la clásica apertura del libro y con un inicio totalmente diferente donde la reina (mamá de Rapunzel) está muy enferma el rey desesperado busca la flor mágica que pueda curarla pero dicha flor se encuentra en posesión de una vieja malvada después de tantas veces pedírsela el rey se desespera y entra a robarla como venganza la vieja anciana se roba a la recién nacida; a partir de esa premisa los animadores comenzaron hacer cambios hasta que la historia quedo como la vimos en pantalla.

Rapunzel es un cuento clásico actualizado por sus bromas, personajes, 45000 linternas de arroz, 30000 campesinos en escena y una heroína que logra su libertad al deshacerse de su don y característica singular, su cabello.

Lo que esconde el cabello: Rapunzel es una historia en la época de la revolución femenina donde se quitan los corsés los vestidos hampones y se cortan las mujeres el cabello

¿Y el príncipe? Este galán reúne las características de todos los anteriores es ladrón como Aladdin, ignorante como Bestia y tiene que ser salvado como Erick



Las princesas de Disney son unas pioneras, heroínas y queramos o no reflejo de la mujer de su época, a nivel cinematográfico, la vida de uno de los estudios más importante depende de ellas por que la historia de una princesa no radica en ser una mujer en apuros, son personajes fuertes que definen las luchas interiores por las que pasan todas las personas. Walt Disney buscó hacer películas para las generaciones y aunque creas que son cuentos ingenuos nos dan por unos instantes la ilusión de que podemos vivir felices por siempre.

Por Dulce



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Sucker Punch y el mejor soundtrack del año



Después de ver Sucker Punch me sentí más incomprendido que nunca en este mundo, me sentí Geek (si lo soy), pero también sentí que estaba muy solo en gustos de comics, películas, muñecos, etc.

La ciencia ficción suele decirse que tiene muchos adeptos en estos días en especial por que hay una serie llamada Big Bang Theory que si bien me gusta, creo que ha traído algo malo al mundo de los súper héroes y la ciencia ficción ya que ahora todo el mundo se pone una playera de Linterna Verde, de Capitán América, etc.

El problema no es que usen las playeras si no que ahora todos quieren ser geeks o ñoños, les parece cool por ese programa pero realmente no están dispuestos a encontrar o comprender los mensajes de Star Wars, Marvel, DC o los personajes que existen en el mundo del comic, solamente agarran las cosas básicas y ahí estamos ante un gran problema, la gente cree que ser geek es solamente ponerte a tener sexo con tu vecina (que casualmente es muy sexy) o un hindú raro.

En fin ustedes van a decir a donde vamos con tanto odio hacia el programa o a la gente que solo hace eso y es que todo esto se basa en lo que pasa cuando a nuestro país llegan cintas de Sci-Fi, nadie les entiende, todas son muy malas, están echas con las patas son las críticas que reciben muchas por que no entienden mensajes simples e importantes en la vida que nos traen con personajes imaginarios como lo es en Sucker Punch que erróneamente aquí le pusieron Mundo Surreal y la cual duro nada en cartelera, simplemente por que hay críticos que creen que el cine solo tiene que ser de Almodóvar o cosas por el estilo.

Esta cinta tiene tantos elementos tan importantes e increíbles que la voy a defender a muerte, primero que nada tiene una historia muy simple, pero que esa simpleza la hace básica para una época de crisis de valores y económica que hay en el mundo, el mensaje es claro; tienes todas las armas pero la más importante eres tu así que adelante. Si muy simple pero cierto, la trama es sobre cinco chicas que están atrapadas en un loquero, muchas de ellas no tienen a donde ir, cuando llega Baby Doll (Emilly Browning) al lugar comienza una revolución pues ella quiere escapar de ahí antes que le apliquen una lobotomía y olvide todo lo que ha pasado en su vida, por supuesto ella es una guerrera y no va a permitir que esto le pase ni a ella ni a ninguna de sus amigas quienes llevan por nombre Rocket, Sweet Pea, Blondie y Amber.

Con ellas planea el escape perfecto en el cual debe juntar cinco elementos para poder tener éxito en esta situación de vida o muerte, a lo largo de la cinta Baby se imagina cada una de las situaciones como si fueran misiones diferentes, por ejemplo conseguir el mapa es un panorama de la segunda guerra mundial, cuando hay que conseguir el cuchillo se imagina un mundo futurista con trenes que van de ciudad en ciudad a máxima velocidad.

En fin al final la cinta muestra un mensaje muy bonito de vida, un mensaje el cual todos los que nos sentimos prisioneros de algo podemos aprender que tenemos todo para salir de eso, solamente hay que saber que lo más importante es nosotros mismos.

Ahora esta sección es sobre música por supuesto y realmente otro de los fuertes de Sucker Punch es el score, para mi el mejor soundtrack del año, el cual reúne a artistas como Bjork, Queen y canciones de Pixies, Roxy Music y The Beatles, todas las rolas son puestas en la película en el momento indicado, gran parte de la carga visual y del impacto que puede tener es gracias a la música la escena en donde escuchamos “Army Of Me” de Bjork simplemente no me la imagino sin ese remix que la va acompañando, es impresionante como un director le puede encontrar en la edición los sonidos adecuados a un momento especifico, otra secuencia en la que se te pone la piel chinita es cuando suena “Tomorrow Never Knows” de puño y letra de Lennon y McCartney, interpretada por Carla Azar, es un momento casi orgásmico a la vista, una escena que concluye como teatro griego con la muerte de un personaje y con el eco retumbando de las letras de The Beatles.

El director es Zack Snyder a quien recordamos por cintas como Watchmen, 300 y El Amanecer de los muertos, es un director que visualmente le echa muchas ganas, simplemente es impecable lo que hace en efectos visuales, en este caso tiene una historia muy simple y bonita y el le da mucha fuerza con sus mundos que logra en el cuarto de edición.

Las actrices están fenomenales en sus papeles Emily Browning como la protagonista de la historia, Abbie Cornish quien es una sorpresa en la cinta, Jena Maline y Vanesa Hudgens las cuales derrochan sensualidad y picardía en la película y la parte serie con Jaime Chung las cinco protagonistas hacen muy creíbles sus papeles pasan con creces el reto de ser heroínas de la pantalla grande a pesar de su corta carrera en el cine.

En fin yo recomiendo que compren el disco de Sucker Punch el cual se ve que a mucha gente le ha gustado pues sigue en primeros lugares de ventas en las tiendas, pero sobre todo te pido que veas la cinta con la mente abierta y dispuesto a recibir un mensaje que te dejara en paz y con ganas de triunfar en esta vida:



“You have all the weapons you need now fight”

Por Tello